ESTE Gallery

BoscoVesna представляет новую арт-коллаборацию с художником Аристархом Чернышевым «ТЕХНООРГАНИКА»! В торговом центре BoscoVesna на Новом Арбате открылась персональная выставка одного из пионеров медиа-арта в России Аристарха Чернышева «Техноорганика». Коллаборация посвящена размышлениям о синтезе технологических инноваций и природных элементов. Масштабный проект в общественном пространстве задействует фасад здания BoscoVesna, пространство атриума и несколько зон на этажах торгового центра. Арт-коллаборация с Аристархом Чернышевым «Техноорганика» открылась одновременно со стартом продаж новых коллекций брендов, представленных в BoscoVesna — MM6, MaxMara, Etro, Dorothee Schumacher, Philosophy di Lorenzo Serafini, Alberta Ferretti, N21, Eleventy и многие другие. Аристарх Чернышев известен экспериментами с различными технологиями, включая искусственный интеллект, 3D-печать и DIY-электронику. В своих проектах он часто использует методы спекулятивного дизайна и биомимикрии, высказываясь о будущем и исследуя новую эстетику, которая появляется благодаря новым технологиям и цифровым инструментам. Выставка включает в себя несколько проектов медиахудожника, объединенными основными темами: проблема перепотребления, взаимодействия человечества с природным миром, эксперименты с технологиями, заимствованными у природы и т.д. Первый раз серия «Техноорганика» демонстрируется в таком масштабе, большинство из работ будут показаны впервые — они были созданы художником специально для коллаборации с BoscoVesna.

Программа арт-бранчей Третьяковской галереи и ресторана Cruise II продолжается. Уже 13 августа состоится вторая встреча, которая будет посвящена творчеству художников начала XX века. Какие художники стали первопроходцами русского авангарда? Что общего между «Черным квадратом» Казимира Малевича и «Над городом» Марка Шагала? Ждем всех желающих найти ответы на эти вопросы и всех любителей открывать для себя что-то новое завтра, 13 августа, на арт-бранче на тему «Искусство художников русского авангарда»! 💙БИЛЕТЫ💙

🖼«Скалистый берег в лунном свете», 1830 год. Художник Иоганн Непомук Шёдльбергер ( Австрия). Будучи в значительной степени самоучкой, с 1797 года преподавал рисунок в венских школах. В 1815 году избран в Венскую Академию изящных искусств, с 1816 года преподавал там же (среди его учеников, в частности, Фердинанд Георг Вальдмюллер). На собственный стиль Шёдльбергера заметно повлияли работа по копированию полотен Клода Лоррена и Якоба ван Рейсдаля, а также итальянское путешествие 1817—18 годов, под воздействием которого он окончательно сформировался как пейзажист, склонный к изображению сильно идеализированных ландшафтов. Пейзажи пользовались большим успехом, в том числе у его августейших покровителей Франца II и Людвига Баварского. 🇬🇧“Rocky Coast in the Moonlight”, 1830. Painted by Johann Nepomuk Schödlberger.

Благотворительный вечер «Домашнее музицирование» в Переделкине. 10 августа в Доме творчества «Переделкино» пройдет вечер чтений в пользу Детского хосписа «Дом с маяком». Актеры, друзья «Дома с маяком», прочтут отрывки из произведений писателей, поэтов и переводчиков, резидентов Переделкина разных лет. Режиссер вечера — Сергей Щедрин, ученик Дмитрия Брусникина, мастер курса и педагог Школы-студии МХАТ. Чтения - большая переделкинская традиция, и 10 августа это будет не только интересный, но и действительно полезный вечер. Все средства, вырученные с продажи билетов, будут направлены в пользу Хосписа «Дом с маяком», который помогает тяжелобольным детям и молодым взрослым. 🤍ПРИОБРЕСТИ БИЛЕТЫ🤍

С 1 по 4 августа в Лондоне проходит международная поп-ап выставка с участием более 20 художников Happily Ever After. Rethinking a Fairytale. Экспозиция посвящена теме переосмысления сказок и отражает, насколько универсальны и вместе с тем уникальны наши гуманистические принципы вне зависимости от поколений и культурной принадлежности. В культурном пространстве St. Margaret’s House представят скульптуры из мрамора известной азербайджанской художницы Айдан Салаховой, работы с мифическими сюжетами Линдси Джин Маклин (Шотландия), чувственную живопись от Екатерины Белухиной (Израиль) и много другое. Все работы можно приобрести. При желании вы сможете найти экспонаты за 800-1000£, но в целом стоимость работ доходит до 30 000£. Место: The Chapel, St. Margaret’s House, 21 Old Ford Road, London, E29PL Ознакомиться с участниками и ценами на работы можно тут.

С 1 по 4 августа в Лондоне проходит международная поп-ап выставка с участием более 20 художников Happily Ever After. Rethinking a Fairytale. Экспозиция посвящена теме переосмысления сказок и отражает, насколько универсальны и вместе с тем уникальны наши гуманистические принципы вне зависимости от поколений и культурной принадлежности. В культурном пространстве St. Margaret’s House представят скульптуры из мрамора известной азербайджанской художницы Айдан Салаховой, работы с мифическими сюжетами Линдси Джин Маклин (Шотландия), чувственную живопись от Екатерины Белухиной (Израиль) и много другое. Все работы можно приобрести. При желании вы сможете найти экспонаты за 800-1000£, но в целом стоимость работ доходит до 30 000£. Место: The Chapel, St. Margaret’s House, 21 Old Ford Road, London, E29PL Ознакомиться с участниками и ценами на работы можно тут.

🖼️Анри Фантен-Латур (14 января 1836 — 25 августа 1904) — французский живописец и литограф. Подборка работ, часть 2! Нельзя не залюбоваться натюрмортами французского художника Анри Фантен-Латура! Он написал около 800 «цветочных» работ, которые стали визитной карточкой художника, несмотря на то что у него есть и портреты современников, и картины на мифологические сюжеты. Будучи учеником реалиста Густава Курбе, другом импрессиониста Эдуарда Мане и романтика Эжена Делакруа, Фантен-Латур выработал свой стиль, вобравший черты этих мастеров и направлений. Пожалуй, лучшие черты – хотя ни к какому течению художник себя официально не причислял, оставаясь немного в стороне, как бы сам по себе. Фантен-Латур имел большой успех и не скрывал, что писал натюрморты на продажу. Но его картины – не просто форма заработка и случайное совпадение на одном холсте отдельных красивых цветов. Если приглядеться, замечаешь – композиция и свет продуманы очень тщательно, даже сосуд (ваза, стакан или что-то еще) здесь не просто так. Все детали дополняют друг друга. Роскошные белые маки и скромная герань выглядят настоящими, а мандарин с картины хочется взять и положить в карман. Пожалуй, в большей степени здесь все-таки воплотилась реалистическая традиция. Не зря Фантен-Латура ценил писатель-реалист и натуралист Эмиль Золя, который утверждал, что прелесть этих картин раскрывается только внимательному зрителю. К слову, мать художника была русской, а одна из сестер вышла замуж за русского генерала и навсегда уехала в Россию. Но это уже темы для других статей. 🇬🇧 Henri Fantin-Latour (French,1836–1904).

Выставка Inessa “Butterfly & Soul” Галерея HIDDEN PLACE @hiddenplace.ru Большой Афанасьевский пер., 34 Выставка “Butterfly and Soul”, на которой представлены работы из первой серии “Butterfly”, воплощает в себе тонкую связь между двумя символами. Бабочка часто ассоциируется с трансформацией, легкостью и красотой, в то время как душа - глубокий внутренний мир человека, его эмоции и чувства. Художница через свои работы стремилась показать, как эти два символа переплетаются и отражают друг друга, создавая уникальное восприятие мира и самого себя. Каждая картина призвана подчеркнуть красоту и уязвимость человеческой души, её способность к преображению и самовыражению, как бабочка, раскрывая свои крылья. Инесса Качурина родилась в 1969 году в городе Шымкент, Казахстан. Первое художественное образование Инесса получила в местной школе, далее последовало художественное училище им. А. Кастеева. В 1996 переехала в Москву, где продолжила свое творчество. Она посвятила всю свою жизнь искусству, находя в нем источник постоянного вдохновения. Инесса не называла свои картины, оставляя возможность каждому зрителю интерпретировать их по-своему. Ее работы наполнены яркими красками и оттенками, отражая ее страсть к живописи и постоянное стремление к развитию. В 2017 году состоялись две персональные выставки в Сочи, где художница проживала последние годы, пока ее творчество не было внезапно прервано трагической судьбой.

🖼️Станислав Юлианович Жуковский (13 мая 1873, с. Ендриховцы, Гродненская губерния, Российская империя – август 1944, Прушков, Польша) – российский художник белорусско-польского происхождения, один из самых выдающихся пейзажистов конца XIX – первой трети ХХ века! Жуковский был сыном польского аристократа, лишенного дворянских прав и выступавшего категорически против того, чтобы его сын получал художественное образование. Однако Станислава поддерживала мать, которая прививала детям любовь к музыке, языкам и рисованию. В 17 лет Жуковский все же поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где стал учеником и верным последователем Исаака Левитана. К началу ХХ века Жуковский стал одним из самых известных пейзажистов в России. Он участвовал в выставках передвижников и «Мира искусства», был членом Союза русских художников. Но полоса профессионального успеха оборвалась с приходом революции, которую Жуковский воспринял без особого энтузиазма. Вскоре стало понятно, что в новой стране его творчество перестало быть востребованным, и художник решил уехать в Польшу. Там он открыл частную художественную школу и продолжал плодотворно работать. Но в 30-х годах по Жуковскому ударил экономический кризис, его картины перестали продаваться. Первая жена и друзья художника убеждали его вернуться в Советский Союз, но он предпочел остаться в Варшаве, где его и застало начало Второй Мировой войны и немецкая оккупация. В 1944 году 71-летний Станислав Жуковский был арестован во время подавления Варшавского восстания и погиб в концлагере. Точная дата смерти художника неизвестна, он был похоронен в общей могиле вместе с другими жертвами фашистов. Жуковский не дожил до освобождения Польши всего несколько месяцев. Множество его картин были уничтожены или утеряны. 🇬🇧 Stanislav Zhukovsky (1873-1944).

17 июля в Stella Art Foundation в Москва-Сити прошло открытие выставки «Их неудержимо клонило в сон», посвященная современному искусству Самары. Это совместный проект фонда, галереи «Виктория» (Самара) и фонда поддержки современного искусства «СФЕРА». Кураторы Сергей Баландин и Алексей Корси объединили в одной экспозиции художников нулевых годов и современных самарских авторов. Выставка исследует изменения обстановки, смешивая реальное и сновиденческое. Переезд из Самары в Москву становится метафорой длительного процесса изменений. Экспозиция передает атмосферу путешествий, где встреча с новой реальностью обостряет восприятие, но одновременно убаюкивает. Кураторы: Сергей Баландин Алексей Корси Художники: Яна Арбузова А.Вейс Кирилл Гуров Виолетта Гришина Дарья Емельянова Алексей Журавлев Дмитрий Кадынцев Владимир Логутов Аут-группа «Муха» Дима Птицын Олег Симбат Андрей Сяйлев Александр Филимонов На выставке представлены живопись, фотографии, скульптуры, инсталляции и перформансы с 2010-х годов. 18 июля - 29 сентября 2024 Ср-Вс 12:00-21:00 Stella Art Foundation Mercury Tower, Москва-Сити 1-й Красногвардейский пр-д, д. 15 Вход свободный

В Парке Малевича открылся новый маршрут «Малевич в лесу»! Новый маршрут – совместный проект Парка Малевича, Третьяковской Галереи, Министерства культуры и туризма Московской области и Московской областной дирекции по развитию парков.  Маршрут начинается с новой входной зоны со стороны поселка Ромашково. В экспозицию включены девять новых арт-объектов. Их авторы  – современные российские художники Алла Урбан, Александр Константинов и творческий дуэт МишМаш. Все арт-объекты объединены кураторским маршрутом, в котором авторы пытаются переосмыслить традиции пейзажных парков эпохи романтизма. Арт-объекты группы «МишМаш» под названием «Субтитры» напоминают о ремарках в немом кино или пьесе: «Нарастающий гул толпы», «Слышится пение птиц», «Звучит тревожная музыка». Их же «Центральный Лесной Оракул», напоминающий космический корабль в стилистике 1960-х, предлагает гуляющим задать волнующие их вопросы. Для того, чтобы получить ответы на них, придется крутить ручку привода. «Хоровод» Аллы Урбан напоминает сразу и о радиорупорах, и о конусообразных юбках девушек из крестьянского цикла Малевича. «Акведук» Александра Константинова похож на портал в другое измерение: его замечаешь, только подойдя совсем близко.

🖼️Анри Фантен-Латур (14 января 1836 — 25 августа 1904) — французский живописец и литограф. Нельзя не залюбоваться натюрмортами французского художника Анри Фантен-Латура! Он написал около 800 «цветочных» работ, которые стали визитной карточкой художника, несмотря на то что у него есть и портреты современников, и картины на мифологические сюжеты. Будучи учеником реалиста Густава Курбе, другом импрессиониста Эдуарда Мане и романтика Эжена Делакруа, Фантен-Латур выработал свой стиль, вобравший черты этих мастеров и направлений. Пожалуй, лучшие черты – хотя ни к какому течению художник себя официально не причислял, оставаясь немного в стороне, как бы сам по себе. Фантен-Латур имел большой успех и не скрывал, что писал натюрморты на продажу. Но его картины – не просто форма заработка и случайное совпадение на одном холсте отдельных красивых цветов. Если приглядеться, замечаешь – композиция и свет продуманы очень тщательно, даже сосуд (ваза, стакан или что-то еще) здесь не просто так. Все детали дополняют друг друга. Роскошные белые маки и скромная герань выглядят настоящими, а мандарин с картины хочется взять и положить в карман. Пожалуй, в большей степени здесь все-таки воплотилась реалистическая традиция. Не зря Фантен-Латура ценил писатель-реалист и натуралист Эмиль Золя, который утверждал, что прелесть этих картин раскрывается только внимательному зрителю. К слову, мать художника была русской, а одна из сестер вышла замуж за русского генерала и навсегда уехала в Россию. Но это уже темы для других статей. 🇬🇧 Henri Fantin-Latour (French,1836–1904).

Выставка «INSIDE», Лана Стальная Design Gallery «VOLOKNO» Плющиха, 53/25, стр.1 Режим работы галереи: Пн-сб, с 10 до 19 Выставка продлится до 26 июля Новая персональная выставка Ланы Стальной открылась в VOLOKNO Design Gallery. Экспозиция включила в себя работы двух полярно-разных серий художника, объединенные одной мыслью – поиском опор, внутренних и внешних. Живые, эмоциональные «на разрыв» работы серии «Смотри в меня» находят свое продолжение в спокойных и задумчивых, аллегоричных работах серии «Споручники». Пройдя по экспозиции в сопровождении аудиогида, записанного голосом самой Ланы Стальной, зритель не только погружается в мир художника с его поиском, сомнениями и противоречиями, соглашается или ведет внутренний спор, но обязательно находит свои собственные ответы. 12 работ, как полюбившиеся «хиты» автора, так и совершенно новые произведения представлены в эстетичном, воздушном пространстве VOLOKNO Design Gallery на улице Плющиха, наполненном невероятно стильными образцами интерьерного и предметного дизайна. Это сочетание создает особую атмосферу тихой роскоши и светлой летней задумчивости. Куратор: Юлия Юрченко Выставка организована при поддержке Double Y Art Bureau

🖼️Анри Бива (23 января 1848 – 2 февраля 1929) – французский художник-реалист, мастер летнего пейзажа! Родился 23 января 1848 года в Париже, в Монмартре. Он вырос в художественной среде, как в своей семье так и в районе, в котором он жил. Его младший брат Пол Бива (1851-1900) также стал художником, равно как и сыновья Анри Бива и Люсьен Бива (1878-1965). Анри Бива учился в парижской Школе изящных искусств, в которую приезжали учиться молодые художники со всех концов света. В то время преподавали Леон Танци (известный художник-реалист) и Александер Назаль, который был одним из основоположников превращения импрессионизма в постимпрессионизм. Именно в тот период, когда Анри учился в Школе, формировались новые направления в живописи и молодой художник был увлечен этим поиском, и, впоследствии, стал одним из художников новой волны. В 1870 году Анри Бива выставил свои первые работы в парижском салоне, которые нашли своего почитателя и дали возможность заявить о себе. Нельзя говорить о большом успехе, но некоторый спрос был, что позволяло художнику зарабатывать себе на жизнь живописью. В 1879 году автор выставляет две свои работы в салоне на выставке в Елисейском дворце. И о его работах пишет известный «доктор философии» Джанет Уитмор. Пишет очень хорошо. И эта статья становится просто трамплином в жизни Анри Бива. С 1886 года он получает медали на выставках. В 1890 году становится Кавалером ордена Почетного легиона. Его успех только растет и ширится. И так происходит до начала Первой Мировой войны. Ему прочили «закат», но после окончания войны спрос на работы художника резко увеличивается. И это понятно – пейзажи Анри Бива показывают старую добрую довоенную Францию, мирные спокойные пейзажи. О такой стране люди уже успели забыть. Художник продолжает работать, снова, с большим успехом, участвует в выставках, получает награды. И так продолжается до смой смерти Анри Бива в феврале 1929 года. 🇬🇧Henri Biva (French, 1848-1929).

Выставка Александра Богуславского "Отражение реальности: Искусство памяти" Галерея HIDDEN PLACE. Большой Афанасьевский пер., 34 Выставка "Отражения Реальности" представляет собой слияние традиционной фотографии, уникальной техники художника и цвета. Используя технику wet plate collodion, каждый портрет становится не просто изображением, а историей, рассказанной через случайные химические реакции, которые добавляют неожиданные элементы и текстуры, создавая эффект дополненной реальности. Эти "ошибки" в процессе не являются недостатками, а скорее символизируют непредсказуемость человеческой жизни и воспоминаний, которые мы сохраняем. Каждый подтек, каждое пятно на этих портретах - это отпечаток времени, который мы не можем контролировать, напоминая нам о красоте непостоянства и случайности нашего существования. Эта выставка задает вопросы о границах между реальным и иллюзией, природным и созданным, случайным и спонтанным. Она приглашает зрителей задуматься о том, как технологии изменяют наше восприятие мира и самих себя. Посетители выставки смогут не только увидеть работы, но и узнать больше о процессе wet plate collodion, а также о том, как "ошибки" в искусстве и технологиях могут привести к неожиданным и захватывающим результатам. «Чем случайней, тем вернее» - так писал юный Борис Пастернак о том, как рождаются стихи. Позже ему вторил зрелый Андрей Вознесенский - «Стихи не пишутся - случаются, как чувства или же закат..». Мне кажется, что у амбротипов много общего с поэзией. Они тоже - случаются, а не делаются. Поэтому каждый из них неповторим». Александо Богуславский.

🖼️Норвежский художник Эйлиф Петерссен (1852- 1928)! Ялмар Эйлиф Эммануэл Петерссен (род. 4 сентября 1852 г. Осло — ум. 29 декабря 1928 г. Лизакер) — норвежский художник. В период с 1869 по 1870 год Эйлиф Петерссен изучал живопись в художественной школе, открытой в Осло (тогда Христиания) живописцем Юханом Ф. Эккерсбергом. В 1871 году он поступил в Королевскую художественную академию в Осло, некоторое время учился у художника Кнуда Бергслина. Петерссен продолжал своё обучение в Германии — в Карлсруэ в 1871–1873 годах и в Мюнхене (1873–1875) под руководством Вильгельма Дица. В этот же период он посещал Лондон, Париж и Италию. Многие его полотна посвящены пребыванию на фарерском острове Сандё. Эйлиф Петерссен был также одним из крупнейших знатоков европейского искусства и истории искусства. В свои поздние творческие годы имел учеников, среди которых следует назвать таких художников, как Август Эйебакке, Китти Килланд и Харальд-Оскар Зольберг. 🇬🇧Eilif Peterssen, Norwegian (1852-1928).

🖼️Мишель Беннет Оутс (1928–2009). Несмотря на то, что Оутс мог писать прекрасные пейзажи и анималистические картины, прославила художника именно цветочная живопись. Его творчество было признано лучшим в мире среди работ существующих и когда-либо существовавших мастеров этого жанра. Мишель был сыном работника одного из Лондонских банков. Во время обучения в Уимблдонском колледже искусств Мишель за свои успехи был отмечен стипендией и в последующем успешно вошёл в мир живописи. В своих картинах мастер необычайно умело сочетал нежные английские оттенки и более сильные тона, что делало их уникальными! Картины Оутса — это потрясающие натюрморты, в которых прослеживается большое влияние голландской школы классического натюрморта: темный фон, роскошные тяжёлые (крупные) букеты, некоторый символизм в изображении. Оутс всегда старался максимально передать истинные оттенки предметов, которые он изображал. Если это были букеты цветов, художник делал каждую линию мягкими полупрозрачными мазками, доводя работу до максимального сходства с реальностью. Мишель Беннет Оутс был первым президентом образованной в 1998 году гильдии живописцев. Оутс широко выставлялся в художественных галереях и выставках по всей Великобритании и неизменно поражал своих поклонников великолепной яркостью работ. Художник скончался 17 марта 2009 года в Норфолке, где и был похоронен. Дочь художника тоже стала профессиональной художницей, длительное время в качестве помощницы работала в мастерской отца, которую унаследовала после его смерти. В наши дни с успехом работает в тематике дикой природы. Работы Оутса высоко ценятся коллекционерами и часто попадают в каталоги ведущих аукционных домов. Старейшая из работ художника, датированная началом 60-х годов была успешно реализована на аукционе Сотбис в 1992 году. 🇬🇧Michelle Bennett Oates (1928 -2009).

Elohovskiy Gallery открывает новую групповую выставку «Измерение». Участниками выставки стали художники, как приглашенные галереей, так и выбранные через open call. Осколки памяти формируют измерение между прошлым и будущим, в котором пульсируют воспоминания. Мироощущение создаётся через чувственное и эмоциональное постижение окружающего пространства. Каждый художник документирует момент в искусстве, который становится порталом в мир его персонального опыта. Предоставляя возможность зрителю погрузиться в исследование символов и неповторимых отпечатков времени, мы предлагаем осмотреть и прочувствовать, либо просто пройти мимо, оставив этот опыт в измерении Вечного. Стараясь построить портал между настоящим и далёким прошлым через зашифрованные в мифах послания наших предков, мы оказываемся в эфемерном пространстве, где воссоединяются все эпохи и стираются границы между реальностью и сказкой. Проводники выставки – застывшие артефакты, перешедшие в измерение Вечного. Ими служат объекты из архивной коллекции Музея современного искусства «Гараж», ставшие документальной поддержкой созданного измерения и свидетельством прошлого. Художники: Ольга Аксенова @aksenovaoliaa Андрей Казюлин @kazyulin.andrey Инна Макаганчук @inna_makaganchuk Александра Нестеркина @sasha_nesterkina Александра Павловская @sasha.pvlvsk Дарья Пасечник @darya.pasechnik Дарья Пустовойт @pustovoitdasha Тигран Сарапян @tigran_sarapyan Катя Тагути @taguti8888 Олеся Фрич @lesik_black Кураторы: Мария Дубодел @maria_dobrodel Андрей Яковлев @yakovlevavl Москва, Елоховский проезд, д.1, стр 2 Ср- Вс | 13:00-21:00

🖼️Подборка пейзажей Максфилда Пэрриша! Максфилд Пэрриш (25 июля 1870, Филадельфия – 30 марта 1966, Нью-Гемпшир) – знаменитый американский художник-иллюстратор, пейзажист, мастер рекламного плаката. Уникальный стиль Пэрриша – сочетание реализма и фантастических персонажей – сделал его одним из самых популярных иллюстраторов Америки начала ХХ века. Художник использовал в своих работах приемы прерафаэлитов и модерна, а сюжеты его сказочных работ неизменно очаровывали массовую публику. Пэрриш добивался необыкновенного, «фирменного» цветового эффекта за счет последовательной прорисовки отдельных слоев и покрытия каждого даммарным лаком. Он изобрёл собственную систему использования цветов, в которых превалировали синий, сиреневый, жёлтый и чёрный. Имя художника по сей день связано с особенным ярким оттенком синего цвета, который в его честь назвали «Parrish Blue». За свою карьеру Максфилд Пэрриш создал более 900 произведений, включая картины, календари, поздравительные открытки и обложки популярных журналов. Его рисунки украшали интерьеры домов в каждой четвертой американской семье! 🇬🇧Maxfield Parrish (1870-1966).

Выставка «Журнал красивой жизни» Музей русского импрессионизма 20 июня — 6 октября С 20 июня по 6 октября 2024 года Музей русского импрессионизма представляет выставку «Журнал красивой жизни» о первом отечественном глянце «Столица и усадьба», выходившем с 1913 по 1917 год и адресованном аристократической и светской публике. В состав экспозиции вошли произведения, опубликованные или описанные на страницах журнала, что позволяет посмотреть на русское искусство через призму вкусов и предпочтений элиты начала XX века. Посетители увидят живописные и графические работы Исаака Бродского, Николая Фешина, Александра Маковского, Анны Остроумовой-Лебедевой и других мастеров. К выставке приурочен спецпроект на 3 этаже музея: здесь слово предоставляется художникам XXI века, готовым порассуждать о dolce vita наших дней.  В программе журнала «Столица и усадьба» значилось: «Красивая жизнь доступна не всем, но она все-таки существует». Эта жизнь представала перед читателями калейдоскопом балов, светских праздников и загородных имений. С разворотов издания смотрели политики и спортсмены, предприниматели и аристократы, утонченные дебютантки и их статусные поклонники и даже породистые домашние любимцы. Эти сюжеты органично уживались на страницах с обзорами вернисажей и рецензиями на выставки, обложку каждого из 90 номеров украшали цветные репродукции работ признанных мастеров прошлого и современных художников. В экспозиции на -1 этаже музея представлено почти 100 произведений из 44 государственных и 14 частных собраний — проект объединил рекордное для музея количество художественных коллекций от Калининграда до Томска. Спецпроект «Журнал красивой жизни. XXI век» на 3 этаже музея приглашает поразмышлять, какие формы в современном искусстве принимает тема «красивой жизни». Посетители увидят более 20 произведений из 15 частных собраний, среди которых фонд Ruarts, галереи Anna Nova, «Триумф» и другие.