Бикбаева 360: Феномен, эмоции, NPS

Дизайн эмоций: искусство попасть в сердце аудитории, которая видела многое. Вечер для Президенции Monavi был выстроен как иммерсивное театральное действие, где исчезает граница между сценой и зрителем, а каждый гость становится частью общей истории. Каждый гость должен в какой-то момент почувствовать - это про меня и мои ценности. Это моя жизнь и мой сценарий жизни. Перформанс раскрывал пять ценностей Monavi: сервис, долголетие, комьюнити, семью и наследие. Не через слова и презентации, а через проживание: чувством, телом, эмоцией, моментом. Живой оркестр за неожиданно падающим занавесом, уникальные и не тривиальные номера артистов, живой хор, монолог Егора Бероева в абсолютной тишине зала, а еще медитация в бархатных масках под живой оркестр и звуки природы, сценический дым, от которого гости оказывались буквально в облаках, и мороженое в финале медитации как символ вкуса из детства, который возвращал в состояние легкости. В самом финале на всех экранах одновременно появился почерк каждого гостя: его слова, его ценности, написанные от руки в начале вечера. Все объединилось в одну надпись: «Monavi -ваш сценарий жизни.» На каждом этапе мы с командой задавались вопросом, чем тронем живую часть человека, чтобы он это запомнил и захотел рассказать другим? В следующем посте покажу детали и вау-моменты, которые превращают хороший ивент в незабываемый.Следите за каналом, чтобы не пропустить.

Как за 24 часа сделать премиум-театр из банкетного зала и решить бизнес-задачи клиента? Событие, которое помнят и о котором говорят, а еще оно решает бизнес-задачи. Ко мне часто приходят именно с таким запросом. Знакомьтесь, проект, который мы с командой создали для Артура Терисаяна и его потрясающей новой территории @monavieresidences Задача была сложной и захватывающей одновременно: премиум-аудитория, подписание международного партнерского соглашения, и каждый гость должен уйти с впечатлением, которое останется с ним надолго. Перед нашей командой стояло кое-что большее, чем просто провести официальное мероприятие - нужно было погрузить каждого гостя в атмосферу и философию проекта Monavi: ты сам автор своей жизни, ты сам пишешь ее сценарий. Все это нужно было создать в стандартном банкетном зале с низкими потолками и за несколько часов превратить пространство в театр эмоций. За сутки мы построили новую Вселенную - преобразили пространство до неузнаваемости, провели событие и демонтировали все обратно. Весь процесс, детали и результат запечатлены в минутном ролике: зал превратился в красную бархатную шкатулку, картины-экраны, живой оркестр, который буквально оживал из декораций. Гости не узнавали пространство. Знакомый зал отеля Lotte с ковролином и деревянными панелями за сутки преобразился в премиум-театр, а после события вернулся в свой первоначальный облик. Какие режиссерские приемы и принципы дизайна эмоций позволили сделать так, чтобы гости уходили с ощущением, что прожили что-то настоящее - расскажу в следующей публикации. А пока делитесь, как вам преображение площадки? Пишите в комментариях⬇️ Режиссер проекта: Ната Завгородняя Координация: @jazzupevents Декор: @eventbezkupyur Техническое обеспечение: @showin_moscow

Он придумал это без единого спецэффекта. Венера Милосская, Рита Хейворт, Дева Гваделупская - это не список экспонатов музея. Это источники вдохновения для одного гения. Это видео хочется пересматривать несколько раз, но в какой-то момент понимаешь, что смотришь уже не на сцену, а пытаешься понять, кто это вообще придумал? Его зовут Димитрис Папаиоанну, грек, родился в 1964 году в Афинах. Начинал как художник комиксов в андеграунде. В 40 лет поставил церемонию открытия Олимпийских игр в Афинах, а Time назвал ее триумфом. Le Figaro называет его одним из четырех главных хореографов мира. Но до всего этого он был никем за пределами Греции. Он создавал спектакли в сквоте, буквально в заброшенном здании в Афинах, без денег, без международных продюсеров, без агентов. Его труппа Edafos просуществовала 17 лет и оставила след в греческом театре, который чувствуется до сих пор. Его идея, которую он не предавал никогда: Тело - это не украшение сцены. Тело - это скульптура. Не метафора, буквально. Он смотрит на человеческое тело глазами живописца: форма, свет, объем, пространство. Каждый жест, как мазок. Каждая поза, как решение композиции. Его спектакли создают образы, которые невозможно забыть. Что он делает в пространстве: берет простые вещи: тела, свет, ткань, воду, землю. Убирает все лишнее и получает что-то, от чего перехватывает дыхание. В «La Perla» танцоры одеты в черное и растворяются в темноте. Видны только руки в белых перчатках. Росалия стоит в центре этой живой скульптуры. Венера Милосская на сцене арены. Без единого спецэффекта. Успех случился не быстро. Двадцать лет он работал внутри Греции, потом Олимпиада и потом снова тишина. И только в 2014 году, в 50 лет, его наконец начали звать европейские фестивали. Он стал первым художником, которому доверили создать новый спектакль для труппы Пины Бауш. Его «The Great Tamer» объехал 23 страны и собрал 90 000 зрителей. Сегодня его ставят в один ряд с именами, которые меняли театр. А он по-прежнему делает то, что делал в сквоте: ищет образ, который невозможно объяснить словами. Папаиоанну не развлекает, он создает состояние. Непонимание превращается в восхищение. Восхищение превращается в вопрос: как это вообще возможно? Из вопроса возникает желание пересмотреть, а пересмотр в разговор с другими и желание поделиться. Не просто «понравилось», а «не могу забыть». Это и есть дизайн эмоций. Не просто «какой классный номер», а «я не могу не рассказать об этом». Подумайте, есть ли в вашем проекте, продукте момент, после которого человек останавливается и думает, как это вообще можно было придумать? Что есть такого «особенного», чтобы ваш клиент захотел поделиться этим сам, без всякой просьбы?

P.S. эти ролики мы снимали для Гастрит Шоу на 5-летие . Второй снятый на мой телефон про команду , работа которой меня очень впечатлила

Кто-то делает ивенты, а Женя Суфиянова строит города Есть люди, которые мыслят масштабом сцены, микрофона и ленточки на открытии. А есть моя подруга - Женя Суфиянова и то, что она делает уже 11 лет в Красной Поляне, невозможно назвать просто событием. Это ЯВЛЕНИЕ. Это живая система под названием «Гастрит». Она первой перекрыла огромную территорию высоты 960 и каждый год туда приезжают 5000+ человек из ресторанной индустрии — владельцы, шефы, управляющие, маркетологи, рестораторы, поставщики, инвесторы. Люди, которые прямо сейчас двигают эту индустрию вперед. И самое удивительное — дело не в только масштабе. А в атмосфере. В том, что вечером ты можешь случайно оказаться за одним столом с человеком, которого раньше видел только в Forbes, и спокойно говорить с ним о бизнесе, ошибках, страхах, персонале, выгорании, новых идеях. Без дистанции. Женя передружила всю индустрию. Люди вместе открывают рестораны, путешествуют, проходят кризисы, закрывают проекты и начинают новые. И отдельные феномен волонтеры «Гастрита». Их 500, а очередь 10 человек на место. И это не «ребята помочь на входе». Это действующие специалисты индустрии, владельцы ресторанов, менеджеры, управленцы, которые считают честью попасть в эту команду и прожить эту неделю внутри. Я сама с огромной гордостью 4 года была волонтером и режиссером «Гастрита». Это один из самых мощных профессиональных опытов в моей жизни. Потому что изнутри особенно видно, какого масштаба это организм. Как работают команды. Как принимаются решения. Как сотни людей синхронизируются в один ритм. И главное — сколько в этом любви к людям и профессии. Потому что «Гастрит» — это уже не про ресторанный бизнес. Это про то, как может выглядеть настоящее профессиональное сообщество. Если у вас ресторан — вам нужно это увидеть. Если вы делаете события — вам нужно это увидеть. Если у вас любой бизнес — салон, агентство, производство, бренд — вам нужно хотя бы раз посмотреть, как выглядит мышление масштабом города. Я каждый раз уезжаю оттуда с исписанной тетрадью, новыми знакомствами и ощущением, что границы гораздо шире, чем мы привыкли думать. 7-12 июня я точно буду на Гастрите , а Иман в «Гастритике» , который она очень ждет! Встретимся на https://www.instagram.com/gastreetshow?igsh=NGdndnlya2Rwc256 https://t.me/gastreetshow

Они карабкались по небоскребам, пока все остальные строили сцены Олимпиада 1992 года, Барселона, церемония открытия: лучник выпускает горящую стрелу в чашу, весь мир замирает, трансляцию смотрят 3,5 миллиарда человек. За этим моментом стоит труппа La Fura dels Baus, которую за 13 лет до этого гоняла полиция с городских площадей. А сегодня их знает весь мир. После Олимпиады к ним выстроилась очередь: Pepsi, Mercedes-Benz, Volkswagen, Microsoft, Warner Bros. Режиссер труппы Карлус Падриса начал ставить оперы в Ла Скала и на Зальцбургском фестивале. Их шоу «Божественная комедия» во Флоренции собрало 35 000 зрителей живьем. Все это началось с одной простой злости. В 1979 году несколько молодых ребят из Каталонии собрались вместе, не в театральной школе, а на улице. Карлус Падриса и его друзья. Денег на аренду зала не было, но была идея, которая их бесила больше, чем отсутствие денег. Театр того времени был отгорожен от людей, зрители сидят в темноте, на них смотрят сверху, им запрещено двигаться. Это не искусство - это ритуал подчинения. Падриса думал: так не должно быть. Искусство должно врываться в жизнь, а не ждать, пока ты купишь билет и наденешь пальто. И они вышли на площади, в порты, в заброшенные зоны. Тащили с собой промышленные краны, бочки с огнем, тросы. Зрители стояли вокруг, а артисты двигались прямо в толпе. Никакой сцены, никакой дистанции. Тебя могло облить водой, в тебя могло полететь что-то горящее - ты был внутри, хотел ты этого или нет. Потом они придумали залезать на здания. Не как трюк, а как высказывание: город и есть сцена. Сначала их гоняла полиция, потом начали собираться тысячи людей, потом позвонили организаторы Олимпиады. Сегодня за плечами La Fura dels Baus: оперы на главных сценах мира, корпоративные шоу для крупнейших брендов планеты и репутация людей, которые переизобрели само понятие живого выступления. Они до сих пор работают. До сих пор залезают на здания. В чем секрет? Они проектировали одну конкретную эмоцию: ты не зритель, ты участник, а это меняет все. Зритель может уйти - участник не может. Участник запоминает, участник рассказывает другим. Проживает эмоции - «это происходит со мной».  Люди не пересказывают то, что они видели. Они пересказывают то, что они пережили. Посмотрите на то, что вы создаете. Где в этом человек наблюдает, а где он участвует? Есть ли момент, когда он перестает смотреть и оказывается внутри?

6 экстраординарных гениев, за которыми стоит наблюдать. Я долго думала, как их назвать. «Талантливые» - мало. «Креативные» -слишком общее. «Уникальные» - уже почти стерлось. Наверное, точнее всего - это люди, у которых есть свой способ говорить с миром. Я собрала 6 таких гениев современности, их работы и аккаунты выложила в карусели у себя в инстаграме 👉 dariabikbaeva Их объединяет не техника, не стиль, даже не профессия, их объединяет смелость не быть похожими. Переходите по ссылке и делитесь впечатлениями в комментариях>>>

Ее называли некрасивой, угловатой, говорили, что танцует неправильно, а она была уверена:  «Танец - это скрытый язык души.» Martha Graham Dance Company. Старейшей танцевальной компании Америки 100 лет. Time назвал Марту «танцовщицей века». Ее сравнивают с Пикассо и Стравинским. 181 постановка. Гастроли в 50 странах. И один танец, который до сих пор не превзошли, даже спустя 95 лет. Я попала на выступление ее театра в Венеции в театре Ла Фениче. Когда вышла солистка с номером «Lamentation», то не сразу понятно, что происходит. Она просто сидела и не вставала. 1930 год Нью-Йорк, Марта Грэм выходит на сцену, ей 36 лет и она уже несколько лет пытается доказать, что танец - это не про красоту, не про вытянутые линии и легкость. Не про то, чтобы нравиться.

«Никто не может прийти к искусству в совершенстве. Это путь, который требует всей жизни.»

Она была не согласна с тем, чит танец всегда изображал эмоцию, оказывал ее снаружи - через жест, через позу, через выражение лица. Красиво и понятно. А она думала иначе: «Танец - это скрытый язык души.»  Не показать боль, а стать болью. Она взяла кусок ткани, закуталась в него с головой, села на скамью и начала двигаться внутри этого кокона. Тело не видно, лицо ца не видно - только ткань, которая тянется, сжимается, рвется наружу. И одна рука, которая вырывается вверх. Никаких прыжков, никакой легкости, 4 минуты сидя. Это называлось Lamentation. Скорбь. После одного из выступлений к ней подошла женщина из зала. Сказала, что недавно потеряла ребенка и что впервые за все это время почувствовала: её боль существует. Она настоящая. Она не одна. Марта потом говорила, что именно тогда поняла, зачем все  это.

«Танец - это общение, и главное желание говорить ясно, красиво и неизбежно.»

Сегодня Lamentation - культовое соло мировой хореографии. Его изучают в каждом университете, на его основе другие хореографы создают собственные версии. А компания Марты Грэм выступает на сцене Ла Фениче в Венеции впервые за 51 год. Когда ты изображаешь эмоцию - человек наблюдает, когда ты становишься эмоцией - человек чувствует вместе с тобой. Она сама об этом говорила:

«Великий танцор - это тот, чья душа и тело неразделимы.»

А что вы почувствовали, смотря этот танец?

Марина Абрамович. В 1977 году она встала голой в дверном проеме галереи в Болонье. Рядом стоял Улай. Между ними 50 сантиметров. Посетители должны были протиснуться между двумя обнаженными телами, чтобы войти внутрь. Многие разворачивались и уходили. Перформанс длился три часа. Назывался Imponderabilia. Сегодня это одна из самых цитируемых работ в истории современного искусства. MoMA посвятил ей ретроспективу, которую посетили 850 000 человек за три месяца. О ней снят документальный фильм. Ее называют бабушкой перформанса. Марина Абрамович родилась в Белграде в 1946 году. Отец - генерал югославской армии, мать - тренированная гимнастка, дисциплина была единственным языком в доме. Она сделала из тела инструмент.

«Моя цель как перформанс-художника - инсценировать трудности и страх. Первобытный страх боли, смерти - все то, что есть в нашей жизни. Выйти через это перед публикой и сказать ей: я ваше зеркало. Если я могу это в своей жизни - вы можете в своей».

Но до Imponderabilia был другой перформанс, более жесткий. 1974 год, Неаполь. Она поставила на стол 72 предмета - от розы и перьев до ножа и пистолета с одним патроном. И написала инструкцию:

«На столе 72 предмета которые можно использовать на мне как угодно. Я объект. В течение этого времени я беру на себя полную ответственность».

Перформанс назывался Rhythm 0. Длился 6 часов. Первые два часа люди были осторожны - давали ей цветы, целовали руку. Потом что-то переключилось. Ее раздели, порезали кожу, кто-то приставил пистолет к ее голове. Когда перформанс закончился и она встала и пошла - все разбежались, никто не мог смотреть ей в глаза.

Она говорила об этом: «Это научило меня: если ты оставляешь решение публике - они могут убить тебя».

Критики первые годы писали, что это не искусство. Галереи отказывали, а потом люди начали плакать на ее перформансах. Сегодня Gallerie dell'Accademia в Венеции впервые в своей истории открыли целые залы живой женщине-художнику.

Марина говорила: «Хорошее искусство делается не в студии. Хорошее искусство я делаю в жизни».

Как вы считаете, это искусство или провокация? И есть ли между ними разница?

Она придумала биеннале 2026. И не дожила до ее открытия. Венециансикй биеннале. Раз в два года здесь решают, каким будет искусство следующих лет. Я прилетела, чтобы увидеть это изнутри. И хочу поделиться историей куратора этой выставки, которая меня очень тронула. Койо Куо. Камерун, 1967. В 13 лет переехала с семьей в Швейцарию. Изучала банковское дело. После развода, одна с ребенком на руках решила все поменять. Бросила банки, ушла в культуру и посвятила следующие тридцать лет одной идее: Что искусство принадлежит всем, а не только тем, кого принято слышать. Ее прабабушку в подростковом возрасте отдали в полигамный брак, без выбора, без права голоса.

«У моей прабабушки были только руки и интеллект, чтобы поднять четверых детей. Вот из какой семьи я вышла» - говорила Койо.

Эта история стала ее компасом. Всю карьеру она делала выставки про тех, кого мировая система искусства долго не замечала: африканских художников, женщин - тех, чьи голоса звучали на периферии, но звучали. С 2019 года она возглавляла Zeitz MOCAA в Кейптауне. За годы ее руководства посещаемость выросла на 40%.а доля работ женщин-художниц в коллекции на 60%. В декабре 2024 года ее назначили куратором Венецианской биеннале 2026. Первая женщина африканского происхождения на этой должности за 131 год истории.

«Она говорила, что это была ее мечта» - вспоминает ее муж.

Койо придумала название: In Minor Keys - В миноре. В музыке минорная тональность - это не грусть, это другой регистр, глубже, сложнее, честнее. Именно так она смотрела на искусство: не громкое, не очевидное, то, что звучит тихо, но остается.

«Мы все устали. Люди устали. Мир устал. Нам нужно исцеление. Нам нужна красота. Нам нужна радикальность радости. Время пришло.» - это она написала в 2022 году.

10 мая 2025 года она умерла от рака печени, диагноз поставили совсем незадолго до смерти. Концепция биеннале была готова, список художников тоже.

«Койо отсутствует, но присутствует из другого места» - сказал президент биеннале. «Мы реализуем её выставку такой, какой она её задумала.»

9 мая биеннале откроется и в каждом зале, в каждом выборе, в каждом художнике будет Койо Куо, ее живая идея, которая продолжает звучать в миноре. Следующие дни я проведу в Венеции на биеннале. Пишите, что показывать и про что рассказывать?

Год назад я согласилась на эксперимент и не пожалела. Взяла годовой безлимит Just eSIM на весь мир и решила проверить, выдержит ли это мой ритм жизни. А это запуски проектов из разных часовых поясов, дистанционное управление командами, созвоны с клиентами из любой точки планеты и, конечно, связь с самыми близкими в любое время дня и ночи♥️ За этот год я запустила и провела 4-месячную программу «Дизайнер эмоций» и каждую неделю выходила в эфир. Из гор Грузии. С регаты в Италии. Из Японии, Франции, Испании, Израиля. Связь не подвела ни разу там, где это было важно. И даже находясь в круизе по островам Папуа Новой Гвинеи - одному из самых диких и удаленных мест на планете, я имею возможность делиться впечатлениями и оставаться на связи со своими родными и управлять проектами и бизнесом. Год - это хорошая дистанция, чтобы сделать вывод. Мой такой: когда не думаешь о связи - это дает свободу думать о важном:  о деле, о жизни. И не переживать  о том, есть ли тут нормальный Wi-Fi, быть привязанной к номеру в отеле или думать, в какое кафе бежать ловить сигнал. Если вы тоже совмещаете путешествия с работой или ваш образ жизни связан активно с поездками и путешествиями, то у меня есть для вас кое-что приятное👇 Just eSIM для моих подписчиков дарит бесплатный пакет 250 МБ на 3 дня, который работает по всему миру. 🔗Просто попробуйте - и поймете, о чем я говорю. А потом выберете тариф, который подойдет именно вашему ритму жизни.>>> Реклама. Just eSIM Limited (Гонконг), регистрационный номер 3167139, erid 2W5zFJ2kn6d

Он пришел на подиум с чайником вместо сумки. И это стало модой. •Этот бренд существует с 1983 года • Его вещи носили Мадонна, Леди Гага, Кэти Пери • Коллаборация с H&M в 2018 году вызвала очереди по всему миру • Сумки-провокации уходят с аукционов за тысячи долларов спустя десятилетия • Сумка-сельдерей и сумка-спагетти 2025 года стали вирусными по всему миру Почему люди готовы платить полторы тысячи долларов за сумку в форме вилки? Или за клатч в виде тюбика солнцезащитного крема? Или за крошечную сумочку-фен на золотой цепочке? Или за моточек спагетти с помидорами черри на застежке? Его звали Франко Москино. Маленький городок в Ломбардии, 22 километра от Милана. Отец хотел, чтобы он работал в металлургии, но Франко хотел быть художником. В итоге поступил в академию искусств, рисовал костюмы для журналов, чтобы платить за учебу. Случайно попал в индустрию моды как иллюстратор. Работал на разные дома, смотрел как устроено производство изнутри, набирался опыта. И в какой-то момент решил делать по-другому. Потому что у него было четкое несогласие. Он открыто критиковал моду как систему. Говорил, что она превращает людей в жертв, которые гонятся за чужими правилами вместо того, чтобы быть собой.

«Модно то, что вам нравится. Не будьте жертвами моды».

Это было не просто фразой. Он буквально вшивал это послание в одежду. В 1983 году он открыл свой бренд. И сразу сделал то, что никто не ожидал. Отправил моделей на подиум с чайниками в руках вместо сумок. Вечерние платья украсил столовыми приборами. На пиджаке написал «Дорогой жакет». На поясе: «Талия, стоящая денег». Одну модель одел в смирительную рубашку с надписью на спине: «Только для жертв моды». Критики не поняли: часть смеялась, часть злилась. А люди полюбили. Потому что это было честно, это было смешно. И это впервые говорило им:

«Мода не должна тебя угнетать.»

Потом появились сумки в форме мотокуртки. Сумка-бутылочка для молока. Сумка-тыква на Хэллоуин. Сумка-вилка. Сумка-фен. Сумка-бумажный стакан с медвежонком. Клатч в виде тюбика крема от солнца. Рюкзак в виде упаковки McDonald's. Каждая из них существует как арт-объект. Люди не просто носят их, они их коллекционируют. Франко успел проработать всего 11 лет. В 1994 году его не стало. Но бренд не умер. Потому что идея была сильнее одного человека. Сегодня Moschino это несколько линий, отель в Милане, коллаборации с McDonald's, Sims, H&M и Губкой Бобом. И в 2025-2026 году бренд снова на пике. Теперь у руля аргентинец Адриан Аппиолаза. Он не сломал традицию, он её подхватил. Его сумка-сельдерей и клатч в форме моточка спагетти с помидорами черри на застежке разошлись по всем модным медиа и вызвали волну повторных заказов. На последнем показе осень-зима 2026 финальный выход был с кожаной копилкой-свиньей в руке модели. Дизайнер прокомментировал:

«В конце концов, мода - это всегда про деньги».

Moschino умудряется одновременно делать сумку-спагетти, которую обсуждают все, и классическую замшевую сумку, которую носят те, кто понимает без слов. Провокация для одних, качество для других - полный охват. Механика, которая работает уже 40 лет. Когда ты видишь сумку-чайник или вилку на золотой цепочке, ты сначала смеешься, потом думаешь: «Это гениально». Потом хочешь такую. Потому что она говорит что-то про тебя: ты человек, который не воспринимает моду слишком серьезно. Ты в теме. Удивление -> восхищение -> желание принадлежать. Есть ли у вас несогласие с тем, как устроена ваша ниша, которое вы пока придерживаете, потому что боитесь, что не поймут? Франко не боялся. И его чайник стал иконой.

Сегодня поделилась а своей инсте сокровенным рассказом и серией сторис . Зайдите , думаю для многих это событие и история будет вдохновением и поддержкой ❤️ https://www.instagram.com/reel/DX4L3NONX04/?igsh=MTdpdW0wbWJ3b3J2bw==

Ридли Скотт. Часть 3: Первый фильм в 39 лет. Сегодня его фильмы собрали более 10 миллиардов долларов. К этому моменту у него уже есть все: своя компания, постоянный поток проектов, тысячи снятых рекламных роликов и репутация одного из сильнейших режиссеров в индустрии. Он сам называл рекламу своей киношколой. Именно там, по его словам, он «научился думать через соединение образов» и понял, как создавать смысл через визуальный язык. При этом путь в кино не был быстрым. Он пробует писать сценарий сам, делает несколько версий и в какой-то момент приходит к выводу, что это не его способ работы.

Позже он говорил, что это «свело его с ума», и он решил сосредоточиться на том, в чем силен - на режиссуре.

Параллельно его коллеги из рекламного мира начинают переходить в кино. Алан Паркер уже снимает свои фильмы и получает признание.

Скотт вспоминал:

«Я захворал, когда узнал, что он уже снял фильм. Я не спал неделю».

Его первый фильм - «Дуэлянты». Без громкого старта, но уже с тем подходом, который он выработал раньше. История через образ. Смысл через свет. Эмоция раньше объяснения. Дальше появляются фильмы, которые определяют его имя: «Чужой» «Бегущий по лезвию» «Гладиатор» «Марсианин» Он не меняет способ мышления. Он переносит его в другой масштаб. То, что раньше умещалось в 30 секунд, начинает работать в полном метре. Он по-прежнему строит историю через визуальные образы и атмосферу, а не через объяснение.

Позже он говорил, что именно в рекламе научился главному -

как за короткое время создать ощущение и удержать внимание.

В его истории есть ещё один важный момент. Смерть его брата, Тони Скотта. Они были не просто братьями. Они вместе строили Ridley Scott Associates, вместе прошли путь от первых рекламных съемок до крупнейшей продюсерской компании, и все это время оставались рядом в работе и в жизни. Его смерть становится сильным ударом. После этого Скотт продолжает снимать еще больше - по фильму в год. Как будто еще яснее становится, что время - это единственное, что нельзя отложить. После «Гладиатора» он получает «Оскар» за лучший фильм, возвращает в кино жанр исторического эпика и закрепляет за собой статус режиссера, который работает на уровне ощущений. Дальше - новые проекты, новые масштабы, работа с крупнейшими студиями и актерами, но при этом тот же принцип: образ, атмосфера, эмоция. История Ридли Скотта для меня - это не просто история чужого успеха. Сколько идей вы откладываете, потому что «еще не время»? Можно начать в 28 и рискнуть всем. Можно начать в 39 и зайти в новую индустрию. Можно продолжать, даже когда уже все доказал. Вопрос не в том, когда начинать. Вопрос в том, что вы не делаете сейчас?

Ридли Скотт. Часть 3: Первый фильм в 39 лет. Сегодня его фильмы собрали более 10 миллиардов долларов. К этому моменту у него уже есть все: своя компания, постоянный поток проектов, тысячи снятых рекламных роликов и репутация одного из сильнейших режиссеров в индустрии. Он сам называл рекламу своей киношколой. Именно там, по его словам, он «научился думать через соединение образов» и понял, как создавать смысл через визуальный язык. При этом путь в кино не был быстрым. Он пробует писать сценарий сам, делает несколько версий и в какой-то момент приходит к выводу, что это не его способ работы.

Позже он говорил, что это «свело его с ума», и он решил сосредоточиться на том, в чем силен - на режиссуре.

Параллельно его коллеги из рекламного мира начинают переходить в кино. Алан Паркер уже снимает свои фильмы и получает признание.

Скотт вспоминал:

«Я захворал, когда узнал, что он уже снял фильм. Я не спал неделю»

. Его первый фильм - «Дуэлянты». Без громкого старта, но уже с тем подходом, который он выработал раньше. История через образ. Смысл через свет. Эмоция раньше объяснения. Дальше появляются фильмы, которые определяют его имя: «Чужой» «Бегущий по лезвию» «Гладиатор» «Марсианин» Он не меняет способ мышления. Он переносит его в другой масштаб. То, что раньше умещалось в 30 секунд, начинает работать в полном метре. Он по-прежнему строит историю через визуальные образы и атмосферу, а не через объяснение

. Позже он говорил, что именно в рекламе научился главном

у

- как за короткое время создать ощущение и удержать вним

ание. В его истории есть ещё один важный момент. Смерть его брата, Тони Скотта. Они были не просто братьями. Они вместе строили Ridley Scott Associates, вместе прошли путь от первых рекламных съемок до крупнейшей продюсерской компании, и все это время оставались рядом в работе и в жизни. Его смерть становится сильным ударом. После этого Скотт продолжает снимать еще больше -  по фильму в год. Как будто еще яснее становится, что время - это единственное, что нельзя отложить. После «Гладиатора» он получает «Оскар» за лучший фильм, возвращает в кино жанр исторического эпика и закрепляет за собой статус режиссера, который работает на уровне ощущений. Дальше - новые проекты, новые масштабы, работа с крупнейшими студиями и актерами, но при этом тот же принцип: образ, атмосфера, эмоция. История Ридли Скотта для меня - это не просто история чужого успеха. Сколько идей вы откладываете, потому что «еще не время»? Можно начать в 28 и рискнуть всем. Можно начать в 39 и зайти в новую индустрию. Можно продолжать, даже когда уже все доказал. Вопрос не в том, когда начинать. Вопрос в том, что вы не делаете сейчас?

Ридли Скотт. Часть 2: две лучшие рекламы, которые индустрия признала одними из лучших в истории. 2 ролика, 40 и 60 секунд, которые в 1999 и 2006 признали лучшими рекламами всех времен. Мы знаем Ридли Скотта по фильмам, но именно в рекламе он сделал то, что потом определило язык визуальной культуры. К этому моменту он уже снимает сотни роликов, но при этом отказывается играть по правилам индустрии, где реклама должна объяснять, убеждать и продавать напрямую. Для него становится важнее не донести сообщение, а создать переживание, которое останется с человеком. Он убирает объяснение и оставляет ощущение, как будто у него в руках не рекламный слот, а полноценное кино, просто сжатое до предела. Как он сам это называл - «30 секунд совершенства». В 1973 году появляется ролик для хлеба Hovis, где почти ничего не происходит с точки зрения действия: мальчик медленно тянет велосипед в гору по старой мощёной улице, пространство наполнено светом и музыкой, и при этом в кадре нет ни текста, ни прямого сообщения. И именно в этой тишине возникает перелом, потому что люди вдруг начинают чувствовать ностальгию по времени, в котором никогда не жили, и этот ролик перестает быть рекламой, становясь образом страны, за что позже его и признают лучшей рекламой Великобритании. Спустя несколько лет ему позвонил Стив Джобс и предложил снять ролик для запуска Macintosh. И здесь он снова идет тем же путем, только усиливает его до предела, выстраивая почти кинематографическую антиутопию, в которой давление системы сталкивается с одиночным актом сопротивления. Ролик показали всего один раз во время Super Bowl, но этого оказывается достаточно, чтобы запустить цепную реакцию из обсуждений, новостей и внимания, которое невозможно было бы купить даже за огромные бюджеты, после чего его признают лучшим рекламным роликом всех времен. В обоих роликах работает один и тот же принцип: не объяснять, а погружать, не рассказывать о продукте, а давать человеку прожить идею. Он не снимал рекламу в привычном смысле, а сжимал кино до предельной формы, упаковывая в короткое время не информацию, а эмоциональный опыт, который запускает решение быстрее, чем успевает включиться рациональное мышление. А что вы почувствовали, когда посмотрели эти ролики? Какая эмоция появилась первой? И что после этого вам захотелось сделать? В 39 лет Ридли Скотт оставляет рекламу, в которой уже стал лучшим, и уходит в кино, начиная все заново, но уже с тем же принципом, доведенным до предела. Что делает человек, который умеет за 30 секунд вызывать у вас чувства, но когда у него появляется два часа? Об этом в следующем посте.

Ридли Скотт. Часть 1: мальчик, который был последним в классе. Его фильмы знают все: «Чужой». «Бегущий по лезвию». «Гладиатор». «Марсианин». Но мало кто знает, с чего это началось. Север Англии. Военная семья. Отец почти всегда отсутствует, служба. Мать одна поднимает троих сыновей. Семья постоянно переезжает. За школьные годы около десяти школ. В классе Ридли последний.

«Я был на дне своего класса пять лет. Двадцать девять из двадцати девяти. И никак не мог понять почему. Может, я был немного дислексиком. Мне было скучно слушать учителя.»

Единственное, в чем он был первым - это рисование.

Мать заходила и спрашивала: «Почему ты не идёшь с ребятами?» Он отвечал: «Мне и так хорошо».

Родители думали, что с ним что-то не так. Но мама кое-что ему дала. Она любила кино и передала эту любовь сыну, каждую субботу они ходили в кино, неважно, что смотреть, Именно это поспособствовало развитию в нем насмотренности, не школа и не университет. Он поступил в Хартлпульский колледж искусств. Потом в Королевский художественный колледж в Лондоне. Там расцвел, наконец, среди людей, которые думали как он. Потом - BBC. Стабильная работа, корпоративные правила. Карьера дизайнера и режиссера - все как надо, все правильно. Но правила его душили. В конце 1960-х на все свои сбережения, без кредитов, он основал собственную компанию «Ridley Scott Associates». Снял здание на Лексингтон-стрит. Сам разработал планировку. Позвал брата Тони. Шесть недель - и ни одного звонка. Они уже были готовы опустить руки. И в последний момент появился первый клиент.

«Я всегда был немножко ковбоем. Если учишься сам, то никогда не забываешь ошибок. Я своим трудом заработал эту возможность.»

Реклама стала его киношколой. Его словами. Именно так он ее и называл. Потому что именно там он научился главному - как уложить большую историю в маленький формат. Как создать ощущение быстро. Как заставить человека почувствовать что-то раньше, чем он успел подумать. Есть ли в вашей жизни что-то, что вы делаете не потому что получается, а потому что не можете не делать? В следующем посте я расскажу то, о чем почти никто не знает. Как мальчик с севера Англии снял две лучшие рекламы в истории человечества. И ему позвонил Стив Джобс.

Все ждали от нее хиты, а она погружалась в богословские книги. Есть вещи и события, после которых невозможно перестать думать: как человек вообще это придумал? Концерт Rosalía один из них. Не технически. А внутри. Откуда эта идея или решение? После успеха ее предыдущего альбома  все ждали продолжения: хиты, регги, электроника. Но вместо  этого она взяла богословские книги и два года читала жития святых. Искала женщин из разных культур и религий. И родилось не просто шоу. Это путешествие через четыре состояния женщины. Акт 1. Идеал. Белая эстетика, пуанты, балет. Прямая отсылка к Дега и образ женщины как произведения искусства, созданного чужим взглядом. Хрупкая, красивая, управляемая. Акт 2. Выход из рамки. Образ меняется резко. Отсылка к картине Гойи «Шабаш ведьм». Черный наряд, все темнеет. Женщина становится неудобной, роковой, неуправляемой. Той, которую не получается поместить в раму. Акт 3. Живая скульптура. Снова белое, но уже не хрупкость. Отсылки к Венере Милосской. Женщина вышла из рамы и существует сама по себе. Акт 4. История и власть. Костюм «инфантадо» из картин Веласкеса, одежда 17 века, которую носили и мужчины, и женщины при дворе. В финале крылья, падение как Икар, и тихий уход с последней песней. Без поклона. Без триумфа. О чем это? На первый взгляд может показаться, что это рассказ об истории женщины. Но на самом деле она проживает на сцене вопрос: кто создает образ женщины и кто имеет право его разрушить? Балерина Дега, ведьма Гойи, скульптура Венеры, придворный портрет Веласкеса. Это все формы, в которые помещали женщину, чтобы сделать ее понятной и управляемой. Rosalía проходит через каждую из них и выходит другой. ➡️Визуальный разбор всех образов по 🔗ссылке Как дизайнер эмоций я вижу здесь четкую механику: когда все ждали больше, быстрее, громче - она дала сложность, тишину и требование внимания. Мозг получил что-то непривычное. И не смог забыть. Три вопроса, которые стоит задать себе, исходя из пережитого опыта: 1. Что в вашем проекте делается потому, что «так принято», а не потому,  что вы так чувствуете? 2. Где вы даете людям то, чего они ждут, вместо того, что их удивит? 3. Какую вашу странную идею вы откладываете, потому что боитесь реакции? Напишите в комментариях, какая ваша идея сейчас ждет своего момента?👇

Instagram: как отказаться от всего, во что ты уже вложился, и попасть в точку. Более 2 миллиардов пользователей. Одно из самых скачиваемых приложений в мире. Миллионы фото и видео каждый день. Оценка на момент покупки Meta в 2012 году 1 миллиард долларов за приложение, которому было два года. Я думаю, что почти каждый, кто делает продукт, хочет одного - чтобы им пользовались, много и массово. Так же начинался и Instagram. Его создатели, включая Кевина Систрома, шли по очень понятному пути- сделать «крутое» приложение, добавить функции, возможности, сценарии, чтобы человек мог делать все. И они это сделали. Но люди не начали пользоваться. Почему? Потому что было сложно. И вот здесь начинается самое важное. У них не было идеи «сделать минимализм». У них была цель - сделать популярное приложение. И ради этой цели они начали внимательно смотреть на людей. Не на продукт, а на поведение. И увидели очень простую вещь. Люди делают фото и пытаются сделать его красивее. Всё! Не пользуются остальным. Вэтот момент появляется решение, которое почти всегда самое сложное. Отказаться. От функций, от времени, от денег, которые уже потрачены. Они убирают почти все и оставляют только: сделать фото сделать его красивее выложить. И здесь проявляется их настоящая идея - попасть в реальное состояние человека. Человек хочет делиться, но чувствует себя недостаточно хорошим. Фильтр дает не эффект - он даёт разрешение: Можно выложить. Можно показать. Можно быть увиденным. И в этот момент всё начинает работать. Потому что продукт совпал с внутренним ощущением человека. С точки зрения дизайн эмоций, здесь очень точная связка: Неуверенность → улучшение → действие. Человек сомневается - ему дают простой инструмент. Он делает шаг и возвращается. А где вы сейчас держитесь за то, во что уже вложились? Функции, идеи, решения, которые не работают, но жалко отпустить. И готовы ли вы это обрезать, чтобы попасть в реальную потребность человека? Instagram вырос, потому что решился оставить меньше. От чего вам нужно отказаться сегодня, чтобы ваш продукт наконец начали использовать?

Код популярности. Месси. Папуа Новая Гвинея. Один из самых изолированных уголков на планете. Люди здесь живут так же, как жили сотни лет назад. Другой язык, другой мир, другое время. И дети в майках Месси. Я смотрела на них и думала, как? Как человек из маленького аргентинского городка Росарио стал настолько своим для людей, которые никогда не были на футбольном стадионе? Месси не просто футболист. Он единственный в истории, кто выиграл восемь «Золотых мячей». Его Instagram 500 миллионов подписчиков. Это больше, чем население любой страны Европы. Майки с его именем продаются практически во всех странах мира. Но все началось не с рекордов. Отец Месси привез своего тихого, маленького сына в Барселону в 2000 году. Мальчику было 13. У него был диагноз - дефицит гормона роста. Директор молодёжной академии Барселоны был так впечатлён Месси на просмотре, что не хотел его отпускать. Клуб согласился оплатить лечение и  подписал с ним контракт. Мальчик, которому врачи сказали «не вырастешь», вырос. И стал лучшим в истории. Восемь «Золотых мячей». Чемпион мира. Это не требует объяснений ни в Барселоне, ни на островах Папуа. Маркетологи говорят про него так: нет рынка, где Месси не актуален. Нет континента, где его не знают. Ребенок на острове в Папуа носит майку с именем человека, которого никогда не видел. Знает его имя, хочет быть как он и играет в футбол на земле, где нет электричества. Возможно, среди этих мальчишек уже есть тот, чье имя однажды будет написано на майках по всему миру. Это и есть настоящая популярность. Когда история человека становится больше его самого. Как думаете, почему история про человека, которому сказали «не вырастешь», цепляет людей на всех континентах?