fa
Feedback
Mid-Century, More Than

Mid-Century, More Than

رفتن به کانال در Telegram

Русско-английский канал о модернизме XX века в архитектуре и дизайне. —— This is a bilingual channel about mid-century architecture and design. ✉️@mid_mod_bot knd.gov.ru/license?id=6735f1b015601c23cb22e799®istryType=bloggersPermission

نمایش بیشتر

📈 تحلیل کانال تلگرام Mid-Century, More Than

کانال Mid-Century, More Than (@midcenturymodern) در بخش زبانی روسی بازیگری فعال است. در حال حاضر جامعه شامل 17 462 مشترک است و جایگاه 581 را در دسته خانه و معماری و رتبه 38 203 را در منطقه روسيا دارد.

📊 شاخص‌های مخاطب و پویایی

از زمان ایجاد در невідомо، پروژه رشد سریعی داشته و 17 462 مشترک جذب کرده است.

بر اساس آخرین داده‌ها در تاریخ 22 ژوئیه, 2026، کانال فعالیت پایداری دارد. در ۳۰ روز گذشته تغییر اعضا برابر -75 و در ۲۴ ساعت گذشته برابر 0 بوده و همچنان دسترسی گسترده‌ای حفظ شده است.

  • وضعیت تأیید: تأیید نشده
  • نرخ تعامل (ER): میانگین تعامل مخاطب 5.60% است و در ۲۴ ساعت نخست پس از انتشار، محتوا معمولاً 3.20% واکنش نسبت به کل مشترکان کسب می‌کند.
  • دسترسی پست‌ها: هر پست به طور میانگین 978 بازدید دریافت می‌کند. در اولین روز معمولاً 558 بازدید جمع‌آوری می‌شود.
  • واکنش‌ها و تعامل: مخاطبان به‌طور فعال حمایت می‌کنند؛ میانگین واکنش به هر پست 35 است.
  • علایق موضوعی: محتوا بر موضوعات کلیدی مانند photos, архитектор, ponti, гг., designed تمرکز دارد.

📝 توضیح و سیاست محتوایی

نویسنده این فضا را محل بیان دیدگاه‌های شخصی توصیف می‌کند:
Русско-английский канал о модернизме XX века в архитектуре и дизайне. —— This is a bilingual channel about mid-century architecture and design. ✉️@mid_mod_bot knd.gov.ru/license?id=6735f1b015601c23cb22e799&registryType=bloggersPermission

به لطف به‌روزرسانی‌های پرتکرار (آخرین داده در تاریخ 23 ژوئیه, 2026)، کانال همواره به‌روز و دارای دسترسی بالاست. تحلیل‌ها نشان می‌دهد مخاطبان به‌طور فعال با محتوا تعامل دارند و آن را به نقطه اثرگذاری مهم در دسته خانه و معماری تبدیل کرده‌اند.

17 462
مشترکین
اطلاعاتی وجود ندارد24 ساعت
-127 روز
-7530 روز
جذب مشترکین
ژوئیه '26
ژوئیه '26
+62
در 3 کانال‌ها
ژوئن '26
+210
در 3 کانال‌ها
Get PRO
مه '26
+186
در 17 کانال‌ها
Get PRO
آوریل '26
+220
در 13 کانال‌ها
Get PRO
مارس '26
+220
در 4 کانال‌ها
Get PRO
فوریه '26
+467
در 25 کانال‌ها
Get PRO
ژانویه '26
+265
در 8 کانال‌ها
Get PRO
دسامبر '25
+372
در 25 کانال‌ها
Get PRO
نوامبر '25
+568
در 14 کانال‌ها
Get PRO
اکتبر '25
+310
در 13 کانال‌ها
Get PRO
سپتامبر '25
+212
در 8 کانال‌ها
Get PRO
اوت '25
+419
در 16 کانال‌ها
Get PRO
ژوئیه '25
+228
در 11 کانال‌ها
Get PRO
ژوئن '25
+722
در 15 کانال‌ها
Get PRO
مه '25
+324
در 15 کانال‌ها
Get PRO
آوریل '25
+432
در 18 کانال‌ها
Get PRO
مارس '25
+677
در 29 کانال‌ها
Get PRO
فوریه '25
+287
در 12 کانال‌ها
Get PRO
ژانویه '25
+308
در 13 کانال‌ها
Get PRO
دسامبر '24
+480
در 30 کانال‌ها
Get PRO
نوامبر '24
+1 225
در 13 کانال‌ها
Get PRO
اکتبر '24
+340
در 24 کانال‌ها
Get PRO
سپتامبر '24
+266
در 18 کانال‌ها
Get PRO
اوت '24
+330
در 31 کانال‌ها
Get PRO
ژوئیه '24
+482
در 7 کانال‌ها
Get PRO
ژوئن '24
+360
در 10 کانال‌ها
Get PRO
مه '24
+529
در 16 کانال‌ها
Get PRO
آوریل '24
+880
در 18 کانال‌ها
Get PRO
مارس '24
+433
در 5 کانال‌ها
Get PRO
فوریه '24
+511
در 7 کانال‌ها
Get PRO
ژانویه '24
+605
در 7 کانال‌ها
Get PRO
دسامبر '23
+758
در 19 کانال‌ها
Get PRO
نوامبر '23
+355
در 12 کانال‌ها
Get PRO
اکتبر '23
+391
در 9 کانال‌ها
Get PRO
سپتامبر '23
+451
در 0 کانال‌ها
Get PRO
اوت '23
+552
در 0 کانال‌ها
Get PRO
ژوئیه '23
+882
در 0 کانال‌ها
Get PRO
ژوئن '23
+317
در 0 کانال‌ها
Get PRO
مه '23
+400
در 0 کانال‌ها
Get PRO
آوریل '23
+317
در 0 کانال‌ها
Get PRO
مارس '23
+339
در 0 کانال‌ها
Get PRO
فوریه '23
+629
در 0 کانال‌ها
Get PRO
ژانویه '23
+551
در 0 کانال‌ها
Get PRO
دسامبر '22
+355
در 0 کانال‌ها
Get PRO
نوامبر '22
+556
در 0 کانال‌ها
Get PRO
اکتبر '22
+439
در 0 کانال‌ها
Get PRO
سپتامبر '22
+229
در 0 کانال‌ها
Get PRO
اوت '22
+475
در 0 کانال‌ها
Get PRO
ژوئیه '22
+563
در 0 کانال‌ها
Get PRO
ژوئن '22
+581
در 0 کانال‌ها
Get PRO
مه '22
+372
در 0 کانال‌ها
Get PRO
آوریل '22
+321
در 0 کانال‌ها
Get PRO
مارس '22
+817
در 0 کانال‌ها
Get PRO
فوریه '22
+93
در 0 کانال‌ها
Get PRO
ژانویه '22
+168
در 0 کانال‌ها
Get PRO
دسامبر '21
+154
در 0 کانال‌ها
Get PRO
نوامبر '21
+40
در 0 کانال‌ها
Get PRO
اکتبر '21
+39
در 0 کانال‌ها
Get PRO
سپتامبر '21
+270
در 0 کانال‌ها
Get PRO
اوت '21
+219
در 0 کانال‌ها
Get PRO
ژوئیه '21
+105
در 0 کانال‌ها
Get PRO
ژوئن '21
+496
در 0 کانال‌ها
تاریخ
رشد مشترکین
اشارات
کانال‌ها
23 ژوئیه+1
22 ژوئیه+7
21 ژوئیه+5
20 ژوئیه+4
19 ژوئیه+1
18 ژوئیه0
17 ژوئیه+2
16 ژوئیه+1
15 ژوئیه+1
14 ژوئیه+1
13 ژوئیه+1
12 ژوئیه0
11 ژوئیه+1
10 ژوئیه+4
09 ژوئیه+5
08 ژوئیه+1
07 ژوئیه+4
06 ژوئیه+3
05 ژوئیه+4
04 ژوئیه+1
03 ژوئیه+4
02 ژوئیه+3
01 ژوئیه+8
پست‌های کانال
Однако наибольшую известность Свену Палмквисту принесла серия «Fuga», создание которой тоже потребовало новой технологии. Пал
+9
Однако наибольшую известность Свену Палмквисту принесла серия «Fuga», создание которой тоже потребовало новой технологии. Палмквист размышлял над разработкой новой техники - способа изготовления стекольных изделий при помощи вращающейся формы, - уже в 1934 г., а в 1943 г. провел первые эксперименты на ручном станке. Тогда же дизайнер подал первую заявку на регистрацию патента - предметом было «приспособление для производства стекольных изделий», центрифуга с ручным приводом. Недостатком этого приспособления было отсутствие ограничителя в форме, без которого «на высокой скорости стекольная масса могла выплеснуться из формы на штаны стеклодува». К 1950-м гг. технология была доработана, и в 1954 г. свет увидела новая коллекция мисок и тарелок, изготавливавшихся из прозрачного стекла - никаких сложностей по сравнению с сериями «Kraka» и «Ravenna», - уже с использованием электрической центрифуги. Собственно, название коллекции, в 1957 г. удостоенной гран-при Миланской триеннале, отсылает не к музыке, а к промышленному методу производства этих предметов: форма закрепляется на центрифуге, после чего в нее заливают расплавленную стекольную массу и раскручивают центрифугу. ——— However, it was the Fuga series that ultimately brought Sven Palmqvist his greatest recognition. Like Kraka and Ravenna before it, the collection emerged from the development of an entirely new glassmaking technique. Palmqvist had been contemplating a method for producing glass objects using a rotating mold as early as 1934, and by 1943 he was conducting his first experiments on a manually operated machine. That same year, he filed his first patent application for what he described as a “device for the manufacture of glassware”, essentially a hand-driven centrifuge. The invention, however, had a significant flaw. The mold lacked a retaining collar, meaning that "the molten glass could, at high speed, escape over the top of the mould, thus burning the pants of the operator". By the 1950s the process was refined, and in 1954 a new collection of bowls and dishes made from clear glass was introduced. Compared to the technical complexity of Kraka and Ravenna, these objects were almost austere in their simplicity. Their innovation lay not in color or surface decoration, but in the method of production itself: by then, the manual centrifuge had been replaced with an electrically powered one. The name of the collection - awarded the Grand Prix at the Milan Triennale in 1957 - does not, despite appearances, refer to music. Rather, it alludes to the industrial process behind its creation. A mold is fixed to a centrifuge, molten glass is poured into it, and the machine is set spinning. (photos: mid2mod.blogspot.com, metropol.se, auctionet.com, bukowskis.com, moma.org, collections.vam.ac.uk, collection.nationalmuseum.se)

2
В 1950-1960-х гг. одним из главных американских дизайнеров был Джордж Нельсон, у которого была своя студия, «George Nelson As+4
В 1950-1960-х гг. одним из главных американских дизайнеров был Джордж Нельсон, у которого была своя студия, «George Nelson Associates». В 1956 г. Ирвинг Харпер, сотрудник этой студии спроектировал легендарный диван «Marshmallow» (рус. зефир), выпускавшийся компанией «Herman Miller». В то же время по другую сторону границы, в Канаде, жил и работал дизайнер по имени Робин Буш, считавшийся одним из главных канадских дизайнеров. У Буша тоже была своя студия с похожим названием, «Robin Bush Associates». Помимо проектирования разных предметов интерьера, эта студия была официальным поставщиком продукции «Herman Miller» в Канаду. Однако совпадения (или, как бы сказала Наташа Крючкова, сближения) на этом не заканчиваются: в 1960 г. Буш работал с производителем мебели для офисных помещений и школ и создал скамейку со съедобным названием «Lollipop» (рус. леденец). Скамья была полностью модульной, и можно было выпускать вереницы «Леденцов» любой длины. Благодаря этой особенности на новую модель обратил внимание международный аэропорт Торонто, закупивший для своего нового терминала целую партию таких скамеек. ——— During the 1950s and 1960s, George Nelson stood among the leading figures of American design. His studio, George Nelson Associates, became one of the most influential design offices of the postwar era. It was there that Irving Harper, one of Nelson's collaborators, designed the now-iconic Marshmallow sofa for Herman Miller in 1956. Meanwhile, just across the border in Canada, another designer was making a name for himself. Robin Bush, widely regarded as one of Canada's most important postwar designers, also headed a studio with a remarkably similar name, Robin Bush Associates. In addition to designing furniture and interiors, Bush's firm served as the official Canadian representative for Herman Miller. But the parallels do not end there. In 1960, while working with a manufacturer specializing in furniture for schools and offices, Bush designed a modular bench with an equally edible name, Lollipop. Like Marshmallow, Lollipop embraced playful imagery, but Bush took the idea in a distinctly architectural direction. The bench consisted of repeating modular units that could be linked together to form seating of virtually any length, making it adaptable to a wide range of public spaces. This flexibility soon attracted the attention of Toronto International Airport, which purchased a large number of Lollipop benches for its new terminal. (photos: journals.lib.unb.ca, nienkamper.com, historymuseum.ca, designkultur.wordpress.com)
699
3
В этом году исполняется 80 лет с момента создания одной легендарной итальянской гейзерной кофеварки, о которой мы как-то расс+9
В этом году исполняется 80 лет с момента создания одной легендарной итальянской гейзерной кофеварки, о которой мы как-то рассказывали, поэтому очередную рабочую неделю начнем с еще одной заметки об этом приспособлении. Первая кофеварка из этой серии была спроектирована Джордано Роббиати в 1946 г. Сначала фабрика, основанная Роббиати (и, к слову, разрушенная во время бомбардировок Милана в 1943 г.), выпускала перколяторы, не имевшие собственного нагревательного элемента, а в дальнейшем стала производить и электрические версии. Но как и модификации для кухонных плит, так и электрические разновидности отливались из алюминия и обрабатывались вручную. Помимо привлекательных форм, выдержанных в эстетике стримлайн-модерна, кофеварки Роббиати интересны маркетингом: все разновидности, выпускавшиеся в Италии, носили название «Atomic», недвусмысленно намекающие на начало «Ядерного века». Даже логотип этой серии кофеварок слегка напоминает ядерный гриб, а некоторые пользователи сети разглядели очертания гриба и в бакелитовом вентиле. Вероятно, дизайнер и производитель хотел, чтобы его продукция вызвала эффект разорвавшейся бомбы. А, может быть, намекал на то, что его кофеварки должны быть в каждом бункере - в конце концов к тому моменту эспрессо стал неотъемлемой частью итальянской диеты. ——— This year marks the 80th anniversary of one of Italy's most legendary moka coffee makers, a design we have written about before. It seems only fitting, then, to begin another working week with a few more words about this remarkable object. The first coffee maker in the series was designed by Giordano Robbiati in 1946. Initially, the company founded by Robbiati, which, incidentally, had been destroyed during the bombing of Milan in 1943, produced stovetop percolators without integrated heating elements. Later, the range expanded to include electric versions. Whether intended for the kitchen stove or powered by electricity, however, all of the coffee makers were cast in aluminum and finished by hand. Beyond their elegant Streamline Moderne styling, Robbiati's coffee makers are equally fascinating from a marketing perspective. Every model produced in Italy was sold under the name Atomic, a title that could hardly have been more evocative at the dawn of the Atomic Age. Even the logo hints at its inspiration, bearing a faint resemblance to a mushroom cloud, while some enthusiasts have gone so far as to discern the same silhouette in its bakelite control knob. Whether these visual echoes were intentional is impossible to say. Perhaps Robbiati simply wanted his new coffee maker to make the kind of impact suggested by its name. Or perhaps he was wryly implying that every fallout shelter should contain one. After all, by the late 1940s, espresso had already become an indispensable part of everyday Italian life. (photos: FB group Atomic Coffee Machines, collater.al, bellmancoffee.co.uk, francescoceccarelli.eu, cacheantiques.com, si.edu, Flickr user sorrentinacafe, nickomargolies.com)
797
4
Вестник постмодернизма, выпуск №262 Дизайнерские работы немецкого архитектора Штефана Веверки следует рассматривать сквозь пр+9
Вестник постмодернизма, выпуск №262 Дизайнерские работы немецкого архитектора Штефана Веверки следует рассматривать сквозь призму искусства и функционалистской идеологии модернизма. Сын скульптора Рудольфа Веверки, дизайнер рос в творческой среде и продолжал заниматься живописью и скульптурой даже после окончания берлинского университета изящных искусств, где учился архитектуре, в том числе у Макса Таута. Одним из наиболее показательных примеров этого союза художественного жеста и функции является стул, придуманный и спроектированный дизайнером для компании «Tecta» в 1979 г. Полученный путем слияния двух стульев и упразднения лишних ножек, этот объект продолжает череду стульев-скульптур автора и в то же время является удобным предметом интерьера, позволяющих сидящему выбирать любую из семи возможных поз. «Дизайнеры, создававшие стулья до этого момента, не выходили из плоскости: вы садитесь, по бокам от вас - подлокотники, вы смотрите строго вперед и можете лишь положить ногу на ногу или сесть лицом к спинке стула. С обычным стулом вряд ли можно придумать иные сценарии… Эти ограничения всегда меня занимали, и в конечном счете мне удалось создать стул B1, который позволяет сидящему принимать самые разные позы без ущерба для комфорта». Продолжение следует. ——— Sunday Postmodernism, issue No. 262 The design work of the German architect Stefan Wewerka is best understood through the dual lens of art and the functionalist ideology of modernism. The son of the sculptor Rudolf Wewerka, he grew up in a creative environment and continued to paint and create sculptures even after graduating from Berlin University of Fine Arts, where he studied architecture under, among others, Max Taut. One of the clearest examples of this fusion of artistry and functionalism is a chair Wewerka designed for Tecta in 1979. Created by merging two chairs into a single object and eliminating the redundant legs, the piece belongs to the designer’s ongoing exploration of the chair as sculpture. At the same time, it remains a genuinely functional object. Far from being a mere conceptual exercise, the chair offers an unusual degree of comfort and versatility, allowing its user to choose from at least seven different sitting positions.Like many of Wewerka’s works, it blurs the boundary between furniture and sculpture, transforming an everyday object into a playful yet highly practical investigation of form, balance, and use. “The chairs that existed up to that point were all conceived in a one-dimensional way: you sit down, have an armrest on the right and left, look straight ahead, can cross your legs or sit astride them. Such a chair hardly allows for any more variation. [...] This fixedness always bothered me, and with the B1 I was able to realize my vision, which allows for various comfortable sitting positions.” To be continued. (photos: tecta.de, frankfurt-minimal.de, auctionet.com, wewerka-archiv.de)
844
5
«Изменился облик наших крупных городов и промышленных центров. Неизбежным признаком крупных городов буржуазных стран являются+6
«Изменился облик наших крупных городов и промышленных центров. Неизбежным признаком крупных городов буржуазных стран являются трущобы, так называемые рабочие кварталы на окраинах города, представляющие груду темных, сырых, большей частью подвальных, полуразрушенных помещений, где обычно ютится неимущий люд, копошась в грязи и проклиная судьбу. Революция в СССР привела к тому, что эти трущобы исчезли у нас. Они заменены вновь отстроенными хорошими и светлыми рабочими кварталами, причем во многих случаях рабочие кварталы выглядят у нас лучше, чем центры». Это фрагмент отчетного доклада Сталина 17-му съезду партии, которым открывался январский номер «Архитектуры СССР» за 1934 г., содержавший много интересных, программных и амбициозных материалов о социалистическом строительстве. Полгода спустя, в июле 1934 г., журнал обратил внимание на малые архитектурные формы, чей тогдашний вид не удовлетворял задачам строительства соцгорода. Так, в седьмом номере журнала слово взял Иван Васильевич Ламцов, знаменитый архитектор, педагог, автор учебников для архитектурных вузов. Начинавший свой путь в архитектуре под руководством Николая Ладовского, Иван Васильевич не понаслышке знал о новаторских экспериментах с малыми формами, предпринимавшихся советскими конструктивистами после революции, и не мог обойти вниманием то, что пришло им на смену. Приводя примеры удачных решений, Иван Васильевич также демонстрирует «образцы дурного качества», а, отмечая успехи западных мастеров в отношении капитальности таких конструкций, предостерегает от копирования западных решений: «В капиталистических городах малые формы, особенно всякого рода торговые сооружения, носят исключительно рекламный характер, служащий интересам того или иного предпринимателя, той или иной фирмы. В корне противоположны задачи этих малых форм у нас» - поскольку, по мнению автора, «архитектура малых форм должна быть проста и радостна». ——— “The appearance of our major cities and industrial centers has changed. An inevitable feature of large cities in bourgeois countries is the slums - the so-called working-class districts on the outskirts, consisting of dark, damp, mostly basement dwellings, half-ruined buildings where the poor huddle together in filth, cursing their fate. The Revolution in the USSR has swept these slums away. In their place stand newly built, bright, and well-planned workers' districts, which in many cases surpass even the city centers in quality.” This passage comes from Stalin's report to the 17th Party Congress, published at the beginning of the January 1934 issue of Architecture of the USSR. Six months later, in July 1934, the journal turned its attention to a far more modest - but no less important - subject: small architectural forms. Their contemporary appearance, the editors argued, no longer reflected the principles of the socialist city. The discussion was led by Ivan Lamtsov, a prominent architect, educator, and author of influential architectural textbooks. Having begun his career under Nikolai Ladovsky, Lamtsov was acquainted with the experimental approaches to small-scale architecture developed by the constructivists in the years following the Revolution. He was therefore uniquely positioned to assess what had replaced those early avant-garde experiments. Alongside examples he considered successful, Lamtsov also presented what he described as “showcases of poor design.” While acknowledging the technical merits of Western examples - their structural durability - he warned Soviet architects against simply borrowing foreign solutions: “In capitalist cities, small architectural forms - especially commercial structures of every kind - serve primarily as advertising, advancing the interests of one entrepreneur or another, one company or another. The purpose of such structures in our country is fundamentally different.” For Lamtsov, the distinction was not merely ideological but architectural. The socialist city required its own design language, and, in his view, “the architecture of small forms should be simple and joyful.”
905
6
Раз вы так быстро справились с предыдущим вопросом, как насчет этой вазы? Отгадаете название? А если мы скажем, что в 1963 г.+3
Раз вы так быстро справились с предыдущим вопросом, как насчет этой вазы? Отгадаете название? А если мы скажем, что в 1963 г. Адольф Михайлович Остроумов создал на Ленинградском заводе художественного стекла одноименную вазу?   ——— As you were so quick with the previous question, can you guess the name of this vase? What if we tell you that an eponymous vase was created by Adolf Ostroumov in Leningrad in 1963?
873
7
Продолжим знакомство с художественным стеклом Нанни Стилл, тем более, что в этом году исполняется сто лет со дня рождения это+4
Продолжим знакомство с художественным стеклом Нанни Стилл, тем более, что в этом году исполняется сто лет со дня рождения этой финской художницы, получившей у себя на родине, где стеклом преимущественно занимались мужчины и Хелена Тюнелл, прозвище «Принцесса стекла». Как мы уже упоминали, Стилл черпала вдохновение в самых разных областях жизни и знаний, вплоть до истории и астрономии. Приговаривая «Слово "нет" - лишь начало слова "да"», она добивалась воплощения своих замыслов, какими бы сложными с точки зрения формы или цвета они ни были. В 1963 г. Стилл создала одну из самых известных серий работ - бокалов из прозрачного стекла, предназначенных для вина и крепкого алкоголя, и графинов сложных цветов, увенчанных прозрачными бусинами. По пятничной традиции предлагаем желающим отгадать название этой коллекции. ——— Let us continue exploring Nanny Still's remarkable glasswork, especially since this year marks the centenary of the Finnish designer. In Finland, where the world of glass was long dominated by men, with Helena Tynell as one of the few notable exceptions, Still earned the affectionate title of the "Princess of Glass." As we have already seen, Still drew inspiration from an astonishing range of sources, from history to astronomy. Guided by her conviction that “The word ‘no’ is only the beginning of the word ‘yes,’” she pursued even the most ambitious ideas, regardless of how challenging they were in terms of form, color, or production. In 1963, she created one of her best-known collections: a series of crystal-clear drinking glasses for wine and spirits, accompanied by richly colored decanters crowned with transparent glass spheres. In keeping with our Friday tradition, we invite you to guess the name of this collection. No Googling please - let everyone enjoy the challenge! (photos: bukowskis.com, mutualart.com, lasinkerailijanblogi.blogspot.com, kotona.com, studioalium.nl, royalsio2.com)
872
8
Упомянутый нами недавно немецко-нидерландский дизайнер Ханс Юлкенбек, которому в этом году исполнилось бы сто лет, запомнился+9
Упомянутый нами недавно немецко-нидерландский дизайнер Ханс Юлкенбек, которому в этом году исполнилось бы сто лет, запомнился еще серией предметов, выпускавшихся голландской компанией «Hiemstra & Evenblij». Речь идет о серии светильников «Perfolux», в создании которых наш герой принимал участие, когда ему было всего четверть века. Наряду с Юлкенбеком проектированием этих ламп занимались и другие дизайнеры, работавшие на указанной фабрике, в том числе Нийк Хиемстра, а отличались они тем, что плафоны для них изготавливались из перфорированных металлических листов. Благодаря отверстиям лампы излучали рассеянный свет и покрывали поверхности сетчатой тенью. Таким образом, хоть светильники и были лишены какого-либо декора, они украшали помещение благодаря взаимодействию света, материала и геометрического рисунка, создавая определенное настроение - вполне в духе 1950-х гг. Продолжение следует. ——— The German-Dutch designer Hans Jülkenbeck, who would have turned one hundred this year, is remembered not only for his work with Philips but also for a series of lighting fixtures produced by the Dutch company Hiemstra & Evenblij. The collection in question was called the Perfolux series and developed in the early 1950s when Jülkenbeck was only about twenty-five years old. He was not alone in designing the lamps: several other designers associated with the company contributed to the project, among them Niek Hiemstra. What distinguished the Perfolux lamps was their use of perforated sheet metal for the shades. Countless small openings softened and diffused the light, while at the same time casting delicate mesh-like patterns of shadow across surrounding surfaces. The result was a lighting system in which decoration emerged not from applied ornament, but from the interaction of light, material, and geometry - a thoroughly modern approach that transformed a simple perforated metal sheet into an instrument for shaping atmosphere. To be continued. (photos: vntg.com, 1stdibs.com, ztijl.com, whoppah.com, leboncoin.fr)
925
9
В разгар летнего сезона продолжим начатое зимой 2025 г. и поделимся с вами одним из самых запоминающихся образов купальщицы в+7
В разгар летнего сезона продолжим начатое зимой 2025 г. и поделимся с вами одним из самых запоминающихся образов купальщицы в советском фарфоре. Автором этой фигурки была Ольга Михайловна Богданова, выдающийся советский скульптор, работавшая в основном на Дулевском фарфоровом заводе. Там судя по всему в 1950-1960-х гг. она и вылепила эту скульптуру, которая выпускалась разными производителями под самыми разными названиями: «Сидящая обнаженная», «Купальщица», «У реки», «На солнышке», «Обнаженная в платке». В отличие от значительно более строгих, но не менее точных образов других советских девушек - см., например, скульптуру «Десятиклассницы» (1951 г.), - «Купальщица» восхищает непринужденностью и расслабленностью позы - настроением, которое дополнительно усиливается за счет, возможно, намеренного сходства скульптуры с, напротив, сосредоточенным «Мальчиком, извлекающим занозу». ——— At the height of the summer season, let us circle back to a theme we began exploring in the winter of 2025 and share one of the most memorable images of a bather in Soviet porcelain. The sculpture was created by Olga Bogdanova, an outstanding Soviet sculptor whose career was closely associated with Dulyovo Porcelain Factory. It was there, most likely during the 1950s or 1960s, that she modeled this sculpture. Over the years, it has been produced by various manufacturers under a variety of titles, including Seated Nude, Bather, By the River, In the Sunshine, and Nude with a Headscarf. Unlike the more restrained - but equally accurate - portrayals of young Soviet women, such as the celebrated Tenth-Grade Schoolgirls (1951), Bather captivates through the effortless naturalness of her pose. She appears completely at ease, absorbed not in action but in the quiet pleasure of a summer's day. That relaxed mood is heightened by what seems to be a deliberate dialogue with an ancient prototype: the famous Boy Removing a Thorn (Spinario). Where the classical figure is inward-looking and intensely focused on a small act of pain, Bogdanova's young woman embodies the opposite state of mind. Her body is similarly composed, yet instead of concentration she conveys serenity, warmth, and unhurried contemplation. (photos: dvaveka.ru, goskatalog.ru, FB Airi Allikvee)
942
10
🪆 Вы на пороге квартиры, проект которой разбирается в деталях. Хотите узнать, что внутри? — так начинается диалог с нашим бо+1
🪆 Вы на пороге квартиры, проект которой разбирается в деталях. Хотите узнать, что внутри? — так начинается диалог с нашим ботом, продающим доступ в закрытый канал: Внутри дизайна в деталях. 🚪 📸 Вот здесь я уже писала про покупку трехкомнатной квартиры в доме 1934 года. Здесь — про архитектора дома. А вот здесь — про замечательного архитектора и блогера Анну Разгулову, которая отважно взялась вести этот непростой интерьерный проект в старом фонде. 🌸 На фото на мне серёжки, которые сделала Анна из деталей старой советской люстры, оставшейся нам от предыдущих жильцов. 😍 Вот такая степень внимания к мелочам и бережного отношения к историческому наследию вас ожидает! 👌 🤗 Приглашаем вас присоединиться к совместному проекту авторов каналов «Сказ про Два Квадрата» и «Дизайн в Деталях» – каналу «Внутри дизайна в деталях». 🔻 Один практик и один теоретик дизайна решили честно и в цифрах делиться процессом проектирования и реализации проекта жилого интерьера в доме 1934 года в центре Москвы. Квартира в убитом состоянии, заказчик с запросами, бюджет не резиновый, сроки поджимают. Проект сложный, но интересный – бинго в квадрате. ✅ В канале будем: • Публиковать фото и видео всех этапов разработки и реализации проекта с комментариями. • Делиться сметой и проверенными специалистами. • Отвечать на вопросы. • Проводить онлайн-вебинары с архитектором проекта и историком дизайна в роли заказчика. Полный список вебинаров и тем, опубликую в комментариях, но программа будет очень насыщенная. 🤓 📋 🕰️ Период активного ведения канала — не менее 1 года. Доступ в канал бессрочный. Присоединяйтесь! Цена: 15000 рублей Оплата возможна разными сервисами – карты доступны уже сейчас, остальные будут доступны через пару дней. #квартира1934 #lectures #Research #InteriorDesign #SovietDesign #Trends2026
865
11
Помните, не так давно мы предлагали для начала рассмотреть один стул в профиль? Вот и сейчас начнем с «боковых проекций», кот+9
Помните, не так давно мы предлагали для начала рассмотреть один стул в профиль? Вот и сейчас начнем с «боковых проекций», которые восхищают изяществом и легкостью линий и не могут не вызывать вопрос: «А сидеть на этом удобно?» Сидеть, вероятнее всего, действительно не очень удобно (хотя сидят же жители Ганы, Буркина-Фасо и других стран Западной Африки на традиционных стульях лоби, получивших свое наименование от названия одной из местных народностей). Однако эту работу и не следует оценивать с функционалистской точки зрения. Все дело в том, что ее автором был известный итальянский скульптор Карло Мо (1923-2004), а создал он этот стул в лаборатории дизайна, основанной компанией «Tecno» и подарившей миру множество нетривиальных изделий. Судя по всему, Мо спроектировал этот стул, получивший название «Chip», в 1965 г., а в 1991 г. компания «Tecno» переиздала стул ограниченным тиражом. Продолжение следует. ——— Remember how, not long ago, we invited you to examine a chair from the side first? Let’s begin this post with the side views as well because the remarkable lightness and elegance of this piece prompts the question: “But is it actually comfortable to sit on?” Chances are the answer would be negative - although the Lobi people of Ghana, Burkina Faso, and other parts of West Africa have long sat on their traditional stools, from which this object clearly draws inspiration. But to judge this piece by functionalist standards would be to miss the point entirely. Its creator was the celebrated Italian sculptor Carlo Mo (1923–2004), and the chair emerged from the experimental design laboratory established by the Italian company Tecno, a remarkable initiative that produced some of the most unconventional furniture of the postwar period. The chair, aptly named Chip, appears to have been designed around 1965. More than a quarter of a century later, in 1991, Tecno reissued it as a limited edition. To be continued. (photos: originalinberlin.com, drosemod.com, wannenesgroup.com, african-arts-gallery.com, pamono.eu, factory-interiors.co.uk, tribal-art-gallery.com)
1 015
12
У меня сегодня день рождения, как для любого блоггера, не зарабатывающего на своем канале, но делающем все на энтузиазме, мне
У меня сегодня день рождения, как для любого блоггера, не зарабатывающего на своем канале, но делающем все на энтузиазме, мне очень важно, чтобы обо мне узнали новые подписчики! Поэтому у меня огромная просьба, если вы любите мой канал, пожалуйста поделитесь им с тем, кто потенциально мог бы его оценить, это будет для меня лучшим подарком! Вот несколько популярных публикаций последнего времени, чтобы было проще понять, что уникального я привношу в мир: 1. Баба Яга 2. Шу 3. Натали Парен в архиве "альбомов папаши бобра" 4. Маски 5. Пример моих регулярных обзоров выставок Также, если вы вдруг не подписаны, вот мой запретограм 😜 (там гораздо больше лайфа (жизы) и моего живого нефильтрованного голоса и кадров!) А еще наше путешествие "другой Париж" с Машей Троицкой переносится на октябрь, по ссылке и в закрепе можно почитать программу, а еще приходите в личные сообщение — с удовольствием расскажу все подробности!
931
13
Раскрасим понедельничную сагу о кофейных принадлежностях ярким акцентом пятидесятилетней давности. В 1973 г. нидерландская ко+9
Раскрасим понедельничную сагу о кофейных принадлежностях ярким акцентом пятидесятилетней давности. В 1973 г. нидерландская компания «Philips» выпустила капельную кофеварку HD5113, а затем несколько вариаций этого приспособления, выгодно отличавшихся от современников малыми размерами и базовыми геометрическими формами. Небольшой усеченный параллелепипед аккуратно обхватывал цилиндрический сосуд, обеспечивая максимальное количество напитка на единицу занимаемой площади. За дизайн этой и других кофеварок отвечал Ханс Юлкенбек, немецкий художник, перебравшийся в Нидерланды и долгое время сотрудничавший с упомянутой компанией. Некоторые изделия, спроектированные им для «Philips», даже принесли ему патенты. Примечательно, что для европейского рынка кофеварка выпускалась в оранжево-белой окраске, а для других рынков, в том числе японского, предлагались и другие комбинации цветов. ——— How about brightening our ongoing saga of coffee-making contraptions with a splash of color from fifty years ago? In 1973, the Dutch company Philips introduced the HD5113 drip coffee maker, followed by several variations on the same theme. What set these machines apart from their contemporaries was their compact footprint and their reliance on simple, elementary geometry. A small truncated rectangular volume neatly embraced a cylindrical glass vessel, achieving an elegant economy of means: the maximum amount of coffee for the minimum amount of counter space. The designer behind this and several other Philips coffee makers was Hans Jülkenbeck, a German artist who settled in the Netherlands and collaborated with the company for many years. Some of the products he designed for Philips were innovative enough to earn him patents. An interesting detail is that the coffee maker was marketed in Europe in a distinctive orange-and-white color scheme, while other markets such as Japan were offered alternative color combinations. (photos: obj.technoseum.de, soft-electronics.com, vintageandotherthings.eu, Google Patents)
1 086
14
Вестник постмодернизма, выпуск №261 Одним из наиболее запоминающихся моментов нашей недавней и довольно короткой поездки в Ка+9
Вестник постмодернизма, выпуск №261 Одним из наиболее запоминающихся моментов нашей недавней и довольно короткой поездки в Калугу стало знакомство с пятизвёздочной гостиницей «Азимут». Это здание сначала вызвало у всех нас одинаковое недоумение, а затем неподдельный интерес. Результатами этого интереса мы и хотим поделиться с вами. Расположенное на въезде в историческую часть города, это строение изначально задумывалось как гостиница, только строилось оно очень долго и за время строительства претерпело значительные изменения, пережив даже смену собственника. Авторами проекта были архитекторы Ольга и Евгений Голышевы. Они начали работать над гостиницей еще в 1999 г., а завершилось строительство лишь в 2015 г. В отличие от построенного в 1990-х гг. «Танцующего дома» в Праге, похожего примера деконструктивизма, здание калужской гостиницы было предсказуемо вдохновлено космической историей города - ракетами и полетами в космос. Евгений Голышев вспоминал: «Я нарисовал проект за один вечер и сразу же придумал, каким образом можно его воплотить, используя монолитные конструкции». Его инженерная задумка - 14 наклонных балок, возвести которые помогла немецкая компания, - позволило освободить этажи от колонн. Архитектурное решение напоминает и о более древней истории города: арочные галереи вызывают ассоциации с торговыми рядами 18-го века, а двухэтажный корпус, решенный в классическом стиле, - фактически копия ветхого особняка Аксаковых, снесенного во время строительства, но предварительно обмеренного. Что скажете, друзья? ——— Sunday Postmodernism, issue No. 261 One of the most memorable moments of our recent - and, unfortunately, rather brief - trip to Kaluga was visiting its five-star Azimut Hotel. At first, the building left all of us equally puzzled, and then genuinely intrigued, prompting us to explore its story further. We’d like to share the results of that curiosity with you. Located at the entrance to the city’s historic district, the hotel was originally conceived as such, but its construction took a very long time and underwent significant changes along the way, including a change of ownership. The project was designed by architects Olga and Evgeny Golyshev, who began working on it in 1999, with construction only completing in 2015. Unlike the Dancing House in Prague, another deconstructivist building of the 1990s, the hotel was predictably inspired by the city’s contributions to the space exploration. Evgeny Golyshev recalled: “I drew the project in one evening and immediately devised a way to make it happen using concrete structures.” His engineering solution, consisting of fourteen inclined beams, built by German company, helped minimize the number of columns on the floors. As for the architectural design of the building, it also alludes to the city’s older history: the arched galleries evoke 18th-century trading rows, while the two-story classical block is effectively a replica of the old Aksakov mansion, demolished during construction but carefully measured beforehand. Do let us know what you think! (photos: FSK Lider, Olga and Evgeny Golyshev, archi.ru, wikimapia.org, tadviser.ru, azimuthotels.com)
1 066
15
Офисное здание, запечатленное на этих снимках, было построено в центре Милана, в районе, который подвергся сильным бомбардиро+9
Офисное здание, запечатленное на этих снимках, было построено в центре Милана, в районе, который подвергся сильным бомбардировкам, непосредственно после Второй Мировой войны. Проект был подготовлен в 1946 г., а полностью строительство завершилось в 1950 г. Авторами проекта были итальянские архитекторы Марко Дзанусо и Роберто Менги, к которым на финальной стадии присоединился еще один выдающийся итальянец, художник Лучано Фонтана. Последний однажды сказал: «Архитекторов не заботят человеческие проблемы - их интересуют лишь вопросы функционального и градостроительного толка». В полуразрушенном районе нужно было многое начинать с чистого листа, вот архитекторы и решили пригласить Фонтана - чтобы он позаботился о людях, которые будут работать в этом здании или проходить мимо него. Собственно, примечательна эта постройка именно тем, что оно стало первым миланским примером сотрудничества архитектора и художника: первые предоставили фасад, а второй придумал для него декор. Во-первых, Фонтана заполнил углубленные участки вокруг окон рифленой плиткой из шамотной глины собственного изготовления. Во-вторых, он подготовил пять фризов для полностью застекленной части основного фасада: пять абстрактных разноцветных барельефов, которые архитекторы тоже накрыли стеклом. Продолжение следует. ——— The office building shown in these photographs was erected in the heart of Milan, in a district that had suffered extensive bombing during the Second World War. Designed in 1946 and completed in 1950, it belongs to the city's earliest wave of postwar reconstruction. The project was conceived by the Italian architects Marco Zanuso and Roberto Menghi, who, during the final stages of the design, invited another remarkable Italian figure to join the team: the artist Lucio Fontana. Fontana once observed: “Architects are only concerned with functional and urban planning problems, not human ones". In a neighborhood that had to be rebuilt almost from scratch, Zanuso and Menghi evidently felt that architecture alone was not enough. They turned to Fontana to address the human dimension -to create a building that would speak not only to those working inside it, but also to those simply passing by. The result is significant as Milan's first major collaboration between architects and an artist. The architects provided the building's form and façade, while Fontana transformed its surfaces into works of art. First, he lined the recessed areas surrounding the windows with ribbed stoneware of his own manufacture, lending the elevations an unmistakable tactile quality. Second, he created five abstract polychrome reliefs for the fully glazed portion of the principal façade. These vibrant ceramic friezes were themselves protected behind sheets of glass, seamlessly integrating art into the architecture rather than treating it as an applied decoration. To be continued. (photos: Stefano Suriano, lombardiabeniculturali.it, aaa-italia.org, blog.urbanfile.org)
1 037
16
Раз вы так быстро справились с предыдущим вопросом, как насчет этой люстры? Отгадаете название? ——— As you were so quick with+1
Раз вы так быстро справились с предыдущим вопросом, как насчет этой люстры? Отгадаете название?   ——— As you were so quick with the previous question, can you guess the name of this pendant?
948
17
«Я испытываю радость, в которой признавался Гете: меня постоянно посещает такое количество идей, что потребуется еще целая жи+9
«Я испытываю радость, в которой признавался Гете: меня постоянно посещает такое количество идей, что потребуется еще целая жизнь, а, может быть, и не одна, чтобы довести их до ума и воплотить».   Судя лишь по реализованным замыслам идеи действительно переполняли финскую художницу Нанни Стилл. Так, в 1958 г., вдохновившись цветом осколка стекла, найденного на Капри, Стилл создала серию предметов под названием «Арлекин», которые отличались не только удивительной цветовой гаммой, но и функциональной особенностью: бортики в основании бокалов были призваны уберечь скатерть от капель содержимого, случайно покинувших тулово. Кажется, что художница черпала вдохновение из всего, с чем сталкивалась в жизни: биологии, геологии, истории, астрономии и даже лингвистики. Уже на закате своей карьеры и жизни она углубилась в изучение финно-угорских корней родного языка и создала серию скульптур, обнаруживавших связь между финским и венгерским языками при помощи языка стекла.   На правах пятничной викторины предлагаем желающим поразмышлять над источниками вдохновения для нескольких произведений Стилл и отгадать, какие названия художница дала им. Начнем со скульптуры, представленной на последних фотографиях. ——— “Like Goethe, I’m delighted that I have so many new ideas all the time that I’d need at least another lifetime to refine and realize them.”   Judging merely by the countless of products she left behind, Nanny Still was clearly always pregnant with ideas. In 1958, she was inspired by a shard of glass found on Capri and reproduced its color in a luminous series of glass designs she titled “Harlequin”, which boasted a stunning play of color and light, yet had an ingenious design feature, a rim at the base of Harlequin glasses that prevented their contents from spilling onto the tablecloth. It seems like the Finnish artist found inspiration in all walks of life such as biology, geology, history, astronomy, and even linguistics. At the dawn of her career and life, she found herself exploring the Finno-Ugric origins of her mother tongue, an exercise that culminated in an exhibition that showcased the relationship between the Finnish and Hungarian languages through the language of glass. As it’s Friday today and time for our usual quiz, how about reflecting on potential sources of inspiration and guessing the names of some of Still’s glass designs? If you’re in the mood, do you think you can guess the name of the vase shown in the closing images for a start? (photos: bukowskis.com, mutualart.com, lasinkerailijanblogi.blogspot.com, kotona.com, studioalium.nl)
956
18
Взгляните на первые две фотографии и постарайтесь найти два отличия. Правильно: на втором снимке отсутствует знаменитый шезло+5
Взгляните на первые две фотографии и постарайтесь найти два отличия. Правильно: на втором снимке отсутствует знаменитый шезлонг «Transat» и странным образом изменился стол - словно нейросеть попросили сгенерировать еще одну картинку, выделив этот участок и слегка отредактировав запрос. В действительности на обоих снимках один и тот же дом и один и тот же стол. Дом, как многие наверняка догадались, - «Tempe á Pailla» (на южном диалекте французского «страда, или пора сбора урожая»), построенный Эйлин Грей на французской Ривьере в 1932 г., а стол - ровесник дома, тоже спроектированный Грей. Любительница многофункциональности, Грей придумала для своего второго дома, построенного в Ментоне после разрыва с Жаном Бадовичи, целый ряд трансформирующихся предметов, в том числе и этот стол. Благодаря хитроумному механизму стол мог выполнять роль обеденного или журнального: нужно было всего лишь повернуть его основание на 90 градусов. Примечательно, что при трансформации в обеденную версию этот стол менял не только свою высоту, но и поверхность столешницы: для обеденной ипостаси Грей отделала столешницу пробковым деревом, чтобы минимизировать шум от посуды и приборов. P.S. Вернувшись в этот дом после войны, Грей нашла его в плачевном состоянии: мебель была разворована немецкими солдатами, а эскизы и чертежи - сожжены. Тем не менее, стол был перевыпущен компанией «ClassiCon» и производится до сих пор по названием «Ментон». ——— Take a look at the first two photographs and try to spot at least two differences. In the second image, the famous Transat chaise longue has disappeared, and the table has mysteriously changed - as if someone had asked an AI image generator to recreate the scene after selecting that area and slightly revising the prompt. In reality, however, both photographs depict the same house and the very same table. The house, as many of you have probably recognized, is Tempe à Pailla (named after the Provençal expression for "the time of harvest"), built by Eileen Gray on the French Riviera in 1932. The table is contemporary with the house and was also designed by Gray herself. A passionate advocate of multifunctionality, Gray conceived a whole series of transformable furnishings for this second home, which she built in Menton after her separation from Jean Badovici. Among them was this ingenious table. Thanks to a clever rotating mechanism, it could serve either as a dining table or as a coffee table. The transformation required nothing more than rotating the base by ninety degrees. Remarkably, the conversion altered not only the table's height but also the working surface itself. In its dining configuration, the tabletop presented a cork surface, chosen by Gray to soften the sound of plates, glasses, and cutlery - a subtle yet revealing example of her meticulous attention to everyday life. P.S. When Gray returned to the house after the Second World War, she found it devastated. German soldiers had looted much of the furniture, while her sketches and drawings had been burned. Fortunately, this table survived in the historical record. It was later reissued by ClassiCon and remains in production today under the name Menton. (photos: Eileen Gray Archive, Peter Adam/Courtesy Schirmer/Mosel, martinezavezuela.com, ofhouses.org, classicon.com, zeit.de, hiddenarchitecture.net)
978
19
Познакомившись со свободными формами и орнаментами, которые шведский художник по стеклу Бенгт Эденфальк получал при помощи ра+9
Познакомившись со свободными формами и орнаментами, которые шведский художник по стеклу Бенгт Эденфальк получал при помощи разработанной им техники «Thalatta», интересно сделать шаг назад и рассмотреть его работы предыдущего десятилетия. Если в 1960-е гг. Эденфальк давал волю себе и расплавленному стеклу, то в 1950-е гг. он значительно более строго обходился с материалом, сначала создавая законченную форму, а после используя ее в качестве холста. К этому периоду относятся различные вазы, украшенные Эденфальком при помощи традиционного метода декорирования стекла, гравировки. Во всех этих работах дизайнер предстает как талантливый иллюстратор, способный минимальными и монохромными средствами запечатлеть любой сюжет - будь то мещанские изображения уточек, мифологическая история о Леде и лебеде, зарисовка из рыбацкой деревушки или относительно свежая на тот момент повесть о шведском мальчике Нильсе и его преданном гусе Мартине. Все эти сюжеты, изображенные твердой рукой мастера, настолько трогательны и содержат столько душевной теплоты, что, кажется, растапливают ледяные стенки сосудов. ——— Now that we’ve seen the free-flowing forms and ornamental effects that Swedish glass artist Bengt Edenfalk achieved through his Thalatta technique, it is worth taking a step back and looking at his work from the previous decade. While in the 1960s Edenfalk increasingly allowed both himself and molten glass a certain freedom, in the 1950s he approached the material with considerably greater discipline. Rather than letting decoration emerge during the making process, he first created a finished form and then treated it as a canvas. This period includes a number of vases decorated using one of the oldest and most traditional methods of glass ornamentation: engraving. In these works, Edenfalk reveals himself as a gifted illustrator, capable of evoking a remarkable variety of subjects through the most economical of means. Working in a monochrome medium and relying on little more than line and silhouette, he could capture almost any narrative. His subjects thus range from charmingly bourgeois scenes of ducks and waterfowl to the mythological tale of Leda and the Swan, from glimpses of life in Scandinavian fishing villages to episodes inspired by the then relatively recent adventures of Nils Holgersson and his faithful goose Martin. What unites these seemingly disparate themes is Edenfalk’s ability to transform glass into a storytelling medium. The vessel itself remains calm and restrained, while its engraved surface becomes a stage on which myths, landscapes, and literary characters unfold with remarkable clarity and elegance. (photos: etsy.com, ebay.com, jacksons.se, storiestoldinglass.com, fieldingsauctioneers.co.uk)
1 003
20
Аксель Брукхойзер состоялся не только как предприниматель, стоявший во главе компании «Tecta», и исследователь модернизма, зн+5
Аксель Брукхойзер состоялся не только как предприниматель, стоявший во главе компании «Tecta», и исследователь модернизма, знакомый с Мартом Стамом, Марселем Брейером или, например, Хайнцем Рашем. Он и сам спроектировал немало примечательных изделий. В частности, живо интересовавшийся историей создания консольного стула и регулярно донимавший расспросами Раша, который в свою очередь был свидетелем появления нового класса стульев, он опубликовал целую книгу о консольных стульях и стал автором нескольких стульев такого типа. Наиболее интересным представляется кресло D36, или «Левитирующее кресло», созданное Брукхойзером в 1980-х гг. и выпускавшееся компанией «Tecta». Сделав сиденье и спинку из ротанга, Брукхойзер отдал дань памяти стульям Миса ван дер Роэ, одного из пионеров консолизации мебели. Однако автор пошел значительно дальше дизайнеров-модернистов и снабдил свое кресло пружиной, натяжение которой можно настраивать в зависимости от массы сидящего. Говорят, что сидеть в таком кресле действительно очень удобно. Но самое главное - сидящий не чувствует опоры под собой и словно парит в воздухе, совсем как когда-то завещал Марсель Брейер, предрекавший что в будущем люди будут сидеть на столбах воздуха. ——— Axel Bruchhäuser made his mark not only as the entrepreneur behind Tecta and as a scholar of modernism who knew figures such as Mart Stam, Marcel Breuer, and Heinz Rasch. He was also a designer in his own right, responsible for a number of remarkable objects. Deeply fascinated by the history of the cantilever chair, Bruchhäuser frequently questioned Rasch, who had witnessed the emergence of this entirely new class of seating. His interest eventually led him to publish a book on cantilever chairs and to design several examples himself. Among the most intriguing is the D36, or “The Floating Chair,” developed in the 1980s and produced by Tecta. By using rattan for the seat and backrest, Bruchhäuser paid homage to the cantilever chairs of Mies van der Rohe, one of the pioneers of cantilevered furniture. Yet he went considerably further than the modernists: the chair incorporates a spring mechanism whose tension can be adjusted to suit the weight of the user. Those who have experienced it claim that the chair is exceptionally comfortable. More importantly, however, the sitter is said to lose the sensation of support altogether, as though suspended in mid-air - fulfilling, in a way, Marcel Breuer’s famous prediction that one day people would sit on columns of air. (photos: vntg.com, amazon.ca, whoppah.com, lesformesutiles)
1 056