Дебютант.АРТ

📌Включая, но не ограничиваясь В этом году британское искусство чествует одну из своих главных героинь - валлийскую художницу Гвен Джон. Выставка Gwen John: Strange Beauties началась в Кардиффе, теперь едет в Эдинбург (с 1 августа). Это первая большая ретроспектива Гвен Джон за более чем сорок лет, и это экспозиция, к которой нужно было прийти, в первую очередь, морально. Ведь она меняет не только восприятие персоналии художницы, но и места женщины в искусстве. На канале какое-то время назад выходил небольшой текст о Селии Пол, где я пишу, что многое в творчестве Селии перекликается с произведениями Гвен. Недавно, в 2024 году, Селия Пол оформила свой диалог с мастером в книгу Письма к Гвен Джон. Это не автофикшен, не биографическая проза и не очерк, это что-то среднее между всеми этими жанрами. Свои мысли о творчестве, судьбе, любви, материнстве Селия Пол оформляет в очень личные письма, которые Гвен никогда не прочтет. Помимо многочисленных перекликающихся символов, на которые указывает сама Селия, буквально приводя пары работ - свою и Джон - на одной странице, двух художниц связывает похожая судьба. У Селии Пол был 10-летний бурный роман с Люсьеном Фрейдом, фигурой настолько известной и значимой, что все его окружение моментально оказывается в тени. У Гвен Джон был 10-летний роман с французским скульптором Огюстом Роденом, который навсегда обеспечил ей в биографии слова "муза" и "натурщица". История искусств и арт-критика склонны рассматривать обеих художниц как спутники на орбите великих мужчин, порой отказывая им в праве на самостоятельное художественное высказывание. Гвен Джон "досталось" куда больше, в ее адрес можно встретить даже слово "сталкер". Все дело в любовных письмах - страстных, чувственных, красивых письмах, которые она отправляла Родену, пока они встречались и после того, как они расстались. Эти письма сейчас хранятся в Музее Родена в Париже, и по утверждению хранителей, Роден их вообще никогда не читал, по крайней мере, ни на одно не ответил. Этот факт создал миф о том, что Гвен - брошенная любовница, фигура патетическая и достойная сострадания. Но были ли письма без ответа следствием страданий от безответной любви? Творческий путь художницы говорит скорее об обратном: свои лучшие работы Гвен Джонс пишет в уединении, полностью посвятив себя искусству, при этом она чувствует так много и так глубоко, что выплескивает это в своих текстах. Но пишет она не в стол, а пишет человеку, с которым была безумно счастлива. Это настроение мастерски улавливает Пол. Она пишет Гвен так, будто они подруги или родственницы, очень тепло и открыто, при этом зная, что та не прочтет и не ответит. Это очень поэтичный ход, который дополнительно зарифмовывает, закольцовывает их судьбы. Для Селии Пол, возможно, эта книга - еще один способ сепарироваться от фигуры Фрейда, взять свое творческое наследие в свои руки. Я верю, когда-нибудь мы увидим совместную выставку двух художниц - ну или британские кураторы совсем ничего не понимают в колбасных обрезках, честное слово. Глобально для женщины в искусстве это очень большой шаг, тектонический сдвиг. Люди учатся смотреть на творчество женщины-художницы шире, чем через вечные реверансы "муза/любовница/жена такого-то". Роман с кем-либо - часть жизни, часть творческого пути, необходимый чувственный опыт для любого человека, для женщины - особенно, ведь как правило именно после завершения подобных "главных" отношений в своей жизни наступает пик творческой активности, создаются важнейшие произведения. Подкрепить вывод можно цитатой из "Писем к Гвен Джон":

Мужчины-художники всегда конкурируют друг с другом. Как женщина-художница, ты можешь вступить в это соревнование, или тихо выйти за пределы ринга. Ты и я сделали это, и все женщины-художницы, с которыми я чувствую глубочайшую связь, поступили так же. У женщин есть нетронутый источник внутренней силы, который мы должны защищать и оберегать. Только в тишине мы можем достигнуть этой силы.

#художники 🔹 Дебютант.АРТ

📌"Грусть", таксидермия и Древняя Греция Традиционно считается, что больших меланхоликов, чем художники, не существует - ну разве что, поэты. В этом соревновании вряд ли хочется участвовать: само определение меланхолии в сознании людей колеблется где-то между фильмом с Кирстен Данст тоскливой задумчивостью и клинической депрессией. Но слову этому столько лет, что оно поросло смыслами, разгадать которые - захватывающий художественный челлендж. Результат самокопания - большая групповая выставка Торжество меланхолии в Фонде Ruarts. Помимо того, что слово меланхолия - греческое, при чем тут все-таки руины и расколотые античные памятники, почему их так много? На этот вопрос дает ответ Нина Гомиашвили, куратор выставки:

Временность человека - не проклятие, а условие красоты. Именно потому, что мы смертны, закат над руинами так щемит сердце.

Один из самых зрелищных залов выставки занимают работы художников Алексея Веселовского и Валерия Кошлякова. Веселовский построил "324 кенотафа своих друзей и врагов" из шамота, это огнеупорная керамика. Выглядит как настоящее кладбище, только сильно уменьшенное в размере и очень эстетизированное. Вокруг - картины Валерия Кошлякова, которые выглядят, как настоящий реквием по Античности. С определенного ракурса можно увидеть на фоне кладбища развалины Римского форума. Еще один взгляд на явление меланхолии плавно вытекает из предыдущего. Если все, что создает человек - временно, и рано или поздно превратится в руины, что будет с этими руинами потом? Их поглотит природа, вечная, самообновляющаяся система. Об этом явственнее всего кричит огромное полотно "Новый лес" Гоги Тотибадзе, где из черепов прорастают ветви, а на них - листья и ягоды. На это же намекают работы Анны Бёрч: на фоне асфальтовых джунглей, модернистских зданий и цивилизации зацветают идеальные керамические цветы. И наконец, самым радикальным выражением меланхолии становится таксидермия, "засолка душ". Ничего на свете не может быть печальнее жалкой попытки человека победить власть времени и заставить живое замереть. Об этом - щемящие душу "синицы в руках" Игоря Самолета и огромная, на целый зал, инсталляция Кати Исаевой. Выставка открыта в Фонде Ruarts до 10 января 2027 года. Можно приходить каждый раз, когда впадаете в меланхолию. #репортаж 🔹 Дебютант.АРТ

Прекрасного понедельника, дорогие читатели. Шутейка про "Откуда ты это сказал?" моментально пришла на ум, когда увидела эти глазастые пеньки художника Всеволода Абазова на выставке Торжество меланхолии в Фонде Ruarts. Называется это чудо "Хор мандрагор", и послушать их можно по расписанию: в 12:00, 15:00, 17:00, 19:00. Пеньки откуда-то говорят ровно 33 минуты и 33 секунды.

Если уж я на канале периодически захожу на территорию деколониального искусства (ну потому что оно классное), то нельзя не упомянуть классика. Йинка Шонибаре - британский художник нигерийского происхождения, командор Ордена Британской империи. Художник везде к своему имени добавляет CBE (Commander of the Order of the British Empire): помимо того, что это высшая степень ордена и невероятно почетная награда, Шонибаре еще и забавляет сам факт признания со стороны британской культуры, которую он критикует на протяжении всей своей жизни. Ирония и чувство юмора вообще свойственны художнику, который смотрит на мир добрейшими глазами, несмотря на тяжелую судьбу: у Шонибаре - поперечный миелит, редкое заболевание спинного мозга, и он передвигается в инвалидном кресле. Из всего невероятного объема творчества Шонибаре, который стал известен уже в 90-е годы, хочется выделить его фирменные манекены с глобусами вместо головы. Скульптуры и инсталляции оформлены в традициях европейской культуры, но с африканским "финтом" - яркими красками, традиционными паттернами и даже чучелами птиц с африканского континента. Манекены зачастую несут какой-то крупногабаритный багаж: подобно нашей цивилизации, которая несет "багаж" последствий колониализма. Согласитесь, некоторым людям ведь действительно хочется нахлобучить глобус вместо головы, чтобы объяснить, что мир вообще-то - большой и разнообразный? #художники 🔹 Дебютант.АРТ

Корейская художница Гими Ю живет и работает в Сеуле, однако ее выставки можно увидеть по всему миру, в Лондоне и Нью-Йорке в том числе. Работы выглядят, как тончайшая акварельная графика, но это масло! Обратите внимание на свет: полотна то будто светяться изнутри, то тонут в предрассветном тумане, то в рассеянном закатном солнце. #художники 🔹 Дебютант.АРТ

📌Юбилейный концерт У каждого артиста наступает время, когда пора вернуться к тому, с чего начинал, и может быть, слегка это переделать. Обычно такой момент привязан к какой-нибудь дате. SISTEMA GALLERY отмечает 4 года на арт-сцене большой выставкой Ремейк, для которой художники-резиденты переосмыслили свои greatest hits. Многих художников узнаешь сразу, как старых знакомых: Даша Мальцева с ее фирменным беспорядком и, внезапно, собаками; Дарья Пасечник и ее воздушные полотна, нанесенные аэрографом тончайшими слоями; Ира Ленсберр, у которой снова что-то горит; Саша Пучкова сделала настоящее человеческое сердце на тонких циркульных ножках; Дарья Калугина наклеила виниловые обои, и это неожиданно красиво. Есть и совсем громкие, признанные имена: Северин Инфантэ, Миша Most, Сергей Бугаев-Африка. Если продолжать сравнение с музыкой, то у этого фестиваля - превосходный лайн-ап. Но тем и прекрасны групповые выставки, что среди знакомых имен можно найти для себя что-то совершенно новое. Я пропустила недавнюю выставку Southside Grooven, теперь вот жалею. Если когда-нибудь соберусь переезжать, обязательно сделаю себе бейджик с надписью Hello, I left my homeland in... Там над этим великолепным скетчбуком художника висит картина, которую нужно смотреть вживую, ибо это бесполезно фотографировать: вместо полотна - несколько слоев стекла, на каждом - свое изображение, которые складываются в одно. Совершенно умилил Ростан Тавасиев и его бегемотопись - очень живое, ироничное искусство где-то на стыке поп-арта и наива. И отдельное место в сердце заняли очень феминистские работы Анастасии Антиповой в виде empowerment-газетных заголовков. Спешите увидеть этот фестиваль искусства и поздравить с днем рождения SISTEMA GALLERY - до 19 июля. #репортаж 🔹 Дебютант.АРТ

📍Куда сходить в Москве, чтобы не расплавиться 🔹В Доме Наркомфина - новая часть выставочной программы Тающий дневник. В летнем сезоне приняли участие художницы Алена Троицкая и Ксения Маркелова. 🔹ММОМА и Школа "Свободные мастерские" показывает отчетную выставку, но не за учебный год, а за прошедшие 25 лет работы. Мастерская’26. Встреча выпускников объединит работы 19 художников - выпускников разных лет, чьи работы вошли в собрание Музея современного искусства. 🔹Шагин в Москве! Галерея Île Thélème привезла в столицу работы художника арефьевского круга, представителя ленинградского андеграунда Владимира Шагина. 🔹Моя любимая Трын*трава (репортажи здесь и здесь) добралась до Музея декоративного искусства, правда с дочерним проектом. Трын*Трава. Дети - выставка ну очень молодых художников и дизайнеров, от 7 до 21. 🔹masters:dom показывает новый проект Небывалое под кураторством Ильи Крончева-Иванова. Выставка объединит музыкальное произведение композитора Настасьи Хрущёвой и работы художницы Саши Кокачевой. Это продолжение программы сотрудничества с петербуржскими галереями, на этот раз своих художников в Москву привезла Anna Nova. Кроме Саши Кокачевой, галерея покажет работы Петра Дьякова и Анны Андржиевской. 🔹ЦТИ "Фабрика" в ожидании сноса, который является не чем иным, как актом вандализма, продолжает радовать интересными проектами. И после агент Купер повторил: нет такого места, как дом - российско-нидерландская групповая выставка, посвященная трансформации понятия "дом". 🔹Там же - выставка студентов РГГУ направления "Кураторство художественных проектов" под названием Поколение в сети. Авторы работ - люди, которые родились и выросли в цифровую эпоху. 🔹Sistema Gallery исполняется 4 года, в честь знаменательной даты - большая выставка Ремейк, где представлены работы двадцати пяти резидентов галереи. Также открылись две персональные выставки: За гранью видимого итальянского скульптора Массимо Гьотти и Икар в эпоху цифрового солнца художника Миши Бурого. #календарь 🔹 Дебютант.АРТ

📌Лучшие материалы июня 🔹Феномен лиминальных пространств и фильма Backrooms 🔹Искусство Селии Пол 🔹Лучшие объекты с выставки Ненаивное наивное в Царицыно 🔹Отзыв о прочитанной книге: Искушение Италией. Искусство и путешествия в николаевской России 🔹Маленький тренд-анализ на примере одной очень далекой выставки Репортажи с выставок (ура, я вернулась в поля!) 🔹Неспетые песни для возлюбленных - в Агентстве.Art Ru до 16 июля 🔹Звучание космоса - в галерее Анастасии Постригай в арт-пространстве "Куб" до 5 июля 🔹Экспозиция в арт-пространстве КУБ - до 5 июля 🔹Back to Crossroad - в галерее ARTZIP до 31 июля 🔹Фёдор Шехтель. Грёзы русского модерна - в Музее архитектуры до 4 октября 🔹Это не все время так - в арт-бюро "Тайнинка" до 12 сентября

📚Книжные новинки 🔹Цирк Новый проект польского издательства Zupagrafika, которое специализируется на архитектуре модернизма соцлагеря - не просто книга, а конструктор. Можно собрать маленькую модель цирка! Есть даже Большой Московский цирк на проспекте Вернадского! Безумно занимательная вещь и отличный подарок. 🔹Контрапост Дэйва Эггерса

Именно так художник обретает силу. Мы продаем работы. Ты предполагаешь, что в бессилии есть благородство. Это идиотское клише, которое живет уже слишком долго - что участие в коммерческой стороне дела тебя очерняет. Понимаешь, насколько это глупо? Считать, что художники - это хрупкие лесные нимфы, слишком возвышенные, чтобы прикасаться к деньгам?

Очень свежая новинка художественной литературы об искусстве. В центре романа Эггерса - двое художников, чей жизненный и творческий путь описан с подросткового возраста до старости. Один - невероятно талантливый, но не желающий институционализироваться парень по прозвищу Сверчок, вторая - карьеристка Олимпия. Вечное противостояние коммерческого и возвышенного в искусстве, будем надеяться, без морализаторства - судя по первым рецензиям, все хорошо. 🔹Искусство и жизнь: приключения в попытке творить и зарабатывать Книга на ту же тему, что роман Эггерса, но уже не художественная. Автор Мейсон Карри собрал истории художников, писателей и кинематографистов, успешные и не очень примеры совмещения творческой самореализации и обеспечения собственной комфортной жизни. У книги хорошие отзывы, так что есть надежда, что она глубже, чем "лучше быть богатым и здоровым". 🔹Порочные: история опасного искусства Too woke: хмыкают некоторые критики в адрес философа Дейзи Диксон и ее пристального взгляда на историю искусства. Однако, это важная работа - попытка уравновесить две крайности: когда мы игнорируем темные стороны искусства или его создателей, и когда мы отказываем такому искусству в праве на существование. Диксон дает инструменты для честного анализа, запрещает нам заметать нашу собственную грязь под ковер, но требует осознанности, а не отмены. 🔹Costume Art Мет-музей издал каталог выставки Costume Art под кураторством Эндрю Болтона. Выставка, конечно, здорово огребла от арт-критиков, но издание - произведение типографского искусства. #книги 🔹 Дебютант.АРТ

Художник-экспериментатор Дэвид Дэйгл превращает в решето классическую живопись и глянцевые журналы, создавая кошмар трипофоба, а еще - едкий комментарий относительно современного общества и массовой культуры.

Мы живем в мире одинаковых лиц. Ретушь, фильтры, фотошоп, инъекции и пластическая хирургия свели различия до выглаженной маски - красоты, откалиброванной алгоритмами, которая продается как нормальность. Красота давно служит языком власти: отполированным, разборчивым, централизованным. В своей работе "Смерть красоты" я оплакиваю эту утрату многообразия, а затем вмешиваюсь в процесс, пронизывая этот язык власти до тех пор, пока он не сломается.

С одной стороны, Дэйгла можно понять, он бывший фотограф-портретист, снимавший в основном знаменитостей, и о глянцевой красоте знает все. С другой, хочется сказать ему на это все "Хоботов, это упадничество!" и возможно, посоветовать иногда покидать Лос-Анджелес, чтобы увидеть другую красоту. А вообще-то, это прекрасно, когда недовольство и протест выражаются в довольно интересном искусстве, в созидании, а не в разрушении. #художники 🔹 Дебютант.АРТ

Новая работа франко-швейцарского ландшафтного художника Saype появилась в Миннеаполисе. Картина на траве называется Beyond Walls, step 22, и это часть очень большого проекта, который художник реализует по всему миру, посвященному связям между людьми вопреки границам и запретам. Миннеаполис выбран не случано: это город, где убили Джорджа Флойда и зародилось движение Black Lives Matter, а в данный момент там вовсю бушует конфликт с ICE, сопряженный с новыми человеческими жертвами. Площадь объекта - более двух тысяч квадратных метров, примерно треть профессионального футбольного поля, или штук 8-10 теннисных кортов. Рисунок нанесен специальной биоразгалаемой краской собственного изобретения художника, и он не вечен: со временем он частично смоется, частично будет скошен вместе с травой. #объекты 🔹 Дебютант.АРТ

Пальмы, волны и отпускное настроение в картинах художника из Лос-Анджелеса Адама де Бура. Центр триптиха "Воскресенье на озере Эхо-Парк" - по-моему, отличный оммаж "Воскресному дню на острове Гранд-Жатт" Жоржа Сёра. #художники 🔹 Дебютант.АРТ

Готовимся улучшать (или ухудшать, если вы в отпуске) свое финансовое положение с картиной "Размолвка" бразильского художника Белмиру ди Алмейда.

📌Край света и конец света Глобальная и довольно давняя тенденция превращения старых и ненужных промышленных объектов в дома для искусства нашла довольно необычное воплощение на другом конце света, в небольшом городе Вассаик в штате Нью-Йорк. Maxon Mills - зерновой элеватор, спасенный от сноса и превращенный в artist-run-галерею и арт-резиденцию The Wassaic Project. К сожалению, хорошее фото этого места нашлось только зимнее - сейчас там, несомненно, куда зеленее и приятнее. Летняя выставка резиденции получила название Because, now is the time of monsters. Это цитата из довольно мрачного марксистского труда "Тюремные тетради" итальянца Антонио Грамши, написанного, как не сложно догадаться, в фашистской тюрьме. Грамши писал о том моменте, в котором жил: о времени-пространстве между умирающим миром и еще не родившимся. Ничего не напоминает? Время перемен порождает массу новых возможностей, но оно же порождает монстров. На семи этажах выставочного пространства - арт-объекты и инсталляции из разных материалов от 39 художников, которые постепенно погружают в тревожный лихорадочный сон в жанре хоррор. Здесь все страхи современного мира, где очевидна необходимость и неотвратимость перемен, но давлеет страх перед неизвестностью. Задача художника - тонко чувствовать текущий момент и воплощать коллективное бессознательное, которое "витает в воздухе", игнорируя границы физические и политические. Эта выставка задумана как сайт-специфик, и в то же время меня не оставляет ощущение, что она могла бы случится в любом другом месте на земле: в Москве, в Гонконге или в Сан-Паулу. Потому что как бы люди не стремились отгородиться друг от друга, этот мир един, и проблемы у нас примерно одинаковые. Самый горячий выставочный тренд прямо сейчас - изучение дуальности, неопределенности мира. Мы постепенно уходим от лозунгов и громких высказываний к более вдумчивым, многомерным исследованиям. Природа выступает не только как некий идеал гармонии, который нужно спасти и защитить от вмешательства человека, но и предстает чудовищной силой, вечной и непреклонной, способной поглотить все, что построили люди. Национальный вопрос больше не сводится к деколониальному, мы не просто смотрим на мир с точки зрения колонизированных культур, мы подвергаем пристальному анализу и неизбежному сомнению культуру доминирующую, ведь она уже давно не кажется незыблемой. Технический прогресс висит надо всем этим дамокловым мечом - ведь теперь мы вынуждены во всем сомневаться, и мир уже не делится на естественное и искусственное, мир стал сложнее. А микротренд, который хорошо заметен на примере этой выставки - переосмысление пространства, будь то собственный дом, или офис, или город, или промышленное здание, как Maxon Mills. Пространства утрачивают свое первоначальное назначение, обретает новые функции и новые черты. Выставка заканчивается инсталляцией художницы Клариссы Пецоне под названием A Room of My Own (Комната самой себя), настоящие декорации к фильму ужасов. Снова кровать из места покоя и комфорта превращается в пространство экзистенциального ужаса. Это и комната Кэтрин Эрншо из "Грозового перевала" Эмиральд Феннелл, обтянутая кожей, и лиминальное пространство, о присутствии которого говорят лица на стене, а вернее - из стены. Таких выставок и таких работ, как у Пецоне, будет все больше и больше. Потому что сейчас настало время монстров. #выставки #эссе 🔹 Дебютант.АРТ

📌Фотограф Линда Маккартни В Fenimore Art Museum в штате Нью-Йорк открылась выставка The Linda McCartney Retrospective: From the Light. Линда, супруга сэра Пола и мама Стеллы, известна как музыкант и фотограф, причем не очень понятно, какая карьера успешнее - как будто бы вторая. В 1968 году вышел журнал Rolling Stone c Эриком Клэптоном на обложке. Фото подписано еще девичьей фамилией: Линда Истман. Это первое фото для обложки легендарного музыкального журнала, сделанное женщиной-фотографом. В архиве Линды много, конечно же, Пола и детей. И эти фотографии раскрывают ее талант намного больше, чем сто и одна фотография знаменитостей. Бытовые сцены сделаны как будто случайно, на бегу, искренне, по большой любви, при этом невероятно красиво. У каждого кадра безупречная архитектура, продумана каждая линия, каждый план, а планов у Линды, как правило, много. Чего стоит только фото сэра Пола в машине, озаглавленное My Love. London: отражение в зеркале заднего вида, ветровое стекло, дорога, отражения в стеклах автобуса, заход солнца, в свою очередь отраженный в окнах домов... вся эта многомерность сливается в один кадр, в центре которого - любовь. Еще одна важная часть жизни Линды: зоозащита и вегетариантство, нашла отражение в ее творчестве. У Маккартни множество фотографий животных, которые отличаются очеловечиванием, или, если хотите, субъективацией персонажей. "Не могу есть ничего, что имеет лицо", - говорила фотограф, и показывала это лицо, совершенно очаровательное, своему зрителю. Выставка будет работать до 7 сентября. #выставки 🔹 Дебютант.АРТ

📌Мимолетное и вещественное Хороший дизайнер интерьеров начинает работу не с пространства как такового, а с человека в нем. Кто будет здесь жить, чем он занимается, что он любит? Что именно он будет здесь делать день за днем: учиться, работать, читать? Только ответив на эти вопросы дизайнер думает, как в заданное пространство "поместить" человека. Но что, если пойти чуть дальше и подумать, о чем этот человек мечтает, к чему стремится, что видел и помнит? Тогда вместо заказчика появляется лирический герой, а вместо дизайнера - художник. По крайней мере, путь Юлии Голавской видится мне именно так. В камерном пространстве арт-бюро "Тайнинка" открылась персональная выставка дизайнера и художницы Юлии Голавской Это не время так. С одной стороны, выставка - сайт-специфик, потому что задумана специально для "Тайнинки" и только в этом пространстве работает, звучит, смотрится. С другой, помещение - это как будто еще один медиум, не место проведения, а часть получившегося арт-объекта. На выставке так много всего: мебель, текстиль, графика, фотография, видео; но все это смотрится как единое целое, как тотальная инсталляция. Хозяин этого места как будто только что был здесь, но на секунду вышел. Горит уютный свет рядом с кушеткой, как будто на ней совсем недавно кто-то полулежа читал книгу. Такой же теплый свет от настольной лампы освещает письменный стол, там - наточенный карандаш, им наверняка делали эти природные зарисовки, что в рамках на стенах. И точно, в самой светлой комнате, на туалетном столике - неоконченный альбом. Тот, в чье пространство мы попали, будто не покидал его очень долго, и теперь путешествует по своей памяти, отсюда столько черно-белых фотографий, а еще - видео, в котором мутные серые пространства обретают красочные детали, дорисованные поверх, будто приукрашенные воспоминания. Познакомиться с Юлией Голавской и узнать, насколько точно удается считать замысел художницы, можно на авторской экскурсии 8 июля. О других мероприятиях параллельной программы выставки можно узнать в телеграм-канале арт-бюро "Тайнинка". Побывать в гостях у лирического героя можно до 12 сентября по предварительной записи. #репортаж 🔹 Дебютант.АРТ

📍Куда сходить в Москве, пока нет солнца 🔹Музей русского импрессионизма посвящает новый выставочный проект Школа Званцевой. Лаборатория модернизма художественной школе Елизаветы Званцевой, которую художница открыла в Москве в 1899 году. История школы раскрывается через методы трех преподавателей: Льва Бакста, Мстислава Добужинского и Кузьмы Петрова-Водкина. 🔹В ГЭС-2 - выставка-исследование наследия индийского художника Рабиндраната Тагора Весь мир здесь обретает дом. 🔹В Музее Москвы - выставка Век в лозунгах и красках, посвященная истории московского плаката. 🔹В Центре "Зотов" - выставка Черновик будущего, на которой представят работы начинающих и ранние работы уже состоявшихся художников. Об одной из участниц выставки, Анастасии Григораш, я писала здесь. 🔹В Фонде Ruarts новая масштабная выставка Торжество меланхолии. Среди художников Семен Агроскин, Аннушка Броше, Катя Исаева, Игорь Самолет. 🔹В арт-бюро "Тайнинка" - выставка дизайнера и художницы Юлии Голавской Это не все время так. 🔹Мастерская Арендт&Со создала аудиовизуальную выставку с очаровательным названием Тюрлюмбумбум для Школы Родченко. Посещение уникальной художественной мастерской в Масловке возможно только с экскурсией, так что следите за обновлениями. 🔹В галерее Высота - персональная выставка Кати Шемякиной Белая мгла. 🔹В студии флористики Studio 7 Flowers - персональная выставка Анны Алексеевой Там, где цветут пески. 🔹Совместный проект двух галерей - Mute. и ВОДА - персональная выставка Евгении Бардиной Шкатулка исчезающих историй. #календарь 🔹 Дебютант.АРТ

📚Научные изыскания и историческая справедливость "Куда меня несет?" - подумала я, открывая книгу. Ведь написано же, буквально русским по белому и прямо на обложке: научное исследование. Я, каюсь, научных исследований не касалась с института. Тем более, я никогда не лезла в такие дебри, в тему настолько узкоспециализированную. Но согласитесь, название - поэтичное, как и, забегая вперед, язык повествования. Да, придется временами прорываться через незнакомые термины, но в основном книга читается, как художественная литература. А зацепила меня она вступлением, явно рассчитанным на более широкого читателя:

Его [Николая I] главная задача состояла в сохранении имущественных и политических привилегий господствующего класса путем применения военно-полицеских методов руководства, сходных с диктатурой. [...] Как и любой деспотический режим, николаевское правительство отличалось склонностью к повсеместному насаждению ура-патриотической идеологии. Ее насаждение состояло в отвлечении общественного внимания от осмысления причин бесчисленных административных недостатков и огрехов, подменив их беспристрастный анализ трескучими лозунгами и сомнительными тезисами. Условием верного определения собственной идентичности служит противопоставление внешнему миру...

Ну, и так далее. Очнулась я страниц через сто. После красочного описания современной ой, то есть николаевской России, автор переносит читателя в Италию, и тут, прямо скажем, тоже очень много сходств с текущим положением вещей. Как "туристы из России" восторгаются, а затем разочаровываются, приводя все те же аргументы про грязные улицы, разношерстное население и бытовые неурядицы. К середине книги начинаешь сомневаться, что "ничто не вечно под луной". А книга, вообще-то, о художниках. В центре, а вернее, на двух полюсах - две фигуры, совершенно противоположные. Забавно, как обошлось с ними время и глаза массового зрителя. Первому к 225-летию досталась выставка-блокбастер "Великий Карл" в Михайловском дворце, второму к 220-летию - скромная экспозиция в Третьяковке. И давайте честно, вряд ли у музеев получится сделать монографическую выставку Александра Иванова по методичке: блокбастером, чтобы на улице выстраивались очереди, несмотря на культовый статус "Явления Христа народу". Об этой злой иронии судьбы мы и читаем. Строгий, степенный Иванов, который воспринимает искусство как служение, проигрывает по всем фронтам светскому и яркому Брюллову, искусство которого угождает общественному вкусу и во многом - коммерческое. Для тех, кто привык воспринимать Брюллова как "великого художника" острая критика как его работы, так и некоторых личных качеств, будет в новинку. Но в этом противостоянии художников замешано, на самом деле, очень много: и национальный вопрос (Иванов в письмах называет художника исключительно Брюлло, намеренно не русифицирует его фамилию), и политический, и моральный. Симпатии читателя будут склоняться то в ту, то в другую сторону, и несмотря на иногда довольно очевидную авторскую оценку, останутся где-то посередине. А в конце читателя ждет неожиданный момент ностальгии об итальянской сладкой, а временами не очень, жизни, и немного сожалений о золотом веке искусства, когда художники могли годами жить в Италии, находясь на государственной службе и на его же, государя, содержании. А выводов не будет: эта книга - как большое полотно в музее, во всю стену, с множеством детально проработанных элементов и фигур, и каждому зрителю предстоит самому оценить шедевр и расставить акценты, что важно, а что нет. Книга Искушение Италией. Искусство и путешествие в николаевской России вам точно будет интересна, если вы интересуетесь классическим русским искусством, и не пугайтесь, что книга научная, а не популярная. А еще, если вы обратили внимание на надпись на обложке visual thinking (01), то вы правильно поняли: это будет серия. Издательство БуксМАрт уже готовит к выходу вторую книгу, которая будет посвящена усадьбе Абрамцево. #книги 🔹 Дебютант.АРТ

📌5 самых ярких экспонатов выставки "Ненаивное наивное" в Царицыно Надеюсь, вы через экран услышите мои вздохи сожаления: я живу рядом с Царицыно, и два раза в неделю проезжаю мимо парка, и вижу очертания Большого дворца на холме... и до выставки, конечно же, никак не могу добраться. Благо, время еще есть: Ненаивное наивное открыта до 7 февраля следующего года. А пока я пытаюсь выкроить время для экскурсии, расскажу вам, на что, собственно, нужно смотреть. 🔹Павел Леонов, "Пустыне нужны сайгаки" Именно так выглядит позднесоветская идиллия: когда все ладно и складно, немного странновато и до конца не понятно, зачем. Узнаете эти высокие деревья по краю поля? А я узнаю, они как будто прямиком из моего детства, где такие стройные ряды деревьев назывались просто "посадка" - их сажали, чтобы ветер не сдувал с полей верхние слои почвы вместе с семенами. На полях - техника, которая когда-то была непременно красная, тоже примета времени. Есть и изрядная доля сюрреализма, в виде непонятной скульптуры с гармошкой и огромной зеленой птицы, и тройка эта совершенно не к месту, между трактором и автобусом. Есть в картине и немного советской тьмы-тьмущей: в деревенском домике с изразцами на окнах видна надпись "Интернат" - не все, точно не все ладно в этом радостном королевстве. А в левом нижнем углу - те самые сайгаки, которые нужны пустыне: и все-таки, зачем? 🔹Василий Пластинин, "Адам и Ева" Свою версию Эдема и, простите, позиции первородного греха предлагает художник, чей творческий путь начался только после 60 лет (потому что у рабочего человека относительная свобода наступалает только на пенсии). Райский сад и правда очень красивый, цветная бабочка вместо фигового (или фигóвого) листа - какая-то совсем потрясающая аллегория жизни и жизнетворчества. 🔹Катя Медведева, "Пробуждение России" Творчеством и личностью Кати Медведевой восхищаюсь с тех пор, как ее встретила, за что нужно сказать спасибо Анастасии Постригай. Эта картина - особенная, потому что я в ней вижу невероятное сочетание протеста, отрицания, всепрощения и любви. Обратите внимание на подпись: "В честь столетия со дня рождения Никиты Сергеевича Хрущева". С этим персонажем у каждого свои счеты, его поминает каждый, кто родился и вырос в "хрущевке", кто-то даже удивительно добрым словом, но кажется, если ты художник, невозможно не испытывать отвращение. Но тут - ни капли желчи, чистое слово на языке веры и красоты. 🔹Василий Шевченко, "Вдовы" Смотреть на этой картине следует прямо в глаза - бездонные, очень грустные и потерянные. При этом мне кажется, картина эта, несмотря на свое название и на приписку "День победы", не только про потерю и тоску. В ней есть какая-то трогательная нежность, напоминание о том, что горюем мы только по тем, кого любим. 🔹Алексей Пичугин, "Последний день Помпеи" "Копия" картины Брюллова вырезана из дерева, но не только поэтому она выглядит как будто немного упрощенной и, несомненно, наивной. Дело в том, что художник, пенсионер-ветеран из Ярославской области, оригинал ни разу не видел. Живописные шедевры он вырезал из дерева, чтобы познакомить с ними односельчан, и основой работы служили репродукции в журналах - мелкие и довольно низкого качества печати. Это работа не благодаря, а вопреки, из прекрасных побуждений, поэтому - такая важная. #объекты #выставки 🔹 Дебютант.АРТ

Скульптор из Нью-Йорка Ребекка Мэнсон делает удивительные крупномасштабные инсталляции из керамики и стекла. Огромные работы собираются буквально по крупицам: каждый кусочек делается художницей вручную, многократно обжигается и глазируется, а после приклеивается на каркас. Метод Ребекки перекликается с темами ее творчества, одно словно вытекает из другого: метаморфозы, время, мимолетность, вдумчивость, ностальгия. Короткий момент, который мы наблюдаем лишь миг, а храним в памяти - целый век, художница превращает в застывшие скульптуры. С качелей будто только что спрыгнул задорный ребенок, но момент, в котором они замерли, был давным-давно, и их затянуло мхом и опавшей листвой. Ветер на долю секунды поднял осенние листья в маленькое торнадо, наш разум сфотографировал этот момент, нарисовал образ времени года, и из памяти постепенно вымылось все: улица, где это было, наш тогдашний возраст, люди, которые были рядом. Остался лишь этот образ вихря из осенних листьев, который мы каким-то чудом запомнили в мельчайших деталях. Крохотные мотыльки и бабочки проживают короткую жизнь, но у Мэнсон они приобретают противоестественные размеры выше человеческого роста и живут вечно. #художники 🔹 Дебютант.АРТ