Журнал «Искусство»

Артефакты Франциско Инфантэ   Творчество классика отечественной арт-сцены и главного кинетиста, постигающего тайны миров, лежит на стыке философии, искусства и науки. Франциско Инфантэ движется по траектории от науки к технике, а его  масштабная ретроспектива гастролирует по регионам. Кто не успел увидеть проект «Артефакты» в наукограде Дубна, в галерее Объединенного института ядерных исследований, имеет шанс догнать его в Туле. Выставка открывается в Музее станка, расположенном в арт-кластере «Октава», созданного в свою очередь в цехах бывшего одноименного завода по производству радиодеталей и средств связи. Свой творческий путь Инфантэ начинал в эпоху активных поисков новых форм изобразительного искусства, в немалой степени вдохновленных научно-техническими  открытиями. В 1962 году, поступив в Строгановское училище, Франциско Инфантэ вошел в содружество художников геометрического направления, получившее название «Движение». Брат знаменитого Наума Габо, профессор Алексей Певзнер, стал для молодого художника главным проводником в мир абстрактного искусства. За то время, что творит Инфантэ, технологии ушли далеко вперед. Однако, как прежде, не прибегая к коллажным или монтажным манипуляциям с изображением, он демонстрирует неисчерпаемые возможности соединения природы и искусства. С помощью зеркал, нитей, картона, бумаги, распоряжается солнечным светом, воздухом, снегом, землей, небесами. Спешим сообщить, что совсем недавно в свет вышел каталог проекта «Артефакты Франциско Инфантэ», сопровождающийся  текстами куратора Ирины Горловой, Александра Петровичева, Николетты Мислер и Джона Э.Боулта, главных исследователей творчества Инфантэ. Музей станка. Индустриальный кластер «Октава», Тула. 📍7.08 - 7.12. #новаявыставка #тула #инфантэ #новаякнига

АЗС. Архитектура заправочных станций Снайперское попадание в повестку. Музей архитектуры фокусирует внимание публики на бензоколонке, объекте, казалось бы, незаметно сопровождающем повседневность, ее архитектуре, технической эстетике. Долгое время АЗС, которые появились ровно столетие назад, пребывали вне поля зрения научных исследователей и как предмет истории архитектуры не воспринимались. Сегодня «Руина» приняла под свои старинные своды экспозицию, разбитую на семь тематических глав. АЗС прошли тернистый путь  –  от появления бензиновой будки, ручного насоса, системы перекачки топлива из хранилища в бак автомобиля до сложного многофункционального топливораздаточного комплекса. На месте не стояла и архитектурная, и инженерная мысль. На их развитие влияла автомобильная эпоха, требующая новых принципов организации пространства, рассчитанных на движение транспорта. Проект, посвященный эволюции колонки, курирует историк архитектуры Ольга Шурыгина, автор труда «Гаражи Петербурга 1900-1910-х годов» и Никита Голованов, научный сотрудник Музея транспорта. Начинается выставка с рассказа о том, сколь моторизированным был Российский Императорский двор в начале XX века. В гараже Зимнего дворца имелось оборудование бензиновой станции немецкой марки Martini & Huneke. Над подземным хранилищем для горючего располагалась раздаточная колонка. На первом и втором этажах «Руины» также показывают колонки 1910-х годов американских фирм S. F. Bowser & Company и Gilbert & Barker, топливные насосы 1900-1920-х  - из собрания белорусского коллекционера Владимира Лиходедова, эскизы павильонов АЗС 1926 - 1930 годов,  проекты японской компании «Токио Тацуно» и финского архитектора Матти Сууронена, реализованные в СССР в 1970-е. Отдельная глава рассказывает о том, как Лили Брик, пожелавшей «автомобильчик», из Франции осенью 1928 года писал Маяковский. В соответствии со своими возможностями, поэт остановил выбор на недорогом Renault. В начале следующего года машину доставили в Москву. Брик оказалась единственной москвичкой за рулем. Кроме нее машиной управляла только жена французского посла. Не забыт кураторами и культовый фильм «Королева бензоколонки», снятый в 1963 году на студии Довженко, и его героиня Людмила Добрыйвечер. Третий этаж отдан миниатюрным бензовозам и бензоколонкам, игрушкам, в которые играли советские дети. Государственный научно-исследовательский музей архитектуры имени А.В. Щусева. Флигель «Руина» 📍28.07 - 25.10 #прямосейчасвмоскве #архитектура #дизайн #автомобиль

«Так не бывает» Фабрика лимонной кислоты  — одно из самых интересных арт-пространств Петербурга. Индустриальную заброшку на Лиговском нашли и обустроили ребята из «Сообщества современных сибирских художников» и теперь проводят там выставки. Впрочем, нынешняя сделана с участием питерских авторов: молодые художники вспоминают собственное детство, ностальгируют, переживают, видят сны и со страхом смотрят в будущее. О проекте «Так не бывает» мы поговорили с сокуратором выставки и арт-директором Фабрики Лидией Рыжовой. Немного цитат: ▪️И совершенно случайно нашлась Фабрика лимонной кислоты. Это замечательное место — центр города, индустриальная заброшка, очень колоритная, но она требовала больших вложений. Например, здесь было небезопасно: не было ограждений, отсутствовала лестница на второй этаж. Полина собрала команду, мы всё здесь почистили, привели в порядок. ▪️То есть большинству участников сейчас 25−28 лет, но в проект пришли и те, кто постарше, и те, кто младше. И всё равно у них нашлись общие воспоминания, например, советские мультфильмы, которые они все смотрели в детстве. И название выставки отсылает к песенке из фильма «Мама для мамонтёнка», там есть строчка «Так не бывает на свете, чтобы были потеряны дети». ▪️У социологов есть деление поколений на зумеров и миллениалов, а художники, которые участвуют в нашей выставке, родились как раз на границе, они не чувствуют себя своими ни в той, ни в другой группе и хотят понять, кто же они такие. Эти ребята чувствуют, что у них есть некая своя зона, совокупность образов, которая их сформировала. Продолжение https://iskusstvo-info.ru/tak-ne-byvaet/ Фабрика лимонной кислоты, Санкт-Петербург 📍До 27.09 #хорошопоговорили #прямосейчасвпетербурге #интервьюсхудожником

Наши товарищи или мелкобуржуазные мистики? На обложке рисунок Макса Эрнста к сборнику Поля Элюара «Повторение» - коллаж, созданный на стыке дадаизма и сюрреализма. Художник составлял его, используя вырезки из старых научных каталогов и учебников. Вероятно, это продуманный выбор автора книги, выпущенной в рамках издательской программы «Гараж.txt» и посвященной рецепции сюрреализма в СССР в 1920 - 1930-е годы. Данила Люкшин, научный сотрудник Европейского университета в Санкт-Петербурге, обратился к малоизученному явлению и перелопатил гору источников: периодику, отчеты научных дискуссий, дневниковые записи.   Разумеется, сюрреализм - чистый психический автоматизм, посредством которого возможно выражение реального функционирования мысли в любой форме, при котором диктовка мысли происходит без всякого контроля со стороны разума и вне всяких эстетических и моральных ограничений, официальному советскому искусству был глубоко чужд. Однако, число критических публикаций в указанный временной период было довольно значительное. На сюрреализм откликнулись все советские авторы, писавшие о западной культуре – от наркома просвещения Анатолия Луначарского до президента Государственной академии художественных наук Петра Когана и студентов Литературного института. Сюрреализм не обошли вниманием знаменитые авторы журнала «Искусство», Иван Маца, Борис Терновец, Яков Тугенхольд, анализирующие эстетику этого значительного явления первой половины XX века,  идеализирующего сон и безумие. Отчасти, такому интересу способствовали коммунистические симпатии представителей сюрреалистического направления, Андре Бретона, Луи Арагона, Поля Элюара. Авторы статей внимательно наблюдали за ходом их внутренних полемик. Борьба с формализмом, повлиявшая на вердикт сюрреализму, была прежде всего направлена на советское искусство, на то, что в нем еще оставалось от модернизма и авангарда, «остановленного на бегу». В книге отводится место анализу творчества Климента Редько, неслучившегося советского сюрреалиста, его теории эфира. Также упомянуты более близкие нам по времени художники, испытавшие влияние сюрреализма, такие как Юло Соостер, Виктор Пивоваров, Дмитрий Пригов, Андрей Монастырский, Павел Пепперштейн, Владимир Янкилевский и др. #новаякнига #борьбасформализмом #сюрреализм

Павел Третьяков и Василий Поленов. Третьяковская галерея внезапно решила отметить свое 170–летие фокус-выставкой, посвященной многолетнему сотрудничеству и взаимоотношениям коллекционера Павла Третьякова и замечательного живописца Василия Поленова. По окончании Императорской академии художеств с золотой медалью художник отправился в пенсионерскую поездку в Европу. Там написал картину «Право господина», обличающую средневековые феодальные нравы. Особенно удалась архитектура старинного замка, освещенного серебристо-розовыми лучами заката. В 1876 году Третьяков приобрел холст в свое собрание. Именно с той покупки началось формирование «фонда» Поленова в Галерее. В настоящий момент в нем содержится около 160 живописных и 250 графических произведений мастера. Разумеется, знаковые «Московский дворик» и «Бабушкин сад» займут в экспозиции почетные места, равно как и восточные этюды, созданные художником во время его путешествия 1881-1882 годов в Египет и Палестину. Здесь начиналась работа над картиной «Христос и грешница». Василий Поленов, пребывавший под впечатлением от «Явления Христа народу» Иванова, стремился к созданию «большого полотна русской живописи». Сюжет нашел в VIII главе Евангелия от Иоанна. Третьяков внимательно следил за подготовительной работой, которая длилась десять лет. Покупал этюды, созданные Поленовым на Ближнем Востоке. Хотел купить и само полотно:

«Исполняя задачу собирать по возможности все замечательное в нашей живописи, я не могу упустить Вашу картину, как самую замечательнейшую…».

Своей работе автор дал название «Кто из вас без греха?», но по настоянию цензуры переименовал. На подготовительном картоне Христос был изображен в кипе. На финальном полотне голова Иисуса не покрыта. Поленов исполнил волю своей матери, настаивающей, чтобы голова Христа осталась такой же открытой как у учеников и простолюдинов. В феврале 1887 года «Христос и грешница» была показана на 15-й передвижной выставке. Накануне открытия картину для своего музея приобрел император Александр III за 30 тысяч серебром. Царь опередил коллекционера. Сегодня монументальное полотно «Христос и грешница (1887) покинет стены Русского музея и впервые будет представлено в историческом здании Третьяковки в Лаврушинском переулке. И именно в зале, пространство которого некогда служило кабинетом Павла Третьякова. Третьяковская галерея. 📍С 29.07 #новаявыставка #поленов #живопись #графика

«Пик неопределенности» в галерее Anna Nova Турбулентность, неопределённость, тревожность — печальный вокабуляр нашего времени. Мы бы и рады сказать, что таково состояние лишь нашей трети Евразии, но и в Милане, и в Тбилиси люди ждут будущего, как обвала в горах, — изо всех сил вцепившись в свой кусок скалы, пытаясь слиться с породой и молясь, чтобы не задело. На выставке, открывшейся в петербургской галерее Anna Nova, художницы Елена Немкова и Марья Дмитриева, а также куратор Дмитрий Белкин пытаются рассмотреть это переживание одновременно в бинокль и под микроскопом. 📌https://iskusstvo-info.ru/pik-neopredelennosti-v-galeree-anna-nova/ 🏛Галерея Anna Nova Санкт-Петербург, ул. Жуковского, д. 28 📍До 9.08 #прямосейчасвпетербурге #тревожность #новаявыставка

КУДА ПОЙТИ В МОСКВЕ 🎈Кубинский плакат. 1950-1970-е. Кино и революция. Революция, случившаяся на Кубе в 1959 году под предводительством Фиделя Кастро, привела к свержению диктатора Фульхенсио Батисты и установлению социалистического строя. Остров Свободы весьма сблизился с СССР. Плакат, полностью вытеснивший коммерческую рекламу, пропагандировал новые ценности. В начале 1960 – х годов в собрание Пушкинского музея поступила значительная коллекция кубинских плакатов, более двух сотен графических листов. Большинство - сегодня на выставке. ГМИИ им А.С.Пушкина 📍До 22.11   🎈Человек расшифрованный Можно ли свести человека к генетическому коду, данным или прогнозу? Этим вопросом задавались молодые художники– победители конкурса, объявленного генетической компанией «Эвоген» и Московской школой современного искусства (MSCA). Получив доступ в действующие генетические лаборатории, они поработали с живыми системами, подумали над тем, как новейшие биотехнологии меняют представление о жизни, теле и идентичности. Публике будут доступны результаты лабораторного опыта в виде самостоятельных художественных высказываний. SISTEMA GALLERY 📍24.07 - 16.08   🎈Ковчег будущего Музей Востока возобновляет экспозицию Николая Рериха в павильоне№13 на ВДНХ. Известные полотна мастера раннего периода - «Строят ладьи», «Книга голубиная», «Святогор», «Весть Тирону», «Добрые травы», «Ярослав Мудрый», «Земля Славянская», «Крыльцо женского монастыря» дополняют работы, созданные после того, как художник в 1929 году обосновался в Индии. К этому времени относятся такие холсты как «Вестник», «Чудо», «Песнь о Шамбале», «Ангел последний», «Армагеддон», «Клад захороненный» и «Приказ Учителя». Музей Востока 📍24.07 – 1.03. 2027 г.   🎈Писатель многосторонней силы Михаил Евграфович Салтыков -Щедрин всем, конечно, известен как борец с самодержавием и тиранией. Но на выставке, посвященной 200 – летию со дня рождения писателя, его вспоминают еще и как деятельного чиновника, вице-губернатора в Рязани и Твери, председателя Казенных палат в Пензе, Туле и Рязани, редакторе журналов «Современник» и «Отечественные записки», личность многогранную,  «органически не переносившую никакой фальши и неправды». Литературный музей им. В.И. Даля 📍До 15.10   🎈Бумажный кинематограф Кино сперва рождается на бумаге. Режиссерский замысел формируется через линию. В этом убеждает выставка графики, набросков, композиционных экспериментов,  эскизов персонажей, пространственных решений кадра и эпизодов, а также фотографий со съемок замечательного мастера отечественного кинематографа Георгия Данелии, режиссера таких кинолент как «Я шагаю по Москве», «Мимино», «Не горюй!», «Осенний марафон», «Кин-дза-дза!» Московский музей современного искусства 📍До 13.09 🎈Степан Эрьзя. Мифология скульптуры «Русский Роден» родился на мордовской земле, прошел путь от иконописца до скульптора, работал в России, Италии, Франции и Аргентине. Степан Дмитриевич Эрьзя (Нефёдов), попутешествовав, вернулся в Советский Союз в 1950 году, привезя с собой созданные на чужбине произведения. Большую часть экспозиции составили скульптуры из чрезвычайно твердых древесных пород кебрачо и альгарробо, с которыми мастер экспериментировал в Аргентине. Третьяковская галерея 📍До 11.10 #прямосейчасвмоскве #новыевыставки #современноеискусство #скульптура #графика #живопись

Вера Мухина. Диалоги. Грани. Слово «грани» вовсе не случайно присутствует в названии масштабного проекта Всероссийского музея декоративного и прикладного искусства. Столп социалистического реализма, Вера Игнатьевна Мухина, хоть и известна прежде всего как автор «Рабочего и колхозницы», но главные ее эксперименты, обогатившие язык скульптурной пластики, связаны с художественным стеклом. На хрустальном заводе «Красный гигант» (бывшим Бахметевском) в городке Никольске Пензенской области с 1920 годов наладили выпуск сортовой продукции. Вера Мухина выступила с инициативой создания здесь экспериментальной мастерской. Так на предприятии был выпущен сервиз «Кремлевский», стол из хрусталя, четырехметровый стеклянный фонтан для Всемирной выставки в Нью-Йорке 1939 года. Через год на базе Ленинградской зеркальной фабрики был основан экспериментальный цех художественного стекла, руководителем которого стала Мухина. Вместе с ней на завод пришли художники Николай Тырса, Алексей Успенский, а также ученые и технологи, ранее работавшие на «Красном гиганте» - Федор Энтелис и основатель кафедры стекла в Ленинградском технологическом институте Николай Качалов. Технология стекла активно совершенствовалась. Возродилась техника моллирования, позволявшая создавать крупноформатные произведения. Таким образом Мухина сыграла значительную роль в том, чтобы стекло начали воспринимать как материал для монументальной пластики и архитектуры. Примером тому - стеклянные  колонны перронного зала станции метро «Автово» в Ленинграде. К стеклу в жизни Мухиной привела череда событий, которым куратор выставки Кирилл Гаврилин решил посвятить несколько залов и привести наглядные примеры. Во-первых, посещению Верой Игнатьевной Венеции, острова Мурано и его стеклоделательных мастерских. Во-вторых, участию в 1925 году во Всемирной выставке в Париже, где Мухина увидела произведения французского художественного стекла Рене Лалика и Мариуса Сабино. Их работы также есть на нынешней выставке, равно как скульптуры Александра Архипенко, Эмиля - Антуана Бурделя и прочих источников вдохновения советского скульптора, чьи произведения приходится отыскивать в залах, сверяясь с этикетками. Впрочем, ее «Рабочий и колхозница» здесь все же имеется. В виде бронзового эскиза 1937 года. Музей декоративного и прикладного искусства 📍До 27.09 #прямосейчасвмоскве #мухина #скульптура #стекло

Другие возможные миры. Выставка в Еврейском музее Нью-Йорка, работающая последнюю неделю, посвящена творчеству выдающегося швейцарско-немецкого художника Пауля Клее (1879-1940). Проект, который курирует Мейсон Кляйн,  фокусирует внимание зрителя исключительно на работах, созданных в последнее десятилетие жизни крупнейшей фигуры европейского авангарда. Пауль Клее с 1921 года, равно как его друг и коллега по группе «Синий всадник» Василий Кандинский, преподавал в школе Баухаус в Веймаре. Читал курс по теории формы, руководил мастерскими по переплету и витражу. Труд Клее «Педагогические эскизы», опубликованный в 1925 году, стал результатом систематизации законов цвета и линий. Незадолго до закрытия Баухауза национал-социалистами, художник покинул школу и в 1931 году стал профессором Дюссельдорфской академии. Тем временем к власти приходит Гитлер. Искусство Клее объявляют «дегенеративным». Его, не еврея, называют «типичным галицийским евреем», требуют предоставить документы, доказывающие арийское происхождение, и, в конце концов, увольняют из академии. Столкнувшийся с суровой гримасой фашизма и беспощадной травлей, художник покидает Германию и до кончины живет в швейцарском Берне. Работы последнего десятилетия – на выставке около 100 картин и рисунков – представляют собой пронзительный дневник мастера, который к тому же страдал неизлечимым аутоиммунным заболеванием, склеродермией. Произведениям этого периода свойственна мощная экспрессия, упрощенные формы, агрессивные контуры. Ангелы, смерть и память, темы, которые волнуют Пауля Клее.   Хрупкость жизни, тревожные предвоенные предчувствия символизирует пронзительный образ «Ангела – кандидата»(Метрополитен-музей), созданный тушью и гуашью в 1939 году. В 1940 году Клее пишет работу «Високосный год». В том же году на мольберте остается его так и незаконченный «Последний натюрморт». Абстракция, исполненная меланхолии. Ваза с цветами, зеленый кувшин, статуэтка и очертание ангела. В экспозицию включена факсимильная копия знаменитой акварели «Новый ангел» (1920), названную немецким философом Вальтером Беньямином «Ангелом истории». История главной работы выставки пронизана горькой иронией. Оригинал работы Клее, несмотря на планы, не смог покинуть стен Музея Израиля в Иерусалиме из-за обострения конфликта на Ближнем Востоке. Еврейский музей. Нью-Йорк 📍До 26.07 ▪️Фото: Лиза Иршаи #новаявыставка #ньюйорк #клее #абстракция

Бункерная живопись Гоша Острецов, выступающий на арт-сцене с середины 1980 - х годов, апологет эстетики нью-вейва, виртуозный рисовальщик, мастер комикса, сарказма и иронии. Погружаясь мыслями в определенную проблему, Острецов всецело отдается ей, разрабатывает до мельчайших деталей, и, как правило, прибегая к самым разным медиа, создает целую вселенную. В его новом проекте под названием «Бункерная живопись» эта вселенная - двухэтажная.   Как всегда, художник задается глобальным вопросами мироустройства. Он погружает зрителя в полумрак каменной пещеры. Она же - крипта, она же – бункер, в котором человечество, вероятно, в силу разных обстоятельств, может оказаться.   Холодные бетонные казематы напоминают декорации немой киноленты Роберта Вине «Кабинет доктора Калигари», снятой в 1920 году.  В нишах сумрачного склепа заключены рельефные «фаюмские портреты» обитателей бункера. Второй уровень вселенной Острецова представляет собой этакий депозитарий. Здесь хранятся предметы - символы искусства, которое, весьма возможно, уцелеет в бункере и таким образом попадет в будущее. Их художник воплощает в скульптуре, живописи, рисунке, печатной графике. Натюрморты есть оммаж философии и аскетичности Джорджо Моранди. Отказ итальянского мастера от всего лишнего ради глубокого созерцания повседневности в свое время повлиял на кисть представителей «второго авангарда»: Дмитрия Краснопевцева, Владимира Вейсберга, Михаила Рогинского, Эдуарда Штейнберга. Однако кухонную утварь, которую так любил Моранди, Острецов подменяет супрематическими объектами, архитектонами, архитектурными формулами будущего, придуманными Казимиром Малевичем. В бункерной живописи все же остается капля надежды на будущее. Ее дарят растения, нежные цветы, несмотря ни на что пробивающиеся сквозь бетонную плоть. Фонд Андрея Чеглакова 📍До 22.09 #прямосейчасвмоскве #современноеискусство #тотальнаяинсталляция

Квартира окнами на крышу Рецепт, который, очевидно, должен быть прописан каждой фамилии -  семейные мемуары - невероятно мощный инструмент сохранения памяти и истории.

«Расставаясь надолго, подарите детям книгу собственных воспоминаний. Соберите коллекцию образов детства, запахи, свет, прикосновение, непонятные слова, странные поступки, чужие и родные лица, страшные и счастливые сны».

Все перечисленное филологом Ириной Сандомирской исполнила историк архитектуры, ведущий сотрудник Государственного института искусствознания, Татьяна Гнедовская. Ею написан большой исповедальный текст в жанре, занимающем некую золотую середину между повестью и мемуаром, к которому приложено фамильное древо.   Дед, Петр Иванович Гнедовский, был архитектором. Лев Руднев, руководитель мастерской, где работал Гнедовский, перевел ее из Ленинграда в Москву. В тот момент он проектировал шестиэтажный «генеральский» дом на Садово-Кудринской улице и смог сделать так,  что все его сотрудники получили квартиры в мансарде того же дома. Жилище Гнедовских, окнами выходившее на Патриаршие (тогда еще Пионерские) пруды, оказалось к тому же двухуровневым. О своем детстве в ней рассказывает автор, перечисляя ситуации, за которые до сей поры ей стыдно, наполняя книгу обилием бытовых подробностей и характерных деталей времени. При отсутствии стиральной или посудомоечной машины тогда еще мыли посуду и белье стирали в тазу. Паркет натирался мастикой с помощью щетки с коротким ворсом. На рубашки перед сдачей в прачечную нашивались метки. На фоне характерных советских бытовых реалий разворачиваются перипетии профессиональной и частной жизни семьи, родителей Татьяны, архитектора Юрия Петровича Гнедовского, ставшего президентом Союза архитекторов России и его жены, Елены Андреевны Борисовой, историка искусства, доктора искусствоведения, автора таких известных научных трудов как «Русский модерн»,  «Русская архитектура конца XIX-начала XX вв», «Русский неоклассицизм» , «Русская архитектурная графика XIX в.» и др. Как справедливо отметил театровед Анатолий Смелянский:

«Чудесная вышла история. Вроде бы про свою семью, про свои корни, а получилась волна воспоминаний длиною в жизнь».

Книгу в свет выпустило издательство «Барбарис». Его создатель, художник Ирина Тарханова, как известно, всякий раз превращает издание в элегантный арт- объект. Таковым стала и книга Татьяны Гнедовской, наполненная фотографиями и графикой, счастливо соединившая  элементы документальной и художественной прозы. Обложку блекло зеленых тонов украсил изящный медальон, изображающий крошечного мишку, сшитого для детей большой мастерицей Еленой Борисовой. На фотографию нанесены шесть слоев полиграфической эмали.   #новаякнига #мемуары

«Райский сад» в Казани Выставка начинается с рассказа о сновидении, которое пришло к целительнице Минхаджар Каримовой, когда она была ещё ребенком. Она спала вместе с бабушкой и во сне видела яблоневый сад, срывала плоды и обнаруживала, что все они гнилые. И тут она увидела как на встречу ей идёт Хызыр (дух-помощник), который сказал, что вся жизнь девочки будет такой, подразумевая, что она будет спасать людей от недугов, и что за ней будут присматривать. Этнографы, которые записали эту историю, заметили, что подобный сюжет существовал в классической исламской литературе, которую советский ребенок вряд ли мог знать. И, наверное, это ключевая тема экспозиции — то, как образы древней культуры, во многом уже утраченной вместе с неразобранными и недоступными к прочтению семейными архивами, всё равно прорастают в сегодняшних людях. 📌Продолжение по ссылке: https://iskusstvo-info.ru/rajskij-sad-v-kazani/ Национальный музей Республики Татарстан, г. Казань 📍до 29.09 #прямосейчасвказани #искусствоислама #райскийсад

Не тот горизонт Немногим более месяца остается до закрытия выставки Ани Желудь, художницы, ушедшей год назад. Еще будучи двадцатипятилетней, постигая философию пустоты, она написала:

«Художник, оказавшийся заложником предметного мира, становится прозрачнее, бесплотнее. Он превращается в человека, которого нет, делается территорией любви для вещей – человеком, который еще будет...».

Пространство под старинными каменными сводами на Маросейке вместило в себя все этапы короткого творческого пути Желудь – от ранних 2000-2001 гг  прежде не экспонируемых живописных холстов и картонов («Зима на Неве», «Спящая», «Городской пейзаж с деревом») - до бесплотных «металлических рисунков» последних лет («Упражнения», «В студии», «Анти – люстра» и др). Драматургия выставки подчиняется четырем главам. Каждая из них посвящена определенному художественному методу Ани Желудь: «Человек» которого нет», «Красота неприглядности, или вещь для любви», «Процесс перемещения», « …превращается в знак». «Многоголосные» натюрморты, портреты одиноких бытовых предметов, строгие монохромные пейзажи, картины, в которые можно войти, мотив дороги, уходящей за горизонт… Зрителя, оказавшегося в аванзале, встречает так называемый «Автопортрет», в 2016 году выполненный из металлических прутьев. Композиция вмещает в себя несколько предметов: повисшую в пустом пространстве одежду, картон и ящики.  Здесь же можно видеть две темперы -  «Человек, которого нет» (2005) и «Тряпки» (2013). Нынешняя выставка еще одна попытка постичь мира Ани Желудь. Проект создан при кураторстве искусствоведа Ирины Горловой и коллекционера Сергея Александрова, первым открывшего значимость живописи художницы и многие годы ее поддерживающего.  Основу экспозиции составляют вещи из собрания Александрова плюс работы из собрания Музея AZ, Фаины Балаховской, Михаила Корягина, Михаила Рызвановича.   AZART 📍До 23.08 #прямосейчасвмоскве #аняжелудь #современноеискусство

На Хитровке открылся новый книжный магазин «Озеро» С одной стороны, это просто ещё одно небольшое творческое пространство, модно сделанное, с хорошо выстроенными подборками литературы гуманитарной направленности и с упором на книги независимых издательств. Там же появится стеллаж авторской книги, и уже сейчас есть работы четырех выпускников школы Родченко, которые учились как раз по этой специальности. Там же кафе со вкусными булками. Но самое главное — то, что на вырученные с продажи книг деньги владельцы «Озера» планируют реставрировать здание, где находятся. А здание это интересно само по себе. 📌Подолжение по ссылке: https://iskusstvo-info.ru/mobile/events/na-hitrovke-otkrylsya-novyj-knizhnyj-magazin-ozero/ #прямосейчасвмоскве #сундукисокровищ

Голос Пустыни: Великий свиток Исайи. Свитки Мёртвого моря были обнаружены на его побережье в период с 1947 по 1956 гг в одиннадцати пещерах Кумрана. Кумранским рукописям более двух тысяч лет. Манускрипты с ветхозаветными текстами датируются Ш в до н.э – I в н.э. Великий Свиток Исайи, без сомнения, среди них наиболее выдающийся. «

И перекуют мечи свои на орала, и копья свои - на серпы: не поднимет народ на народ меча, и не будут более учиться воевать».

Всем известное, по сей день актуальное пророчество из Ветхого Завета, как считается, принадлежало перу пророка Исайи (глава 2, стих 4). Оно символизирует окончание всех войн, наступление всеобщего мира. Открытие свитков Мёртвого моря в изучении истории еврейского народа стало переломным моментом.  Находка пролила свет на важнейший период в истории человечества, существенно обогатив знания об иудейском обществе в эпоху эллинизма, римского правления, а также раскрыв истоки раввинистического иудаизма и раннего христианства. 7 метров и 17 сантиметров древнего пергамента, 54 колонки текста, 66 глав великой Книги, написанных на иврите иродианским письмом около 125 г до нашей эры. Последний раз оригинал древнего памятника целиком демонстрировался публике в 1965 г , как раз к открытию Музея Израиля. Музей в Иерусалиме продолжает свой юбилейный сезон, посвященный 60-летию. В честь этой даты Великий Свиток Исайи, хранящийся в «Храме книги», вновь представлен вниманию зрителя.

«История этой находки столь невероятна, что хочется рассказывать ее вновь и вновь. Но помимо истории особенно важно содержание. Голос Исайи присутствует в нашей жизни куда больше, чем кажется.  Слова его пророчеств звучат в молитвах, литературных цитатах, речах политиков, даже в географии Иерусалима»,

- убежден израильский искусствовед, историк Хагит Маоз, куратор выставки и директор павильона «Храм Книги» в Музее Израиля. Нынешняя экспозиция предлагает взглянуть на Свиток как на археологический артефакт и одновременно как и на историческое сочинение. Заодно можно узнать, из каких материалов манускрипт был изготовлен. В темном пространстве зала, символизирующем пещеру, представлена история открытия первых семи свитков Мертвого моря, в том числе и  Великого Свитка Исайи. Видео рассказывает, как некогда в пещеру забрел пастух - бедуин в поисках заблудившейся овцы. Обнаружив там свитки, завернул их в льняную ткань и продал торговцу древностями. Позднее они попали к Афанасию Йешуе Самуэлю, архиепископу Иерусалимской Сирийской православной церкви. Затем оказались в Америке.  В начале 1950-х гг археолог Игаэль Ядин, депутат Кнессета, увидел объявление о продаже рукописей. Были проведены тайные переговоры, состоялась сделка.  В 1955 г  премьер-министр Израиля Моше Шарет официально объявил об покупке. Цена свитка тогда составила 250 тыс. долларов. Музей Израиля. Иерусалим. 📍До 15.09 #новаявыставка #израиль #кумранскиерукописи #пророчествоисайи

Турчинские сессии.   Валерий Стефанович Турчин (1941 - 2015) - историк искусства, доктор искусствоведения, профессор Московского государственного университета имени М. В. Ломоносова и академик Российской Академии Художеств. Представитель классического искусствознания, автор книг об искусстве романтизма и авангарда, Валерий Турчин был также активным участником актуального художественного процесса. Существенной частью его профессиональной деятельности стало участие в становлении и развитии Московского музея современного искусства. Именно здесь, в Образовательном центре ММОМА (Ермолаевский, 17), 26 - 27 октября 2026 пройдет научно-практическая конференция «Турчинские сессии», дав старт долгосрочному проекту, запущенному при поддержке Российской академии художеств. Мероприятие, названное в честь выдающегося ученого, посвящается исследованию искусства XX – начала XXI века. Центральной темой конференции станет «взаимодействие». Участники обсудят преемственность поколений в художественном сообществе, возможности профессионального диалога и совместных проектов представителей различных сфер арт-индустрии. Организаторы предлагают, опирась на опыт истории искусства, рассматривать актуальные процессы в широком культурно-историческом контексте, выделяя не только теоретические модели, но конкретные выставочные, музейные и художественные практики. Стоит также напомнить, что Турчин инициировал сотрудничество музея со Школой современного искусства «Свободные мастерские», где продолжительное время читал курс лекций для студентов.   К участию в конференции приглашаются студенты, молодые специалисты, магистранты, аспиранты, преподаватели, опытные исследователи, музейные сотрудники, художники, кураторы и иные специалисты, профессионально работающие в области истории, теории и практики искусства.   ✏️Заявки на участие в «Турчинских сессиях» принимаются до 30 сентября 2026 года включительно по адресу: turchin.conference@ya.ru. В письме необходимо указать фамилию, имя, отчество, место работы или учебы, название доклада и тезисы объемом до 1500 знаков.   ММОМА #историяискусства #научнаяконференция #опенколл #турчин

Андрей Кузькин. Второй круг Андрей Кузькин рассказывает, что каждый раз, когда лепит фигурки из хлебного мякиша, он вспоминает деда. Тот был заядлым рыбаком, а плотву как раз ловят на хлеб. Перед тем как пойти на речку, дед разминал мякиш с растительным маслом, а потом стал поручать эту работу подросшему внуку. Внук ленился и пару раз пожамкав в руках хлеб, спрашивал: смотри, дед, может, уже достаточно? А дед отвечал: сколько раз сожмёшь в руках мякиш, столько рыб и поймаешь. Много лет спустя художник собирал один из своих «объемных пейзажей», небо сделал из алюминия, реки — из свинца, органическую прослойку между небом и землёй — из смеси песка и цемента, но потом ему понадобилось поместить в этот пейзаж человека. И Андрей подумал, что логичнее всего слепить этого человека из хлеба, поскольку хлеб в России — символ самой жизни, а в христианской культуре — ещё и тела Христова, преданного на смерть ради спасения всех нас. Со временем пейзажи ушли, а хлебные человечки остались. 📌Подробнее о выставке: https://iskusstvo-info.ru/andrej-kuzkin-vtoroj-krug/ Левашовский хлебозавод Барочная ул., 4а, Санкт-Петербург 📍до 16.08 #прямосейчасвпетербурге #героилевитации #тотальнаяинсталляция

Борисов-Мусатов. Гармония образа.

«Велика власть чар музыкальных в произведениях Борисова-Мусатова - власть чар ласковых да улыбчивых. Вихрь звуков, тихая зеркальность напевов мелодийных, нарастая, повисли в пространствах души внимающей - и словно осадились росами хладными мусикийские вздохи; и в туманности чар зачалась симфония облаков, шелка и розовых-розовых гирлянд».

Так сказать о художнике мог только его большой поклонник,  поэт Андрей Белый. Но, увы, слова эти уже писались для некролога «Розовые гирлянды», опубликованного в журнале «Золотое руно». Виктору Эльпидифоровичу Борисову-Мусатову была отпущена жизнь, короткая как вихрь. Тридцать пять лет всего. Эволюция творчества оказалась настолько стремительной, что многие современники не успели ее осознать. Он оставался «одинокой вершиной», как называл Борисова - Мусатова его первый биограф Владимир Станюкович. Но между тем художественные поиски этой «одинокой вершины» стали своеобразным мостом, соединившим русскую и европейскую культуры, «прекрасную эпоху» с искусством ХХ века. Раскрыть особую грань личности Борисова-Мусатова (1870-1905) как художника-экспериментатора -  такую задачу поставила куратор выставки в Третьяковской галерее Евгения Илюхина. Уроженец Саратова, сын бухгалтера Тамбово-Саратовской железной дороги, в три года получил травму, приведшую к деформации позвоночника. Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, был вольнослушателем Императорской академии художеств в Петербурге, занимался в студии у знаменитого Павла Чистякова. В 1894 году написал два холста, «Майские цветы» и «Маки в саду», выдающие все признаки московского пленэризма в духе Поленова, который также был его учителем. Не видя перспектив в дальнейшем обучении в России, художник отправляется в Париж, мечтая учиться у Пюви де Шаванна. Но старик отказывает, и Мусатов поступает в студию Фернана Кормона. Нынешняя выставка в том числе дает возможность познакомиться с ранним творчеством художника на примере таких работ как «Поклонение волхвов» (1893), «Суд Париса» (1894), «В парижском кафе» (1896), показанных впервые. Отдельная глава рассказывает о том, как в Париже художник приобрел фотоаппарат «Кодак» и как был увлечен этим новым видом искусства. Мусатов прошел импрессионистический этап, вершиной которого стал этюд «Агава» (1897), где горшок дан вплотную к зрителю, без всякой дистанции, а цвет листвы агавы образован с помощью сложных красочных смесей. Импрессионизм, в эти годы уже достигший высшего расцвета, требовал рождения новых систем – конструктивных или декоративных. Борисов - Мусатов разрабатывает собственный символический метод, метод лирического созерцания, легший в основу творчества его последователей. До выставки объединения «Голубая роза» Борисов-Мусатов не дожил, но имя этого пленительного живописца было начертано на его знамени. Третьяковская галерея 📍До 8.11 #прямосейчасвмоскве #борисовмусатов #символизм #живопись

Новый ТОН-ЦЕНТР открылся на Комсомольской площади В Москве очень торжественно открылся «Тон-центр» — это  новое общественное и выставочное пространство, но также концертная и театральная площадка, а ещё лекционный зал и книжный магазин. В общем, в «Тон-центре» будет происходить всё сразу и под девизом «Искусство в движении», потому что идея перетекания одной разновидности творчества в другую принципиально важна для куратора первого сезона Кати Бочавар. Но, конечно, в первую очередь обращает на себя внимание само здание на Комсомольской — проект архитектора Константина Тона. Первоначально это было круговое железнодорожное депо, и строилось оно с 1846 по 1951 год как часть всей системы Николаевской железной дороги. И именно Николай I, осмотрев идеально круглое здание с высоким куполом и световым отверстием в центре, сравнил его с римским Пантеоном. Сегодняшние посетители правда обнаруживают сходство «Тон-центра» в большей степени с цирком, потому что у него есть купол, арена и амфитеатр для зрителей, разбитый на секторы, а арена ещё и умеет поворачиваться, расширяя спектр возможностей  для режиссёров самых разных событий, которые будут здесь проходить. Открылся центр музыкальной премьерой — композицией «Земля маршрутов», созданной Владимиром Горлинским также с расчетом на уникальную местную акустику. Композитор задействовал шестнадцать перкуссий и трех солисток. Причём, музыканты расположились не только на самой вращающейся сцене, но и под сводами арок по периметру зала, то есть каждому слушателю достался свой вариант произведения, в зависимости о того, где он сидел и кто из перкуссионистов находился к нему ближе. 📌Больше интересного в нашем материале на сайте https://iskusstvo-info.ru/novyj-ton-tsentr-otkrylsya-na-komsomolskoj-ploshhadi/ #прямосейчасвмоскве #музыка #новоепространство

Толстой В Ясной поляне прошел юбилейный театральный фестиваль «Толстой». Важно то, что задуманный десятилетие назад фестиваль как пространство для разговора о личности, наследии Льва Николаевича Толстого через театр реализуется именно в родовом имении писателя. Здесь он появился на свет, прожил большую часть жизни, здесь находится его могила, и как раз здесь рождались замыслы многих его произведений. В том числе - повести «Смерть Ивана Ильича».   Спектакль 80-летнего Валерия Фокина «Обыкновенная смерть» с Евгением Мироновым в главной роли стал центральным событием фестиваля. Временный павильон, в точности повторивший размеры малой сцены Театра наций, был выстроен среди Яснополянского поля. Третья стена театра раскрылась в финале, и мучительно умиравший с мыслями о бесплодно прожитой жизни Иван Ильич ушел в закатное поле. Среди зарослей Чепыжа устроили главную сцену, копию МАМТ, где три вечера подряд, несмотря на дождь и грозу, шел балет «Анна Каренина» Ильи Демуцкого в постановке Максима Севагина. Режиссер-хореограф предложил неожиданный финал знаменитого романа о разрушительной страсти. «Толстой» - это принципиально фестиваль под открытым небом, поэтому его представления проходят в любую погоду. Под дождем и солнцем в липовом парке Клины, высаженном еще дедом Толстого, игрался спектакль «История одного проигрыша», поставленный Анной Потебня по тексту Егора Зайцева. Софья Андреевна мужественно переживала трансформацию жизненных убеждений мужа. Она - одна, а Толстых на круглой сцене было сразу четыре: юноша, юнкер, зрелый человек и старец. Народные песни, что любил Лев Толстой, пел на Косой поляне фолк-коллектив «Переплет» в спектакле «Гулянье» Дмитрия Мулькова. В доме Волконских тем временем развернута (до 16.08) любопытная выставка «Какой даровитый человек...», посвященная жизни третьего сына писателя, Ильи Львовича Толстого, из  всех его детей наиболее литературно одаренного. После революции Илья Толстой уехал в Америку, где читал лекции об отце, сотрудничал в Голливудом, занимался сценарием фильма «Любовь» по роману «Анна Каренина» с Гретой Гарбо. Благодаря поразительному сходству с отцом, в экранизации романа «Воскресение», «Мы снова живы» 1934 года, он исполнил роль Льва Толстого. Из-за ощущения несвободы 2 июля 1908 года Лев Толстой завел «тайный» дневник для «одного себя», храня тетрадь за голенищем сапога. Специально для фестиваля Евгений Маленчев создал аудиоспектакль-променад «Дневник для одного себя». Путь слушателя от Среднего пруда к могиле Толстого у оврага Старый Заказ, где была спрятана «Зеленая палочка» счастья, сопровождался текстами записей Толстого и врача Душана Маковицкого в исполнении Юрия Погребничко и Евгения Цыганова. Был показан уже хорошо известный публике спектакль-променад «Дом, который покинул Лев» театра «Пух и прах» (режиссеры: Этель Иошпы и Алена Смирницкая). Завершался фестиваль концертом фортепианного цикла в пяти частях Настасьи Хрущевой «Русские тупики», воспевающего красоту природы, тоску и пустоту. #толстой #фестиваль #яснаяполяна #театр