روزنوشت‌های یک بازگشته از مادیماک!

خاک هنوز بوی تابستان می‌دهد و تن هنوز بوی عشق. اما علف روی تو زرد است و باد، سرد و پر از دانه‌های خار و رؤیایی که به‌دنبال تو می‌آید با پاهای سایه‌سا رؤیای تو چشمان پاییز را دارد. #هیلده_دومین #شعر #Hilde_Domin | آلمان، ۲۰۰۶-۱۹۰۹ | #علی‌اصغر_فرداد #ادبیات_آلمان #شعر_جهان @ErebusNyx

صدسال سینمای ژاپن روز ۸ روزهای جوانی کارگردان: Yasujiro Ozu فیلمنامه: Akira Fushimi بازیگران: Ichiro Yuki, Tatsuo Saito, Junko Matsui کشور: ژاپن مدت زمان: 99 دقیقه سال: 1929 روزهای جوانی که اولین فیلم به جا مانده از اوزو و اولین فیلم بلند او به عنوان کارگردان است، داستان دو دوست دانشجو را دنبال می‌کند که (در ابتدا ناآگاهانه) به دنبال یک دختر هستند. یکی از آنها یک خوره‌ کتاب عینکی است و دیگری اهل شیطنت و گستاخ که برای به دست آوردن دختر از هر حقه‌ کثیفی استفاده می‌کند. این ماجرا زمانی به اوج خود می‌رسد که این سه نفر با هم به یک سفر برای اسکی می‌روند. روزهای جوانی تعادلی عجیب اما موفق بین کمدی طنزآمیز تحت تاثیر کمدی‌های هالیوودی مورد علاقه‌ اوزو و درام ملایم مالیخولیایی برقرار می‌کند که نشان می‌دهد او در سال‌های بعدی زندگی‌اش چه مسیری را در پیش گرفته است. باید گفت که این فیلم یکی از شاهکارهای او نیست. هنر و ظرافتی که کارگردان به آن مشهور است، در سال‌های اولیه‌ کارش است، اما با این وجود نشانه‌هایی از نبوغ آینده در فیلم وجود دارد. اگرچه به اندازه‌ کمدی‌های صامت لوید، کیتون یا چاپلین خنده‌دار نیست (بازیگران اوزو کاریزما یا مهارت کمدی این اسطوره‌ها را ندارند)، اما فیلم عنصری انسانی و طبیعت‌گرایانه دارد که اکثر سینمای آن زمان فاقد آن بود. از نظر بصری نیز چند نکته‌ خوب وجود دارد، با استفاده‌ اولیه از نماهای واید استاتیک با زاویه‌ پایین معروف او و نشانه‌هایی از قاب‌بندی دقیق او، اگرچه مقدار قابل توجهی از تکنیک‌های مرسوم هالیوود نیز در آن به چشم می‌خورد. بنابراین، این نگاهی اجمالی جالب به چگونگی شروع کار این استاد بزرگ است، اما به خودی خود چیزی بیش از یک سرگرمی ساده اما جذاب نیست. #۱۰۰۱_فیلم_برای‌_دیدن #یکصد_سال_سینمای‌_ژاپن #یاسوجیرو_ازو #روزهای‌_جوانی #Yasujiro_Ozu #سینمای‌_ژاپن #معرفی‌_فیلم #Gakusei_romansu_Wakaki_hi_1929 #Days_of_Youth_1929 @ErebusNyx

(@ErebusNyx) Lucky Ducky 1948 480p DVDRip.mkv @ErebusNyx

فیلم کوتاه انیمیشن Lucky Ducky محصول ۱۹۴۸ یکی از نمونه‌های شاخص کارتونیِ پرهیاهوی تکس اوری در دوران فعالیتش در استودیوی MGM است. داستان دربارهٔ شکارچی‌ای به نام جورج و سگ وفادارش جونیور است که یک اردک کوچک باهوش را دنبال می‌کنند؛ اردکی که در هر مرحله آن‌ها را دست می‌اندازد و از آن‌ها جلو می‌زند. روایت ساده است، اما اوری با ریتم تند، شوخی‌های غیرمنتظره و گگ‌های بصری‌ای که حتی جلوتر از زمان خود به نظر می‌رسند، آن را به هرج‌ومرجی تمام‌عیار تبدیل می‌کند. این انیمیشن کوتاه به‌خاطر انرژی دیوانه‌وار، اغراق‌های بصری و طنز خاص اوری در شکستن دیوار چهارم مشهور است. اردک مدام قوانین جهان را زیر پا می‌گذارد، از میان تابلوها رد می‌شود، به شکل‌های ناممکن شناور می‌ماند و شکارچیان را دست می‌اندازد. جورج و جونیور در دیگر آثار اوری نیز ظاهر شدند، اما Lucky Ducky یکی از به‌یادماندنی‌ترین حضورهای آن‌هاست، زیرا اوری را در اوج سرعت و تجربه‌گرایی با زمان‌بندی، صدا و واکنش‌های شخصیتی نشان می‌دهد. این کارتون به نمونه‌ای کلاسیک از تأثیر اوری بر انیمیشن آمریکایی در اواخر دههٔ ۱۹۴۰ تبدیل شد. با تشکر از پیج اینستاگرامی tesla_technology1306 #۱۰۰۱_فیلم_برای‌_دیدن #Lucky_Ducky_1948 #Comedy #Animation #Tex_Avery #تکس_اوری @ErebusNyx

Footloose [1984] Dir. Herbert Ross رقص پا سکانس آغازین فیلم بی‌قید و بند از ژانر فیلمهای بلوغ و دبیرستان و مشکلات شهرهای کوچیک امریکایی و... رقص و موزیک پاپ دهه هشتاد میلادی. #تک‌سکانس‌ها @ErebusNyx

معمولاً فقط عکس اولی به چشم می‌اومد که کیشلوفسکی پرچم لهستان رو دست نگرفته. کیشلوفسکی، ریشارت بوگایسکی، رومن پولنسکی، اگنژکا هولنت، آندری وایدا، آندری زولفسکی [جشنواره کن سال 1990] و جای لواندوفسکی خالی! #تک‌نماها @ErebusNyx

[1] برای بیوگرافی و اطلاعات بیشتر در مورد نویسنده، لطفاً به نقد Kurutta ippēji مراجعه کنید. [2] یا بهتر بگوییم، یک چامبارا . تفاوت بین جیدای-گکی و چامبارا تقریبا ناچیز است. در تئوری، اولی‌ فیلم‌هایی هستند که در یک دوره تاریخی قبل از دوران توکوگاوا، بنابراین قبل از 1600، ساخته شده‌اند، در حالی که دومی باید فیلم‌های "شنل و خنجر" باشند. در نهایت، امروزه، این اصطلاحات به عنوان مترادف برای نشان دادن فیلم‌های صحنه‌دار استفاده می‌شوند. [3] اصطلاح BURCH N، به ناظر دوردست. فرم و معانی در سینمای ژاپن [4] نام شخصیت اصلی زن در واقع نامشخص است، زیرا برخی منابع Chihaya Masako را به عنوان نام واقعی او گزارش می‌دهند... [5] این جمله در: Aa. Vv.، Dizionario dei film ، فلورانس، 1968 گزارش شده است. Sumi-e چیزی جز تکنیک سنتی نقاشی با جوهر از سنت آسیایی نیست. ماهیت تک‌رنگ این تکنیک در واقع به خوبی با فضای معمول سینمای سیاه و سفید مطابقت دارد. [6] در واقع، کینوگاسا بعدا این فرصت را داشت که شخصا با آیزنشتاین ملاقات کند، زمانی که چند سال بعد، با حلقه‌های فیلم در دست، به روسیه و از آنجا به بقیه قاره اوراسیا، تا پاریس، برای ارائه فیلمش آمد. آیزنشتاین به جوجیرو علاقه‌مند شد، همچنین به این دلیل که، همانطور که قبلا مشخص بود، این کارگردان روسی همیشه علاقه خاصی به تئاتر ژاپن داشت. به این ترتیب، جوجیرو در نهایت به اولین فیلم ژاپنی تبدیل شد که در خارج از کشور خود دیده شده است. [7] گاردنر وو، برداشت‌های جدید: فیلم‌های کینوگاسا تینوسوکه و مدرنیسم ژاپنی ، در مجله سینما ، جلد 43، شماره 3 (بهار، 2004)، صفحه 70. [8] یوشیوارا (吉原) منطقه‌ای در توکیو بود که به فحشا اختصاص داشت، به طور خلاصه منطقه "لذت". همه شهرهای بزرگ ژاپن یکی از آنها را داشتند. به شیمابارا در کیوتو یا شینماچی در اوزاکا (جایی که میزوگوچی نانیوا هیکا و گیون نو شیمای را در آن خلق کرد ) فکر کنید. این منطقه که در سال ۱۶۵۷ کاملا سوخت، خیلی زود با نام شین یوشیوارا (یوشیوارای جدید) بازسازی شد. این منطقه در نزدیکی منطقه آساکوسا، شخصیت اصلی اولین رمان‌های کاواباتا، قرار داشت. فریتز لانگ در فیلم تاریخی خود «متروپلیس» به فضای این منطقه ادای احترام کرد و فاحشه‌خانه‌ای را که در قسمت دوم فیلم ظاهر می‌شود، «کلوپ شبانه یوشیوارا» نامید. شاهکار این استاد آلمانی تقریبا همزمان با فیلم کینوگاسا است، زیرا فیلم اول مربوط به سال ۱۹۲۷ و فیلم دوم مربوط به سال ۱۹۲۸ است. [9] پتریک وی. ، صفحه‌ای از جنون: شاهکاری نادیده گرفته شده از سینمای صامت ، در نقد فیلم 8 ، شماره 1 (پاییز 1983)، صفحه 97. [10] یوشیوارا در واقع یک محله بسته بود، با یک دروازه ورودی و دفتری که ورود و خروج‌ها را ثبت و تنظیم می‌کرد. همچنین یک دیوار وجود داشت... به طور خلاصه، محله نوعی قفس بود. این انتخاب به دو دلیل بود، یکی نظم عمومی و دیگری منافع اقتصادی. در مورد اول، در واقع، دعوا در محله به دلایلی از بحث کلاسیک بر سر یک فاحشه گرفته تا مستی ساده، رایج بود. با این حال، در مورد دوم، نباید فراموش کرد که فاحشه‌ها توسط مدیران چایخانه خریداری می‌شدند و بنابراین نمی‌توانستند از ترس فرار آنها، محله را ترک کنند. با مسدود کردن و ثبت خروج از محل، از این مزیت برخوردار می‌شد که چیزی را که گرانبهاترین کالا در یک منطقه تفریحی محسوب می‌شد، از دست ندهد. [11] گاردنر وو، برداشت‌های جدید: فیلم‌های کینوگاسا تینوسوکه و مدرنیسم ژاپنی ، همان، ص 72. [12] کاواباتا وای.، گروه آساکوسا ، تورین، ایناودی، 2007. در اینجا نیز ارتباط با صفحه‌ای از جنون از طریق پیوند بین کینوگاسا و جریان شینکانکاکوها تجدید می‌شود. @ErebusNyx

او-کیکو (به لطف کارگردانی کینوگاسا) به ما نشان می‌دهد که او با حرکتی بسیار شدید به این آگاهی رسیده است. او گرد و غبار داخل کشو را لمس می‌کند و آن را به صورتش می‌مالد، انگار که پودر صورت، آرایش یک فاحشه باشد... اما یکی دیگر از چهره‌های فراموش‌نشدنی، او-اومه، فاحشه‌ای است که ریکیا عاشق اوست. حیله‌گر، بزدل و جاه‌طلب، اما همچنان انسان! او که مجذوب ریکیا شده، حتی (تقریبا) سعی می‌کند به او کمک کند، اما در نهایت باید با واقعیت خود کنار بیاید: یک فاحشه، که محکوم به فروش بدن خود به هر کسی است که بتواند به او چیزی بدهد. تضاد بین چهره‌های او-اومه (یک فاحشه) و او-کیکو (خواهر جوان و پاک ریکیا، معروف به مدونای سیخ شده به سبک مانزونی) به زیبایی در آرایش این دو زن جوان به تصویر کشیده شده است. نقش باندو/ریکیا نیز به همان اندازه باشکوه است. او که از عشق ناامید است، بین او-اومه و او-کیکو مردد است، در نهایت به خودویرانگری پناه می‌برد، بی‌خبر و/یا آگاه از اینکه خواهرش را با خود به پایین می‌کشد. در صحنه پایانی فیلم، ریکیا نمی‌تواند خود را از امیالش رها کند و به سمت او-اومه می‌دود، اما او با روحی همراه است، مردی که او فکر می‌کرد کشته است، در آنجا، قبل از او، دوباره متولد شده است... ناامید، همانطور که چهره‌های او-اومه و او-کیکو به طور متناوب تغییر می‌کنند، و تصاویر دو جهانی که به آنها تعلق دارند - چرخ یک دستگاه بافندگی، مرتبط با خواهرش، و فانوس‌های منطقه تفریحی، مرتبط با او-اومه - ریکیا غرق در تصویر سومی می‌شود، خاکسترهای در حال سقوط، همان‌هایی که منجر به نابینایی او شدند، و اکنون نماد پایان و خودویرانگری او هستند. این تضاد بین فضیلت و میل، بین درست و غلط است. او که از شدت خستگی بیهوش شده بود، احتمالا بی‌جان، بر زمین افتاد و او-کیکو را که با وجود گناهش برای کینوگاسا مظهر فضیلت بود، رها کرد و او را به تنهایی ابدی محکوم کرد. دانیلو تاگلیافری (۳ فوریه ۲۰۲۰) جوجیرو (十字路 | متقاطع) (معروف به چهارراه / سایه یوشیوارا / محله‌های فقیرنشین توکیو) [نام مستعار: چهارراه] ژاپن: ۱۹۲۸ کارگردان، فیلمنامه و تدوین : کینوگاسا تینوسوکه عکاس : سوگیاما کوهی طراح صحنه : تایرا بونجی تولید : Kinugasa eiga renmei بازیگران : چیهایا آکیکو (اوکیکو)، باندو جونوسوکه (ریکیا)، اوگاوا یوکیکو، سوما ایپی، ناکاگاوا یوشی، سکی میسائو، سانجو تروکو، ساوادا کینوسوکه طول : ۷ حلقه مدت زمان : ۷۴ دقیقه تاریخ انتشار : ۱۱ مه ۱۹۲۸ @ErebusNyx

داستان با استفاده خلاقانه از فلش‌بک‌ها و فلش‌فورواردها روایت می‌شود که مرز ظریف بین واقعیت و رویا را از بین می‌برد. کینوگاسا به لطف استفاده بیش از حد از دوربین، که مانند کوروتا ایپه‌جی، به طور وحشیانه در سراسر فیلم حرکت می‌کند و باعث ایجاد همپوشانی‌های مداوم می‌شود، مانند صحنه باورنکردنی که برادر جوان با خاکستر پاشیده شده به چشمانش کور می‌شود، موفق به دستیابی به این اثر می‌شود. خشم، ناامیدی، رنج، درد - همه این احساسات در تدوین، نماهای نزدیک و نمایش پرجنب‌وجوش صحنه، از دیدگاه قربانی، می‌درخشند. کینوگاسا به این ترتیب به ما اجازه می‌دهد تا در سردرگمی و ناامیدی شخصیت اصلی‌اش شریک شویم. طراحی صحنه بسیار ساده است. چهارراهی که قهرمانان داستان در آن زندگی می‌کنند، تنها با چند درخت مشخص می‌شود و نه چیز دیگری. اگرچه در مجموع، این امر به تصویری تا حدودی «ساخته‌شده» منجر می‌شود، از سوی دیگر، به طور کامل ناتوانی و ناامیدی خواهر جوان را که پیوسته منتظر برادر محبوبش، اما بیش از حد عجول است، القا می‌کند. کینوگاسا، از طرحی که حداکثر می‌توانست به خلق یک ملودرام سطح پایین کمک کند، در عوض موفق شد فیلمی استادانه خلق کند که خودش آن را «سمفونی خاکستری به سبک سومی-ئه» [5] تعریف می‌کند. در این راستا، به تأثیر کامرشپیل آلمانی برمی‌گردیم که در آن زمان در فیلم‌های وارداتی از اروپا به خوبی در ژاپن نمایش داده می‌شد. برخی نیز به شباهت خاصی با سینمای روسیه، به ویژه سینمای سرگئی میخائیلوویچ آیزنشتاین، اشاره کرده‌اند، اما کینوگاسا همیشه تصریح کرده است که در آن زمان هرگز یک فیلم روسی ندیده است [6] . در واقع، همانطور که اشاره شده است[7] ، این فیلم، گاهی اوقات، تقریبا به نظر می‌رسد که با فیلم قبلی Kurutta ippēji مرتبط است، حداقل به خاطر برخی از احساساتی که برمی‌انگیزد. در این رابطه، گاردنر به استفاده کارگردان از اشیایی اشاره می‌کند که حرکت چرخشی آنها یادآور علاقه موضوعی هر دو فیلم در حالت‌های سردرگمی و هیپنوتیزم است، تقریبا گویی برای ایجاد پیوند بصری و موضوعی بین دو فیلم. سردرگمی و در نتیجه فریب، مضمون اصلی هر دو اثر است؛ در یک مورد، در Kurutta ippēji ، می‌توان آن را در بیماری روانی مهمانان تیمارستان و در مورد دیگر، در Jujiro، در سوتفاهم در مورد بی‌گناهی شخصیت اصلی جوان ردیابی کرد. نتیجه، فیلمی منحصر به فرد، دراماتیک/شاعرانه/دلخراش/بیگانه‌ساز، در عین حال است. جوجیرو قطعا تصویری است که می‌تواند بر تماشاگر تاثیر بگذارد: کارگردانی عالی، "رنگ‌هایی" که از میان سیاه و سفید در توصیف محله یوشیوارا [8] ، جایی که داستان در آن اتفاق می‌افتد، می‌درخشند، او را تحت تأثیر قرار می‌دهد. همچنین می‌توان در فیلم نگاهی اجمالی به انتقاد نه چندان پنهان از جامعه مصرف‌کننده مدرن داشت. بنابراین، یوشیوارا نوعی "کارخانه رویاسازی" را نشان می‌دهد، اما نه کارخانه‌ای که همه بتوانند با بستن چشمان خود به آن دسترسی پیدا کنند، بلکه با پرداخت بهایی که همیشه و آشکارا توسط پول دیکته می‌شود [9]. بنابراین، تضاد بین خواسته‌های دو شخصیت اصلی و ناسازگاری آنها با وضعیت فقرشان بلافاصله آشکار می‌شود. اگر در نظر بگیریم که فیلم در واقع کاملا در یوشیوارا اتفاق نمی‌افتد، بلکه در مجاورت آن، چند متری از مرزهای آن [10] ، در منطقه آساکوسا، اتفاق می‌افتد، این تضاد حتی بیشتر برجسته می‌شود. او-اومه، فاحشه ریکیا، در واقع عاشق سالنی است که به تیراندازی با کمان اختصاص داده شده است، سالنی که در یوشیوارا وجود نداشت، جایی که فقط چایخانه‌ها وجود داشتند. ریکیا در واقع عاشق یک فاحشه مبتذل است، یکی از کسانی که نتوانست به موفقیتی که ورودی یوشیوارا برای او باز می‌کرد، دست یابد [11]. این اشاره مهم است، زیرا آساکوسا در واقع پارک تفریحی طبقه متوسط رو به بالای توکیو بود، جایی که لذت‌ها، تجمل و مدهای جدید غربی به آرامی جامعه دهه 1920را به سمت زوال سوق داده بود، واقعیتی که کاواباتا در یکی از آثار اولیه خود به خوبی روایت کرده است: گروه سرخ آساکوسا (1930) [12] . جوجیرو همچنین برخی از انسانی‌ترین پرتره‌های سینمای ژاپن در آن سال‌ها را به تصویر می‌کشد، از او-کیکو شروع می‌کند، که ناامیدانه به دنبال کمک به برادرش است، حاضر است برای او هر فداکاری‌ای بکند، حتی خودش را بفروشد، اما در نهایت همیشه انسان و مغرور است، تا پرده پایانی دراماتیک (یک قتل، این بار یک قتل واقعی!). صحنه دلخراشی که در آن او در کشو به دنبال پس‌انداز می‌گردد اما چیزی جز گرد و غبار پیدا نمی‌کند. و سپس می‌فهمد. او متوجه می‌شود که چیزی جز خودش ندارد و برای به دست آوردن پول برای درمان نابینایی ظاهری برادرش، مجبور خواهد شد بدن خود را بفروشد. @ErebusNyx

جوجیرو (کراس‌ویز، ۱۹۲۸) کینوگاسا تینوسوکه باغ سکوت مطمئن نیستم که خدا خوشبختی ما را بخواهد. فکر می‌کنم او می‌خواهد ما دوست داشته باشیم و دوست داشته شویم. اما ما مثل بچه‌ها هستیم که فکر می‌کنند اسباب‌بازی‌هایشان آنها را خوشحال می‌کند و فکر می‌کنند تمام دنیا یک اتاق بازی است. چیزی باید ما را از اتاق بازی بیرون بکشد و به زندگی دیگران بکشاند، و آن چیز رنج کشیدن است. کلایو استیپلز لوئیس مقدمه‌ای کوچک! پس از وقایع فاجعه‌بار اول سپتامبر ۱۹۲۳، که به «زلزله بزرگ کانتو» معروف شد، استودیوهای بزرگ فیلمسازی ژاپن تقریبا به طور کامل نابود شدند. با این حال، برای پاسخگویی به تقاضای مخاطبان، استودیوهای فیلمسازی داخلی تصمیم گرفتند بر واردات فیلم‌های خارجی تمرکز کنند و به ویژه بر سینمای بزرگ آلمان و کارگردانانی مانند مورنائو، لانگ، وینه، اشترنبرگ، اشتروهایم و دیگران تمرکز کنند. تاثیر این فیلمسازان بر همکاران ژاپنی‌شان بسیار مهم بود، به طوری که سینمای ژاپن به زودی نه تنها شروع به بهبودی کرد، بلکه اولین عصر طلایی خود را نیز آغاز کرد. در واقع در این سال‌ها است که شاهکارهای بی‌صدای اوزو یاسوجیرو و میزوگوچی کنجی تولید شد. با این حال، اگر بخواهیم در دوران سینمای صامت بمانیم، چه به این دلیل که امروزه فیلم‌های بسیار کمی به دست ما رسیده‌اند (و در درجه اول به دلیل بمباران‌های آمریکا در سال ۱۹۴۵)، و چه به دلایل دیگر، در نهایت می‌توان تعداد فیلم‌هایی را که از اولین عصر طلایی سینمای ژاپن می‌شناسیم، به تعداد انگشتان یک دست شمرد، و در واقع تقریبا همه فیلم‌های موجود امروزی نمی‌توانند تاثیر سینمای آلمان از دهه ۱۹۲۰ را نادیده بگیرند. در میان معدود فیلم‌هایی که به شکل «تقریبا دست‌نخورده» به دست ما رسیده‌اند، یک فیلم به طور خاص وجود دارد که در میان سایر فیلم‌ها، این پیوند را برجسته می‌کند و آن اثر نویسنده‌ای است که خوانندگان این صفحه از قبل او را می‌شناسند: کینوگاسا تینوسوکه. چهارراه‌ها فیلم جوجیرو (十字路) که به معنای «چهارراه» است و در سطح بین‌المللی با نام‌های Crossroads و Crossways شناخته می‌شود، در سال ۱۹۲۸ اکران شد. این فیلم همچنین با عنوان «سایه‌های یوشیوارا » نیز توزیع شد و در واقع این عنوانی است که در ایتالیا با آن شناخته می‌شود، اگرچه مشخص نیست که آیا این فیلم تاکنون خارج از هرگونه رویداد سینمایی توزیع شده است یا خیر. این فیلم طرح داستانی پیچیده‌ای ندارد. در واقع، یک ملودرام رایج است که در گذشته اتفاق می‌افتد: به طور خلاصه، یک جیدای-گکی [2] . با این حال، این اثر ویژگی‌های خاصی را ارائه می‌دهد که آن را خارج از این طرح‌های کلاسیک قرار می‌دهد. پس از شکست تجاری فیلم «صفحه‌ای از دیوانگی/برگی از جنون» (۱۹۲۶)، کینوگاسا تصمیم گرفت آخرین فیلم خود را با کمپانی‌اش بسازد، فیلمی که دقیقا به دلیل شکست اجتناب‌ناپذیر «کینوگاسا ایگا»، قرار بود پایان کار آن باشد. به همین دلیل، این فیلمساز ژاپنی تصمیم گرفت فراتر از قالب‌های سنتی برود و در درجه اول عنصری را که مشخصه فیلم‌های تاریخی آن زمان بود، یعنی شمشیر، حذف کند. به دلیل کمبود بودجه، کمپانی مجبور شد صحنه‌های فیلم‌های قبلی، به ویژه فیلم «کوروتا ایپه جی» را بازیافت کند. صحنه‌پردازی‌ها به شدت تحت تاثیر اکسپرسیونیسم آلمانی هستند، اما این الهام در استفاده از نور، در تضاد دائمی با سایه‌ها، نیز مشهود است. در واقع، کارگردان دقیقا از این تضاد برای برجسته کردن، با تشدید تضاد نور/سایه، درام برخی احساسات، مانند قطرات باران که در موهای او-کیکوی دوست داشتنی می‌درخشند، استفاده می‌کند. در این راستا، فیلمبرداری سوگیاما کوهی جوان اما از قبل درخشان، همکار مکرر میزوگوچی، فوق‌العاده است. بورچ، در اثر برجسته‌اش، « به ناظر دور»، تاکید ویژه‌ای بر تاثیر لانگ و وینه بر آثار کینوگاسا دارد [3] ، اما در حقیقت، این درست نیست که شناخت کارگردان ژاپنی از این نویسندگان به اندازه‌ای بوده که بتواند از الهام گرفتن صحبت کند. شاید درست‌تر باشد که از شباهت‌ها صحبت کنیم. شخصیت‌های اصلی فیلم، برادر و خواهری به نام‌های ریکیا و او-کیکو هستند که به ترتیب توسط باندو جونوسوکه و چیهایا آکیکو [4] بازی می‌شوند و هر دو قربانی فریب هستند. اولی معتقد است که در دعوایی بر سر یک زن، مردی را کشته است، دیگری قربانی یک رذل شهوتران است که سعی می‌کند با تظاهر به پلیس بودن، از او "التفات" بگیرد. @ErebusNyx

یکصد سال سینمای ژاپن روز ۸ درامی روان‌شناختی در قالب جیدای‌گکی که با زاویه‌های عجیب، سوپرایمپوزیشن و چهره‌های اغراق‌شده، قواعد سینمای سنتی ژاپن را می‌شکند. #۱۰۰۱_فیلم_برای‌_دیدن #یکصد_سال_سینمای‌_ژاپن #معرفی‌_فیلم #سینمای‌_ژاپن #فیلم #Crossroads_1928 #Teinosuke_Kinugasa #تقاطع @ErebusNyx

تصور کنید سردبیر روزنامه ای از یک روزنامه‌نگار به عنوان آخرین فرصت شغلی ارائه مصاحبه‌ای با یک نویسنده بسیار برجسته را درخواست می‌کند که سالهاست هرگونه مصاحبه را رد می‌کند یا حضور در انظار عمومی را لغو کرده و فاصله‌ای بتنی با نشریات و مدیا ایجاد کرده! ایده اولیه مستند میلان کوندرا: از شوخی تا بی معنایی Milan Kundera: From the Joke to Insignificance (2021) ساخته میلوسلاو اشمیدمایر از چنین طرحی برآمده و پس از آنکه کوندرا از سال ۱۹۸۵ تا روز مرگش مصاحبه و حضور در رادیو و تلویزیون را رد می‌کرد، کارگردان با چنین طرح اولیه ای با تلفیق مستندگونه منابع موجود و طرح داستانی زندگی ادبی کوندرا این فیلم را ساخت. اشمیدمایر پیش‌تر، از طریق میلوش فورمن ــ که زمانی شاگرد کوندرا در مدرسه سینمایی و تلویزیونی آکادمی هنرهای نمایشی پراگ بود ــ با نویسنده ارتباط پیدا کرده بود، اما کوندرا صریحا اعلام کرده بود که دیگر مصاحبه نمی‌کند و در رسانه‌ها ظاهر نمی‌شود. با این حال، کارگردان تصمیم گرفت فیلم را بسازد، زیرا معتقد بود برای شناخت کوندرا الزاما نباید خود او را مقابل دوربین نشاند، بلکه می‌توان از آثار، دوستان، همکاران، شاگردان و منتقدانش به او رسید. در نهایت، فیلم عملا از یک داستان کارآگاهی درباره پیدا کردن کوندرا به فیلمی درباره پیدا کردن کوندرا در آثارش تبدیل می‌شود. اشمیدمایر می‌گوید با افزایش تعداد مصاحبه‌های ارزشمند، دیگر نیازی به طرح داستانی مفصلِ روزنامه‌نگار جوان وجود نداشت، بااین‌حال شخصیت جوان حذف نشد و در بخش‌هایی از فیلم باقی ماند و پرسش‌هایش همچون نخ روایی، مصاحبه‌ها و فصل‌های مختلف را به یکدیگر متصل کرد. از نظر تصویری نیز فیلم آگاهانه تلاش می‌کند از قالب تلویزیونیِ مصاحبه‌محور فاصله بگیرد. فیلمبرداری در قالب عریض ۲٫۳۵:۱ سینماسکوپ انجام شده و علاوه بر مصاحبه‌ها از اسناد، تصاویر آرشیوی، مکان‌های واقعی زندگی کوندرا و حرکت میان برنو، پراگ و پاریس استفاده می‌کند. خود اشمیدمایر تاکید کرده که انتخاب قاب عریض به فیلم کیفیتی سینمایی‌تر داده است. مستند کندوکاوی عمیق و عالی درباره زندگی و آثار کوندرا در دوره های مختلف زیستی و حرفه ای اوست و برای طرفداران کوندرا و عاشقان ادبیات مطمئنا یک اثر دوست داشتنی خواهد بود. ✓مستند ترجمه و فایل زیرنویس در سایت های دانلود زیرنویس بارگذاری گردید. ✓✓فایل مستند بزودی در کانال آرشیو ارسال خواهد گردید. #۱۰۰۱_فیلم_برای‌_دیدن #میلان_کوندرا_از_شوخی‌_تا_بی‌معنایی #Milan_Kundera_From_the_Joke_to_Insignificance_2021 #میلوسلاو_اشمیدمایر #مستند #ترجمه #سینمای‌_چک #ادبیات_چک #میلان_کوندرا #Miloslav_Šmídmajer #دانلود_مستند #دانلود_فیلم #معرفی‌_فیلم @ErebusNyx

یه مقاله فوق العاده خوب پیدا کردم درباره سینمای ژاپن The Foundation of Modernism Japanese Cinema in the Year 1927 (Komatsu, Hiroshi) بنیان‌های مدرنیسم: سینمای ژاپن در سال ۱۹۲۷ نوشته هیروشی کوماتسو هیروشی کوماتسو استاد تاریخ سینما در دانشگاه واسدای توکیو و متخصص سینمای صامت هست. تخصص ویژه اون مرمت فیلم های صامت اروپایی دهه ۱۹۱۰ هست و در این زمینه با مرکز ملی فیلم توکیو هم همکاری داره. در زمان نگارش مقاله هم کتابی درباره کارل تئودور درایر کارگردان المپ نشین دانمارکی در دست تالیف داشته با دو کیفیت متفاوت میتونید این مقاله که در شماره ۱۷ مجله بین المللی تاریخ فیلم منتشر شده رو دریافت کنید. @ErebusNyx

5 Kasım 1945 درختان پرشکوفه‌ی بادام را فراموش کن این موضوع نیز ارزشی ندارد چیزهای بی‌بازگشت را نباید به‌خاطر آورد گیسوان خیس‌ات را در ظل آفتاب خشک کن بگذار بدرخشد در عطر مدهوش‌کننده‌ی میوه‌های رسیده، گیسوان نم‌ناک و بور و باوقارت محبوب‌ام، محبوب‌ام فصل پاییز است...   #ناظم_حکمت #ناظیم_حیکمت #Nâzım_Hikmet | ترکیه، ۱۹۶۳-۱۹۰۲ | #علی‌رضا_شعبانی #شعر #شعر_جهان #ادبیات_ترکیه @ErebusNyx

برای فیلم امروز! شش عنوان در نظر گرفته شد که پوششی برای طیف گسترده ای از سلیقه ها باشد Yi Yi 2000 Edward Yang Saturday Night and Sunday Morning 1960 Karel Reisz Amadeus 1984 Milos Forman The Blue Angel 1930 Josef von Sternberg Groundhog Day 1993 Harold Ramis Nomadland 2020 Chloé Zhao یک فیلم تحت عنوان #درخواستی با کیفیت های مختلف به کانال آرشیو ارسال می‌گردد ✓دو نسخه ای که از فیلم خاطرات سفرهای چوجی (۱۹۲۷) ارسال شده نسخه های بازیابی شده از باقیمانده فیلم دایسوکه ایتو می باشد...فیلم درواقع سه قسمتی بوده ولی ازبین رفته و آنچه باقیمانده همین نسخه ناقص می‌باشد. فیلم در سالی ساخته شد که سینمای جهان برخی از شاهکارهای فراموش نشدنی را روانه پرده نقره ای کرده بود: Sunrise: A Song of Two Humans F. W. Murnau Metropolis Fritz Lang Napoléon Abel Gance The Unknown Tod Browning Underworld Josef von Sternberg The Love of Jeanne Ney G. W. Pabst Berlin: Symphony of a Great City Walter Ruttmann 7th Heaven Frank Borzage The Jazz Singer Alan Crosland و سینمای ژاپن همگام، گاهی با سرعت بیشتر و گاهی آهسته تر با رفرم های فرمی و روایی به حرکت خود ادامه میداد... ✓برای دانلود فایل فیلم‌های معرفی شده به لینک زیر مراجعه فرمایید: https://t.me/+7lt6ZB3Zt74zNGI0 @ErebusNyx

سرزمین آواره‌ها Nomadland ساخته کلویی ژائو، فیلمی در مرز میان سینمای داستانی و مشاهده‌گر است که زندگی انسان‌هایی را بررسی می‌کند که خارج از الگوهای متعارف زندگی ثابت و شهری روزگار می‌گذرانند. فیلم بر اساس کتاب غیرداستانی جسیکا برودر ساخته شده و فرانسیس مک‌دورمند در نقش اصلی آن حضور دارد. ژائو علاوه بر کارگردانی، فیلمنامه و تدوین فیلم را نیز بر عهده داشته است. داستان درباره فرن، زنی است که پس از فروپاشی اقتصادی شهری در نوادا، زندگی خود را در یک ون ادامه می‌دهد و در جاده‌های غرب آمریکا به دنبال شیوه‌ای متفاوت از زندگی می‌گردد. در طول مسیر، فیلم با افرادی روبه‌رو می‌شود که بسیاری از آنها زندگی مشابهی را تجربه می‌کنند. برخی از این افراد، برخلاف بازیگران حرفه‌ای، واقعا نومد و غیر مقیم هستند و حضورشان به فیلم کیفیتی نزدیک به مستند می‌دهد. ژائو به‌جای ساختن یک درام اجتماعی متعارف، بر مشاهده زندگی روزمره، سکوت، کار موقت، سفر و رابطه انسان با چشم‌انداز طبیعی تاکید می‌کند. دوربین جاشوا جیمز ریچاردز، فضاهای گسترده غرب آمریکا را در برابر مقیاس کوچک زندگی فردی قرار می‌دهد و به فیلم کیفیتی آرام و تامل‌برانگیز می‌بخشد. سرزمین آواره‌ها در هفتادوهفتمین جشنواره ونیز شیر طلایی را دریافت کرد و سپس در اسکار ۲۰۲۱ برنده بهترین فیلم، بهترین کارگردانی برای ژائو و بهترین بازیگر زن برای مک‌دورمند شد. فیلم بیش از آنکه درباره یک شیوه زندگی مشخص باشد، درباره رابطه انسان با فقدان، استقلال، جامعه و مفهوم خانه است. اثری که با رویکردی کم‌ادعا، تصویری انسانی از زندگی در حاشیه نظم اقتصادی و اجتماعی معاصر آمریکا ارائه می‌کند. #۱۰۰۱_فیلم_برای‌_دیدن #Nomadland_2020 #Chloé_Zhao #کلوئی‌_ژائو #سینمای‌_آمریکا @ErebusNyx

Nomadland / سرزمین آواره‌ها (2020) Chloé Zhao @ErebusNyx

روز موش‌خرما Groundhog Day 1993 ساخته هارولد رامیس، کمدی فانتزی متفاوتی است که ایده یک حلقه تکرارشونده زمانی را به ابزاری برای بررسی رفتار، خودشناسی و تغییر شخصیت تبدیل می‌کند. فیلم در سال ۱۹۹۳ ساخته شد و بیل موری در نقش اصلی، در کنار اندی مک‌داول و کریس الیوت، حضور دارد. شخصیت اصلی، فیل کانرز، مجری هواشناسی تلویزیون است که برای پوشش مراسم سالانه روز موش‌خرما به شهر کوچکی در پنسیلوانیا می‌رود. او شخصیتی خودمحور، بدبین و ناراضی است و از نظر او این ماموریت چیزی بیش از یک کار تکراری و بی‌اهمیت نیست. اما شرایطی غیرعادی باعث می‌شود تجربه زمانی او با آنچه برای دیگران اتفاق می‌افتد تفاوت پیدا کند. نکته مهم فیلم در نحوه استفاده از این ایده فانتزی است. رامیس حلقه زمانی را صرفا برای خلق موقعیت‌های کمیک به کار نمی‌گیرد، بلکه آن را به آزمایشی برای شخصیت اصلی تبدیل می‌کند، اگر انسانی مجبور شود یک روز مشخص را بارها و بارها تجربه کند، رابطه او با زمان، دیگران و خودش چگونه تغییر خواهد کرد؟ بیل موری نیز با ترکیب طنز خشک، بدبینی و واکنش‌های اغراق‌شده، مرکز ثقل فیلم است. فیلم به‌تدریج از یک کمدی موقعیت به اثری درباره مسئولیت فردی و امکان تغییر تبدیل می‌شود، بدون آنکه لحن سرگرم‌کننده خود را از دست بدهد. روز موش‌خرما به همین دلیل فراتر از یک کمدی درباره سفر در زمان باقی مانده است. #۱۰۰۱_فیلم_برای‌_دیدن #Groundhog_Day_1993 #روز_موش‌خرما #Harold_Ramis #سینمای‌_آمریکا #کمدی #هارولد_رمیس @ErebusNyx