ESTE Gallery

Ярмарка современного искусства @cosmoscowfair 2022 объявила своих участников! В 10м сезоне в ярмарке примет участие более 65 российских галерей из Москвы, Санкт-Петербурга, Нижнего Новгорода, Воронежа, Калуги, Екатеринбурга, Владивостока. Команда приготовила для посетителей новые секции, одна из них Digital объединит художников и арт-коммьюнити вокруг NFT. Ещё в программе выставка «Глазами коллекционера» из частных собраний, новый проект Художника года Валерия Чтака, насыщенная программа событий Cosmoscow Talks. Где и когда: 15-17 сентября, Гостиный Двор Приобрести билеты

​​В Музее ART4 13 сентября откроется персональный проект Василия Кононова-Гредина «Семь язв семи Ангелов» 13 сентября – 5 ноября 2022 Хлыновский тупик, 4 Художник представит работы, в которых исследует искусство как язык социума и поднимает вопрос о его бессмертии перед лицом постоянно меняющейся реальности. Значимые проекты автора — «Русская смерть», который стал лауреатом грантовой программы музея «Гараж» 2019 года, а также инсталляция «Сад камней», специальный проект в рамках «6-я Уральская индустриальная биеннале современного искусства». Проект «Семь язв семи Ангелов» — размышление о связях внутри языка и о возможных сценариях жизни в случае его распада. Искусство — суть язык. Память, передача знаний, связи между людьми, между человеком и животным, наше взаимодействие с природой, границы человеческого в пределах виртуального — это те темы, которые поднимаются в проекте, и о которых автор рассуждает языком искусства, который, как и любой язык, необходим для коммуникация между поколениями. Данный проект был начат в 2021 году и состоит из трёх тотальных инсталляций в которых последовательно связана идея возможного развития социальных и рыночных отношений в обществе. Художник использует различные визуальные инструментарии для создания многообразного языка, благодаря которому происходит общение со зрителем, в их числе 3D-моделирование виртуальной среды, аналоговая фотосъемка, комбинирование техник, 3D-печать, медная ковка, видео и другие медиумы. «Название для проекта было выбрано сюрреалистическим методом. Я подумал о том, какое кино ближе всего соотносится с проектом, и этим фильмом оказалась «Седьмая печать» Ингмара Бергмана. Тогда я решил, что обращусь в поиске названия, как и Бергман, к «Откровению Иоанна Богослова». Открыв книгу наугад и остановившись на том месте, куда упал мой взгляд, я прочитал: «…Семь язв семи Ангелов». Так как в проекте происходит размышление о болезненных вопросах существования в постапокалиптическом и постчеловеческом мире, я решил остановиться на этом названии», – делится Василий Кононов-Гредин. Трагедия человечества заключается в том, что каждому поколению приходится заново осваивать опыт предыдущего поколения, и в этой эстафете теряется приобретенный опыт преодоления насилия, рабства, эгоистического и корыстного отношения к миру. Если представить мир, в котором человек стал бессмертным, то до каких высот гуманизма и знания он мог бы подняться? Возможно, цифровое бессмертие, виртуальная реальность, искусственный интеллект и киборгизация — это то, что поможет человечеству в преодолении трагедии конца опыта. А возможно, это тоже тупик? Василий Кононов-Гредин (р. 1990) окончил Вятское художественное училище. Закончил институт современного искусства “БАЗА”. Лауреат грантовой программы Музея "Гараж" для молодых художников, работающих в сфере актуального искусства 2019/2020. В своих работах обращается к большим формам, пространству тотальной инсталляции. Работает со скульптурой, видео, объектами, живописью, запахами, звуком. Сочетая различные медиа, работает с тем, чтобы воздействие на зрителя было всестороннее. В произведениях внимание художника направлено на концептуальность замысла, монументальность, красоту и цельность формы. В глобальном контексте существует связь между культурами разных стран и религий, а исследование современных проблем нашего общества, его разобщенности, дает нам возможность понять человека. Музей АРТ4 - первый частный музей современного искусства в России, основанный в 2007 году коллекционером Игорем Маркиным. Каждый год здесь проходит более 6 выставок молодых художников. В основной коллекции музея – работы главных российских авторов последних 70-ти лет: Эрик Булатов, Олег Васильев, Владимир Вейсберг, Константин Звездочетов, Илья Кабаков, Комар и Меламид, Дмитрий Краснопевцев, Владимир Немухин, Тимур Новиков и еще более 140 имен. www.art4.ru

Новые выставки в пространстве арт-платформы Cube.Moscow! Арт-платформа Cube.Moscow. объединяет в своем выставочном пространстве более 10 галерей современного искусства, экспозиция которых регулярно обновляется! 9-го сентября в @cube.moscow открывается более десяти новых выставок: во второй части проекта «Портрет коллекционера в действии» будут показаны работы «гениального художника из Нары» Леонида Пурыгина из коллекции основателя Cube.Moscow Елены Белоноговой. Экспозиция будет дополнена предметами коллекционного дизайна из ее собрания. В большом выставочном зале Cube.Moscow галерея «КультПроект» представит выставку «Дневники странствий» — вдумчивый разговор о персональном пути в искусстве девяти художников. Маски Дмитрия Шабалина, «Духовка без мяса» Дмитрия Булныгина, фотография Дианы Гуледани, коллаборация художницы Аси Багаевой с парфюмерной студией Storysmell и многое другое! 📍Cube.Moscow, Москва, Тверская ул., 3, здание отеля The Carlton, Moscow , -2 этаж.

​​Выставка «Носороги на черепашьих бегах в Москве» К 85-летию художника Дмитрия Плавинского! 7 сентября – 20 ноября 2022 7 сентября в Музее AZ открылась выставка одного из лидеров советского неофициального искусства Дмитрия Плавинского «Носороги на черепашьих бегах в Москве». Проект приурочен к 85–летию со дня рождения знаменитого художника- нонконформиста. На выставке представлены офорты и живописные произведения Дмитрия Плавинского из собрания Музея AZ и частных коллекций. Среди них – работы из важных для творчества художника серий «черепах» и «носорогов». Анималистические символы черепах и носорогов для Плавинского не случайны. Черепахи олицетворяют в творчестве художника синтез русской, древнегреческой и китайской культур. Панцирь черепахи стал для него универсальным символом структуры времени, космизма и пульсации энергии, на которой держится весь мир. Изображения носорога являют собой диалог художника с Альбрехтом Дюрером. С подлинником «Носорога» мастера Северного Возрождения Дмитрию Плавинскому довелось познакомиться в студенческие годы в гравюрном кабинете ГМИИ им. Пушкина. С того момента носороги с черепахами стали главными героями «театра жизни» художника. Генеральный директор Музея AZ, Наталия Опалева: «Мне посчастливилось лично познакомиться с Плавинским на его последней выставке, в Доме Чехова, в галерее Полины Лобачевской. В памяти остался образ Мастера, попавшего к нам из другого времени – шарф, берет и необыкновенная внутренняя сила, исходящая от этого человека…» Дмитрий Петрович Плавинский – одна из главных фигур московского нонконформизма второй половины ХХ века, художник и график, создатель направления «структурный символизм». Он определил культуру как духовное время – структуру знамений и символов. Феномен личности Дмитрия Плавинского, русского художника, органично существующего в пространстве мировой культуры и ведущего ассоциативный диалог с гениями Ренессанса, очень актуален. К выставке приурочен выход книги «Дмитрий Плавинский. Книга офортов», изданная Музеем AZ. Один из авторов издания, заведующий отделом графики ГМИИ им. А.С. Пушкина, Олег Антонов считает, что «художественное мышление Дмитрия Плавинского было мифотворческого склада. Каждая новая работа становилась пространством для создания собственного мифа и вместе с тем полем для выражения личного мироощущения. Именно поэтому большинство его произведений, несмотря на порой кажущуюся отвлеченность, имеет непосредственные переплетения с биографией. Это автобиографичность совершенно особого типа – своего рода путеводитель по жизни и внутреннему миру». В одном издании впервые будут собраны все офорты художника. В рамках проекта состоится встреча с автором книги, искусствоведом Марией Плавинской. Полина Лобачевская, куратор, арт-директор Музея AZ: «В гравюрном кабинете Пушкинского музея Плавинский внимательнейшим образом изучал офорты Дюрера и Рембрандта. От официальной живописи и от нонкомформистской актуальности он готовил побег, казалось бы, в прошлое, освоив ренессансную технику офорта. Великих офортистов было три – Рембрант, Гойя и Дюрер». Важной частью выставки стала серия фотографий из семейного архива художника, предоставленная женой Марией и дочерью Елизаветой Плавинскими. Большая их часть будет демонстрироваться публике впервые. Помимо работ Дмитрия Плавинского, зрители увидят мультимедийную инсталляцию художника Серафима Инфанте, а также анимированный фильм Михаила Шепилова и Александры Анохиной. Эти проекты созданы специально для выставки. Выставку «Носороги на черепашьих бегах в Москве» дополнил детский интерактивный квест по экспозиции, подготовленный куратором программ AZДЕТИ Александрой Волковой и показ фильма «Художник Дмитрий Плавинский» режиссера и сценариста Валерия Залотухи. Фильм участвовал в фестивале АртДокФест в 2011 году и был номинирован на премию «Лавр». Приходите в @az_museum ! Музей AZ, 2-ая Тверская-Ямская, 20-22, Москва.

🖼Фриц Цубер-Бюлер (1822—1896) — швейцарский художник. Родился в 1822 году в Ле Локль (Le Locle), Швейцария. В возрасте шестнадцати лет переехал в Париж, где обучался в Школе изящных искусств. В 1850 — первая выставка в Европе. В 1867 он дебютировал в США. Многие работы художника находятся в музеях Берна, Ле Локля и Невшателя (Швейцария) и в Монпелье, Франция. 🇬🇧Fritz Zuber-Bühler.

Новый Арт-пикник уже завтра!🧡 🌳Пестовский парк — одно из самых зеленых мест Балашихи! Ухоженная парковая зона здесь соседствует с лесистой местностью. В настоящее время, Пестовский парк — это одна из самых популярных зон для семейного отдыха. 🖼В рамках мероприятия гостей также ждёт аукцион с работами молодых художников, плэнер, активные игры и многое другое! 📍Россия, Московская область, городской округ Балашиха, Пестовский парк. До встречи в @park_pestovsky_zarya!

🖼Подборка работ Жана Дезире Гюстава Курбе! 🇬🇧Jean Desire Gustave Courbet.

​​Жан Дезире Гюстав Курбе (10 июня 1819, Орнан, Франция - 31 декабря 1877, Ла-Тур-де-Пельз, Швейцария) – выдающийся живописец, один из основателей и ключевая фигура французского реализма. В период Парижской коммуны занимал должность комиссара по искусству. Позднее был обвинен в сносе знаменитой Вандомской колонны и вынужден эмигрировать в Швейцарию. Осенью 1839 года в Париж прибыл молодой человек при шляпе и щегольских усах. Он был хорош собой, шумен, дерзок и честолюбив. Юноша не испытывал ни малейшего пиетета перед признанными авторитетами и был готов вызвать на дуэль целый мир. Впрочем, в отличие от героев Дюма, он предпочитал шпаге кисть. Гюстав Курбе родился в 1819 году в Орнане – деревушке на границе с Швейцарией. Его отец – Режи Курбе – был зажиточным землевладельцем: детство Гюстава прошло среди фамильных виноградников и живописных рощ восточной Франции. Он рано увлекся рисованием – уже в 12-летнем возрасте Гюстав, не проявлявший большого рвения в других науках, охотно посещал семинары по живописи, которые проводил в Орнане заезжий ученик Антуана-Жана Гро. В 18 лет, повинуясь воле отца, Гюстав Курбе отправился в Королевский колледж Безансона учиться на юриста. Однако, вместо того, чтобы штудировать право, он все больше времени уделяет занятиям в местной академии живописи, и два года спустя, отправляется покорять столицу. Гюстав Курбе неоднократно подчеркивал, что всему учился сам и никогда не принадлежал ни к какой школе. Это, разумеется, не вполне правда: прибыв в Париж, он учился в мастерской некоего Стобена. Кроме того, на первых порах Курбе много копировал – Рембрандта, Халса, Караваджо. Что касается современников, к их творчеству Курбе отнесся скептически. Он даже заявлял, что разочарован современным французским искусством и «если живопись должна быть такого свойства, то он никогда не станет художником». Впрочем, Курбе вскоре передумал – не в последнюю очередь, благодаря работам Эжена Делакруа, которыми искренне восхищался. Напускное презрение к мнению публики уживалось в нем с лютым желанием добиться признания. Достичь успеха без благословения парижского Салона было в те годы практически невозможно, и Курбе бомбил жюри заявками. Он экспериментировал с разными техниками, пробовал себя в разных жанрах, искал выигрышные сюжеты, пытался просчитать салонную конъюнктуру. В 1844-м осада увенчалась первым успехом: автопортрет «Курбе с черной собакой» попал в экспозицию и был удостоен сдержанно благожелательной критики. В 1848 году у Гюстава Курбе появился неожиданный союзник – буржуазно-демократическая революция. Несмотря на то, что счета Гюстава долгое время исправно оплачивал отец-феодал, сам он придерживался вполне революционных взглядов. Курбе унаследовал их от деда по материнской линии – убежденного республиканца. Кроме того, в Париже он сдружился с философом анархистом Пьером-Жозефом Прудоном. Так что февральскую революцию Гюстав Курбе встретил с энтузиазмом. Главным же революционным завоеванием для него стало то, что в 48-м была упразднена квалификационная комиссия парижского Салона. Воспользовавшись ситуацией, Курбе выставил сразу 10 своих полотен. Это был год триумфа: Курбе удостоился Большой золотой медали Салона, стал настоящей знаменитостью. Увы, его дальнейшие отношения с парижским Салоном были не столь безоблачны. В 1867-м, когда в Париже открывается очередная Всемирная выставка, Курбе, как и полагается грамотному революционеру, идет своим путем. На деньги Альфреда Брюйя он строит новый персональный павильон – втрое превосходящий размерами прежний. В 1877-м Гюстав Курбе скончался от цирроза печени. Кроме своих картин он оставил потомкам что-то вроде словесного завещания: «Когда я умру, скажите: он никогда не принадлежал ни к одной художественной школе, ни к одной церкви, ни к одной академии и не был сторонником ни одного политического устройства, за исключением устройства свободы». 🖼Гюстав Курбе «Автопортрет (Отчаявшийся мужчина)», 1845, 45×55 см.

​​Всех ждём на нашем Арт-Пикнике! Уже завтра в г.о. Коломна состоится наше финальное мероприятие в рамках проекта "Арт-усадьба"!🎨 Более 10 художников (около 45 работ) представят свои работы на выставке в формате open-air на сквере Зайцева. В рамках мероприятия гостей также ждёт аукцион с работами молодых художников, плэнер, активные игры и многое другое! Главное - одевайтесь потеплее!🍂 📍Место проведения: Сквер им. Зайцева ул. Яна Грунта, 18 г. Коломна 🕚Начало мероприятия: 11.00

🖼Подборка работ Уинслоу Хомера!

​​Завершение истории о жизни и творчестве Уинслоу Хомера! Многие персонажи картин Хомера были реально существующими людьми, которых он изображал либо с натуры, либо по памяти. Ээмоциональная и выразительная картина «Отлив» (1886) была написана после увиденной художником сцены спасения из воды двух неосторожных купальщиц. Одного из своих друзей, генерала Барлоу, с которым художник познакомился во время Гражданской войны, он увековечил на знаменитом полотне «Пленные с фронта» (1866). Еще один друг Хомера, художник и страстный любитель рыбалки Элифалет Терри, стал героем картины "Вываживание рыбы" (Playing a fish, 1875-1895). Одной из главных тем, к которой в своем творчестве Хомер обращался чаще всего, можно даже сказать, одним из главных действующих лиц на его полотнах было море. Скалистые берега, рыбацкие лодки, захватывающие дух закаты, вечная двойственность моря, одновременно являющегося и кормильцем, и врагом, необузданность стихии и ничтожность человека перед ее лицом – все это есть в картинах Хомера. Своих натурщиков, которых художник изображал в морских сюжетах, он иногда в самом деле погружал в воду, чтобы достовернее изобразить облепившую тело мокрую одежду. Морская тематика становится преобладающей в работах Хомера в последние годы его жизни. Он часто путешествует, но неизменно возвращается в свою студию в Праутс Нек (штат Мэн), где работает в полном уединении. В этот период художник постоянно дорабатывает старые картины, а темами его новых произведений, особенно после смерти отца художника в 1898 году, становятся драматические сюжеты, исполненные одиночества, отчаяния, тоски и напоминания о неотвратимом приближении гибели. Это и предельно тревожная работа «Туман надвигается» (1885), и эмоциональная картина «Линия жизни» (1884), запечатлевшая спасение женщины после кораблекрушения, и знаменитое полотно «Гольфстрим» (1889), на котором лодка дрейфует в окружении акул. Еще в 1880-е годы, в период некоторого творческого спада, в характере Хомера начинает проявляться нелюдимость, он сознательно избегает общества людей. В конце концов, художник внезапно уезжает в Англию, где вдохновенно изображает сцены жизни рыбацкого поселения, восхищаясь стойкостью рыболовов и отвагой их женщин. Именно в этот период начинается взлет художественной карьеры Хомера, но его потребность в уединении тоже растет с каждым годом. В одной из последних работ, «Лисьей охоте» (1893), он даже отказывается от изображения людей на полотне. Художник умер в 1910 году в своей студии в Праутс Нек. Хотя уже в 1890-е годы Хомер получил широкое признание и его работы продавались за огромные деньги, новость о его кончине осталась практически незамеченной, а настоящее признание его художественных достижений пришло только после смерти. В начале XXI века Музей искусства Портленда выкупил дом-студию Хомера в Праутс Нек и отреставрировал его. Дом был открыт для публики в 2012 году. 🇬🇧Winslow Homer.

​​В галерее ГУМ-Red-Line откроется персональная выставка Андрея Люблинского «Кто они?» 9.09 – 1.11.2022 8 сентября в галерее ГУМ-Red-Line состоится открытие нового проекта Андрея Люблинского — художника, прославившегося благодаря модульным объектам Red People в начале 2000-х. В экспозицию вошли как монументальные, крупномасштабные, так и камерные произведения: тиражная графика, видео, скульптура и живопись. На выставке в галерее ГУМ-Red-Line будет представлена новая серия работ «Кто они?» – расширенная вселенная персонажей, впервые появившихся на Фестивале паблик-арта «ЧО» в Екатеринбурге в 2020 году как проект «Художественно-пространственное ориентирование». Бывшие когда-то барельефами на фасадах в столице Урала, в Москве пестрые персонажи появляются в виде восьми самостоятельных металлических объектов выше человеческого роста. Эти скульптуры в равной степени являют собой личную мифологию выросшего в СССР художника и художественное осмысление социально-исторического контекста. Название проекта – скорее риторический вопрос, который не требует ответа, но приглашает зрителя к сотворчеству. Также на выставке будут представлены тиражная графика, видео, живопись. Куратором проекта выступила искусствовед Анастасия Митюшина. Вдохновляясь разнообразными примерами геометрической абстракции ХХ–ХХI веков, практикой оп-арта и дерзкой работой с цветом в интерьере от группы «Мемфис», Люблинский «очеловечивает» беспредметность. Все цветовые и композиционные дилеммы геометрической абстракции разрешаются у художника в человекоподобных контурах. Его персонажи могут быть и далеки от человеческого облика (арбуз или елка), но их телесное устройство унифицировано – все они обладают крепкими ногами и воплощают устойчивость. Таким образом, художник приручает мир цвета и линий, позволяя зрителю встать на одну позицию с его героями и тем самым освобождая его от частой робости перед отсутствием повествования в произведении. Люблинский создает произведения группами, его увлекает магическая плодовитость воображаемого мира, изобильность и насыщенность, обнаруживаемая в множественности инвариантов. Эта мерная повторяемость работы по исходному шаблону приносит художнику терапевтическое освобождение от дум о повседневности. В этой же логике стоит рассматривать вовлечение зрителя в творческое взаимодействие, к которому художник щедро приглашает каждого пришедшего. Возможно, погружая посетителя в процесс подбора цветового решения для «неизвестного» или в дурачество с анимированным ярким персонажем онлайн, художник надеется, что его акт творчества найдет соратников. Выставка продлится до 1 ноября. О художнике: Андрей Люблинский – петербургский дизайнер, художник и куратор. Его работы демонстрировались на многочисленных персональных и групповых выставках в России, Европе и США. Произведения Люблинского находятся в российских и зарубежных музейных и частных собраниях, в том числе Государственного Русского музея, Музея современного искусства РЕRММ, музея современного искусства «Эрарта». Он является участником группы «Колдовские художники», работающей в стиле «мультреализм». О галерее: Пространство галереи ГУМ-Red-Line занимает 280 квадратных метров парадной стороны здания, выходящего на Красную площадь. Помимо блестящей архитектуры Александра Померанцева, эти залы имеют еще и важное историческое прошлое: именно здесь в 1893 году открылась галерея Генриха Афанасьевича Брокара – знаменитого московского парфюмера и собирателя. Поддерживая традиции прошлого, галерея ГУМ-Red-Line стала отправной точкой формирования нового культурного пространства, в котором посетители ГУМа смогут познакомиться с современным искусством. Часы работы галереи: ежедневно с 10 до 22 часов на 3-м этаже 1-й линии ГУМа.

🖼Подборка работ Уинслоу Хомера!

​​Продолжение истории о жизни и творчестве Уинслоу Хомера! В конце XVIII – начале XIX века, во время становления американского изобразительного искусства и появления собственной художественной школы, основную массу художников в США составляли талантливые самоучки и любители, в основном писавшие пейзажи и портреты в реалистическом стиле. К ним, безусловно, можно отнести и Хомера, который получил первые уроки живописи от собственной матери Хенриетты Бенсон Хомер (она была художницей-любительницей, писавшей акварели, и во многом благодаря ей Уинслоу Хомер еще в школьные годы начинает рисовать). Профессиональные живописцы Америки того времени отдавали предпочтение патриотическим полотнам и портретам политических деятелей. Хомер начал свою карьеру в искусстве, став подмастерьем в литографической компании Джона Баффорда в Бостоне. В конце 50-х он начинает работать на Harper’s Weekly, и это сотрудничество продолжается после переезда художника в Нью-Йорк. На первых порах работа Хомера заключалась в том, чтобы копировать фотографии. Дело в том, что в то время для переноса фотоснимка на газетные или журнальные страницы требовалось сначала превратить его в гравюру. Для этого фотография печаталась на пластине, литограф делал по ней рисунок, который затем переносился в зеркальном отображении на большой деревянный блок. И уже с помощью этого огромного «штампа» гравюры печатались в газете. Работа Хомера оставляла мало простора для фантазии и творческой реализации, поскольку главной задачей было как можно более точно перенести детали с фотографии на рисунок. Чаще всего эти гравюры публиковались даже без упоминания имени Хомера. Со временем Harper’s начинает расширять обязанности художника, его отправляют на разные мероприятия, где он делает зарисовки с натуры. К примеру, издание публикует несколько рисунков, сделанных Хомером на инаугурации Авраама Линкольна. Но даже при том, что это были уже собственные работы Хомера, они, тем не менее, далеко не всегда подписывались его именем в журнале. Часто его представляли просто как «специального художника» (по аналогии со специальным корреспондентом). Это же обозначение использовалось и для других художников, сотрудничавших с журналом, поэтому сейчас довольно сложно определить, какие именно иллюстрации принадлежат Хомеру, особенно спорны вещи, относящиеся к его ранним годам в журнале. Некоторые из работ Хомера можно узнать по его автографу в углу, другие все же были подписаны его именем, а кое-какие приписываются ему из-за узнаваемого стиля рисунков. Хомер продолжает работать иллюстратором вплоть до 1875 года, хотя на тот момент он уже успел стать известным в США художником, картины которого хорошо продавались. Он так и не получил профессионального художественного образования, но в конце 50-х – начале 60-х посещал занятия в Национальной академии дизайна (где в 1860 году была выставлена его популярная на тот момент акварель «Катание на коньках в центральном парке») и брал уроки живописи у Фредерика Рондела и Томаса Сейра Каммингса. Хомер даже мечтал отправиться в Европу, чтобы продолжить обучение, но осуществлению этих планов помешала Гражданская война. Несмотря на известность, Хомер не спешит лишать себя источника постоянного дохода. Финансовые вопросы особенно беспокоили художника, поскольку его отец, истративший все заработанные в годы «золотой лихорадки» деньги, в последние годы жил за счет Хомера и двоих его братьев. Продолжение истории о жизни и творчестве Уинслоу Хомера в следующей публикации! 🇬🇧Winslow Homer.

​​26 августа в Музее Вадима Сидура открылась выставка Владимира Чернышёва «Предпоследний человек на Земле». Проект проходит при поддержке Artwin Gallery. «Предпоследний человек на Земле» — проект, подобный наброску, художественной заметке в дневнике безымянного путешественника, который обнаруживает себя в постапокалиптическом мире. В этом сценарии человек сам постепенно погружается вглубь, оказываясь на грани исчезновения. Неслучайно самым современным из материалов, которые использует Чернышёв, становится гудрон — своеобразный осколок, эхо промышленной цивилизации, а сажа, используемая в графике, отсылает к огню, одному из первых источников протохудожественных материалов. Созданные художником специально для пространства музея графические произведения и сайт-специфик инсталляция также находят точки пересечения и с наследием Вадима Сидура. В поле его художественной рефлексии с 1970-х годов возникают размышления об антиутопическом сценарии будущего как отражении мрачного исторического фона эпохи. Выставка продлится до 23 октября. Подробнее на сайте

🖼Подборка работ Уинслоу Хомера!

​​Уинслоу Хомер (24 февраля 1836, Бостон, США – 29 сентября 1910, Проутс Нек, США) – американский художник, получивший настоящее признание только после смерти. Хомер не имел специального образования, но брал частные уроки живописи и учился в Национальной академии дизайна. Начал художественную карьеру с работы в литографической компании, затем долгие годы сотрудничал с журналом Harper's Weekly в качестве иллюстратора. В конце жизни, уже будучи известным художником, Хомер удаляется от людей и полностью посвящает себя работе. Особенности творчества художника Уинслоу Хомера: основную массу его работ составляют реалистические пейзажи и жанровые сцены, при этом особую любовь художник питал к изображениям моря. Некоторое время он живет в английском рыбацком поселении, а последние годы жизни проводит в своей студии на берегу моря. «Если полвека назад вы являлись представителем американского среднего класса, в вашем доме обязательно была пара репродукций Ван Гога и пара репродукций Уинслоу Хомера», - эти слова Питера Вуда, заслуженного профессора истории Университета Дьюка, служат великолепной иллюстрацией для отображения отношения американцев к Хомеру, которого в свое время ставили на одну ступень с великим голландцем и до сих пор продолжают считать в определенном смысле национальным достоянием. Хомер был одним из любимых художников Эрнеста Хемингуэя. В предисловии к роману «Прощай, оружие» он говорит, что, если бы ему вздумалось написать роман, действие которого происходит на Багамских островах, ему бы хотелось, чтобы иллюстрации к такой книге сделал Уинслоу Хомер (Winslow Homer). Продолжение истории о жизни и творчестве Уинслоу Хомера в следующей публикации! 🇬🇧Winslow Homer.

​​22 августа в 19:00 в МАММ впервые в России состоится авторская экскурсия одного из самых известных итальянских фотографов, обладателя премии World Press Photo Габриэле Галимберти по его выставкам «Домашняя аптека» и «Мой личный динозавр» (куратор Ольга Даниэле). Художник расскажет о своем творчестве и о выставках, над которыми он работал в течение многих лет, объехав десятки стран: Францию, Италию, США, Индию, Колумбию, Коста-Рику, Японию и др.

​​20 августа в 15:00 в Кинолектории (Комплекс Ботанических оранжерей) состоится artist-talk с одним из самых значимых представителей Московского концептуализма, художником Паруйром Давтяном.   Одной из главных стратегий автора стала апроприация и переосмысление истории искусства. Слияние противоположных направлений, деконструкция живописных методов, изображение воображаемого и воображение изображаемого – эти принципы лежат в основе «рукотворного художественного пространства», который Давтян возделывает на всем протяжении своей творческой жизни. Но не в одиночку.   С 1998 года Паруйр совместно с Юрием Альбертом, Виктором Скерсисом и Андреем Филипповым последовательно исследует методологию современного искусства. В рамках творческого объединения «Купидон» (1998/2008г.) художники работали с формой инсталляции. Тот же состав, но уже группа «Эдельвейс» (2011г.), создавал сложные перформансы и хепенинги. И только в 2014 году авторы объединились в Артель «Царь горы» для переосмысления и исследования живописи.   Почему индивидуальное творчество Давтяна оказалось так тесно связано с коллективной деятельностью? Каковы результаты их большого художественного исследования? И что же такое искусство сегодня? Это и многое другое обсудим в рамках предстоящего мероприятия.   Для участия в мероприятии необходима регистрация:   P.S. Кроме того, вживую познакомиться с произведениями Паруйра Давтяна можно сразу же после встречи. На выставке «Сады. Метаморфозы» в Большой оранжерее представлены две работы из серии художника «Откровения чудесного пруда».