Придумано и сделано в России

До открытия финальной выставки V конкурса-биеннале «Придумано и сделано в России» остается ровно месяц. А мы уже хотим поделиться тем, что происходит за кулисами. Амбассадор конкурса Софья Эрнст – актриса МХТ, креативный продюсер и сооснователь проекта «Исток» ДК – изучила работы финалистов и выбрала те, которые особенно сильно отозвались ей. Мы запускаем рубрику #ВыборАмбассадора, где будем рассказывать о предметах, которые Софья отметила. Первым в этом списке стало произведение Алены Ронь «Лёвы». «Лёвы» Алены Ронь – первая работа, которая меня зацепила и вовлекла в дальнейшее знакомство с художниками. Львы часто встречаются в резьбе по камню, в украшении фасадов церквей. Где-то в подсознании возникает Дмитриевский собор во Владимире, вспоминаются деревянные львы, украшавшие царские палаты. Для меня это яркий символ, отсылка к русской старине. С одной стороны, здесь есть примитивистское начало. Но благодаря этому работа вписывается в минималистичный интерьер. Мне кажется, в этом чувствуется японский подход к дизайну: минимализм, старина и современность сочетаются, «замешиваются» и очень органично живут друг с другом». Алена Ронь – художник-керамист из Санкт-Петербурга, магистрантка Академии Штиглица. В своем творчестве она исследует темы свободы, движения и полета. Серия «Лёвы» (2026) состоит из десяти керамических фигур львов. Пять из них имеют петербургский характер, а другие пять отсылают к традиционным китайским каменным львам шицзы. Фигуры будто находятся в состоянии молчаливого взаимодействия, превращая знакомый образ в предмет современного дизайна. Следите за рубрикой – в следующих постах расскажем о других предметах из списка Софьи. А увидеть все работы финалистов можно будет на выставке с 24 ноября. #ВыборАмбассадора

Эль Лисицкий – ключевая фигура художественной жизни первой половины XX века: его эксперименты с формой и пространством не только воплотили радикальные идеи русского конструктивизма, но и заложили основы современного дизайна, повлияв на целые поколения художников и проектировщиков по всему миру. Вспомним, почему, по мнению Эля Лисицкого, вещи производят на нас хорошее впечатление:

– Они представляют самих себя, а не изображают что-то совсем другое – они честны. – Глаз воспринимает их как целое, не блуждая и не застревая в путанице – они четки. – Они просты не от нищеты оформляющей энергии, изобретательской фантазии, а от богатства, стремящегося к лаконизму – они элементарны. – Их форма в целом и в деталях может быть построена циркулем и линейкой – они геометричны. – Их оформляла рука человека посредством обрабатывающей части современной машины – они индустриальны.

Спустя столетие эти слова звучат как манифест современного дизайна. Идеальная вещь – та, в которой нет ничего лишнего.

В музее новое поступление – зеркало по мотивам старорусских наличников. Его автор – Александра Ярмольник. На видео – момент, который обычно остается за кадром: хранитель устанавливает предмет в экспозиции. У зеркала своя специальная коробка – часть системы хранения. И чтобы предмет занял свое место, нужны точность, аккуратность и знание дела.

Кто живет по ту сторону наличника? На выставке «VEREJA. По ту сторону наличника» знакомимся с миром художника Игоря Андреева – его героями, образами и мифологией. Они выросли из вязания, ремесла и детских воспоминаний. Собрали шесть персонажей, с которых можно начать знакомство. Каждый из них – отдельная история, связанная с мифологией бренда. 🏛 Музей в MAX

В XX веке женщины были художницами и дизайнерами, руководили производствами, открывали галереи и формировали художественную среду. Но многие их имена со временем оказались в тени — и история искусства по-прежнему часто рассказывается как история, прежде всего, мужчин. На паблик-токе «Женщины в искусстве» эксперты обсудят, почему история сложилась именно так и как сегодня возвращать забытые имена и переосмыслять привычный взгляд на искусство. Поводом для разговора станут в том числе книги и выставочные проекты Кучково поле Музеон — «Москвичка» и «От ткани до космоса. Авангардистки дизайна», возвращающие в культурную память целый пласт женских имен. 8 октября в 19:00 — присоединяйтесь к разговору. Не забудьте зарегистрироваться.

Рекомендуем паблик-ток «Женщины в искусстве» – особенно дизайнерам В XX веке женщины руководили производствами, открывали галереи и формировали художественную среду. Но многие их имена до сих пор остаются в тени. На паблик-токе эксперты обсудят, почему так сложилось и как возвращать забытые имена в историю искусства. Поводом для разговора стали в том числе книги и проекты «Кучково поле Музеон» – «Москвичка» и «Авангардистки дизайна. От ткани до космоса». Вторая издана Музеем декоративного искусства совместно с издательством. Это исследование о художницах, которые работали с тканью, стеклом и пространством, – от Елены Поленовой до Веры Мухиной. 📍Кстати, книгу «Авангардистки дизайна. От ткани до космоса» еще можно успеть купить в нашем музейном магазине 📍 8 октября в 19:00

✨ У нас отличные новости! Жюри завершило голосование, баллы подсчитаны, а победители во всех номинациях определены! 🏆 Познакомиться со списком победителей можно в разделе «Новости» на сайте: pridumano.damuseum.ru Поздравляем победителей и благодарим всех участников! 🎉

Одни из первых опытов дизайнерской практики художников-авангардистов воплотились в оформлении агитационно-праздничных установок. Это были малые архитектурные формы – трибуны, эстрады, газетно-журнальные киоски, радиорупоры. Причем спрос на такие объекты был велик – были объявлены конкурсы на образцовые проекты. В собрании нашего музея представлена реконструкция радиорупора Густава Клуциса, одного из «пионеров» отечественного дизайна. Художник считал своим лозунгом призыв поэта В. Маяковского создать язык для «безъязыкой улицы». Именно поэтому в дизайне агитационно-праздничных установок он использовал динамичные ракурсы, контрастные масштабы и типографические акценты, формируя императивный образ революционной действительности.

На этой неделе вдохновились аксессуаром Джонатана Андерсона для Dior и сразу перенесли этот силуэт на мир предметного дизайна. Образ лебедя – символ грации и плавных линий – веками вдохновляет творцов. Культовое Swan Chair Арне Якобсена (1958) повторяет силуэт лебедя без единой прямой линии, а светильник «Лебедушка» Иосифа Брина превращает «народное творчество» городского индустриального стиля в нежный декор. #вдохновение

29 сентября в рамках Московской недели моды были показаны работы финалистов «Международного конкурса молодых дизайнеров к 165-летию Надежды Ламановой» От имени музея выступила куратор Центра моды и дизайна Дарья Сережкина. Она поблагодарила организаторов конкурса Лину Арифулину и Алину Миеву за приглашение музея стать партнером и отметила:

«Для нашего музея большая честь стать частью большого проекта, который рассказывает историю Надежды Петровны Ламановой и открывает новые имена».

🏛 Музей в MAX

С ярмарки blazar: металл как тренд Центр моды и дизайна вновь отправился на ярмарку современного искусства blazar – чтобы посмотреть раздел дизайна. Среди множества знакомых предметов и имен выделили для себя один яркий тренд – металл. Металла в дизайне становится очень много. Даже в деревянной скамье появляются следы олова. #СмотримНаКрасивое

Голосование началось Члены жюри тщательно выбирают победителей в категориях и обладателя Гран-при. А мы не останавливаемся на достигнутом и рады представить нового партнера конкурса – компанию Dk Project. В рамках сотрудничества Dk Project определит одну работу из шорт-листа в номинации «Экспериментальный дизайн» и подарит ее автору уникальную возможность – поездку в арт-отель «Лен» в Палех с целью создания на территории Палех Парка арт-объекта к Сельской биеннале современного искусства «Преображение», которая пройдет в августе 2027 года. Поездка доступна с 1 октября 2026 года по 31 июля 2027 года и включает проживание (2 ночи, двухместное размещение в будни).

Что такое штабелирование? И как это понятие связано с дизайном?

Штабелирование возникло как способ экономии пространства. Например, вы хотите складывать предметы друг на друга независимо от первоначального назначения мебели, адаптируя пространство под текущие задачи. Особенно наглядно эта логика проявляется в истории стульев. Функциональная необходимость становится самостоятельным принципом проектирования, влияющим не только на конструкцию, но и на образ мебели.

История штабелируемых стульев берет начало в XIX веке. Металлические стулья Франсуа Карре с перфорированными спинками, созданные в 1866 году, не были специально рассчитаны на штабелирование. Однако их легкая конструкция позволяла владельцам парижских кафе ставить их друг на друга. В контексте развития уличной кафе-культуры во Франции на рубеже XIX–XX веков такой способ хранения стал довольно распространенным. Стулья можно было быстро убрать с тротуара, освободить пространство. В XX веке возможность штабелирования стала одной из важных характеристик промышленной мебели. Например, в 1930-е годы Ксавье Пошар создал металлический Tolix Chaise A, конструкция которого позволяла устойчиво ставить стулья друг на друга. В 1960-е развитие пластмасс заметно расширило возможности. Робин Дэй создал доступный полипропиленовый Polyprop, а Вернер Пантон экспериментировал с цельной пластиковой формой Panton Chair. В современном дизайне штабелирование становится частью сценария использования пространства. Современные стулья проектируются так, чтобы сочетать минимальный объем в сложенном состоянии с удобством, прочностью и простотой. Современная штабелируемая мебель отвечает не только на вопрос «как сэкономить место», но и на более широкий вопрос о гибкости пространства и его способности быстро меняться в зависимости от ситуации. Рассмотрим штабелируемые табуреты участников конкурса «Придумано и сделано в России» – Иосифа Брина и Ильи Скударя.

Лекции на воде: два маршрута, два разговора о ремесле и дизайне Музей продолжает выездную программу на речном электротранспорте. 25 сентября – снова два маршрута, две лекции и два повода посмотреть на искусство в движении. «От ремесла до дизайна» – лекция о тонкой грани между традиционным ремеслом и современным дизайном. Гости поговорят о том, как ремесло и дизайн могут сосуществовать и вдохновлять друг друга, и о том, как народные промыслы дают творческий импульс современным авторам. После лекции участников пригласят отправиться за вдохновением на выставку «Путешествие домой. Традиционное искусство России». 📍Начало в 11:20, маршрут – от причала «ЗИЛ» до «Новоспасского» «1925 год. Советский дизайн на выставке в Париже» – лекция о том, как преподаватели и студенты ВХУТЕМАСа представили свои идеи на Международной выставке декоративных искусств 1925 года. Какие проекты отражали принципы нового советского искусства, как авангардные эксперименты воспринимались на международной сцене и почему опыт ВХУТЕМАСа считается одним из ярких эпизодов в истории отечественного дизайна. 📍Начало в 12:30, маршрут – от причала «Новоспасский» до «ЗИЛа» ♦️Лекции бесплатны, проезд – по тарифам речного электротранспорта. Регистрация обязательна. 🏛Музей в MAX

От ремесленника до пророка: как выставка Врубеля раскрывает его гений Всероссийский музей декоративного искусства отмечает 170-летний юбилей Михаила Врубеля выставкой «Врубель. Рождение нового искусства». В экспозиции участвуют около 400 экспонатов из различных собраний. Большая часть — из коллекции Всероссийского музея декоративного искусства, остальные работы предоставили Русский музей Санкт-Петербурга, ГМИИ им. А.С. Пушкина, музей-заповедник «Абрамцево» и частные собрания. О выставке и самом мастере рассказывает куратор проекта Сергей Хачатуров:

Михаил Врубель — художник страстный. Потому его искусство мало кого оставляет равнодушным. И диапазон восприятия очень широк, от обожания до раздражения и даже агрессивного отторжения. Да и сам Врубель иронизировал над этими полярными оценками при жизни, говоря, например, что в понимании художников-академиков он «аттестован декадентом».

Узнайте больше о выставке в материале. Выставка проходит с 18 сентября по 17 февраля. Фото: Лариса Красавина / пресс-служба Всероссийского музея декоративного искусства; Государственный Русский музей 🤌 Читать РБК Стиль в Telegram

Кольца для салфеток «Купола» – дизайн, вдохновленный архитектурой Мы уже не раз убеждались, что элементы древнерусской архитектуры – устойчивые компоненты современного предметного дизайна. Используя лаконичную геометрию, они способны включать в себя объемное содержание. Причем вдохновленными вековой архитектурой могут быть даже такие, на первый взгляд, незаметные предметы быта, как кольца для салфеток.

Кольца «Купола» созданы Владимиром Ковалевым, бренд «РУКИ. КРЮКИ» из Барнаула, в 2024 году. Материал – бук. Работа стала участником IV конкурса-биеннале «Придумано и сделано в России».

Кольца для салфеток не только создают атмосферу торжественности, но и связывают воедино текстиль, посуду, организуют общую концепцию стола. А форма купола отсылает к древнерусскому зодчеству, напоминая о том, что традиция может жить в самых простых и привычных вещах.

Показ фильма «Образ на Рези» – 17 сентября в музее В рамках выставки «Культ дерева» приглашаем на показ документального фильма «Образ на Рези» – второго фильма цикла «Древо мастеров». Это первый проект, который в полном объеме представляет историю русской трехмерной деревянной скульптуры: от сбора бересты и пермских мастеров до скульптур-исполинов Сергея Коненкова и Степана Эрьзи. Отдельная глава – о том, как традиция живет сегодня: современное прочтение северных мотивов у Дмитрия Чекучинова, сказочный лэнд-арт Алены Вальковой и новые 3D-технологии Алексея Панькина. Производство кинокомпании «Синтез-Интегра» при поддержке Президентского фонда культурных инициатив. 🗓 17 сентября в 18:30 📍 Балконный зал Всероссийского музея декоративного искусства Регистрация

Основатель Vereja Игорь Андреев — о работе в глянце, своем бренде и новой выставке Сегодня во Всероссийском музее декоративного искусства открылась выставка Игоря Андреева «Vereja: по ту сторону наличника», посвященная современной моде и ремеслу. Игорь Андреев вырос в подмосковной деревне Устье недалеко от города Верея — среди наличников, бытовых орнаментов и вязания. Переехав в Москву, он работал в глянце, был главным редактором Numéro Russia, а после закрытия издания начал снова вязать и запустил бренд Vereja. В рамках проекта 🕺🕺🕺🕺🕺🕺🕺 поговорили с Игорем о том, как вязание спасло его после глянца, почему важно иметь дело, которое принадлежит только тебе, и как за семь лет Vereja превратилась из личного проекта в целую художественную вселенную.

Я не ожидал, что стану дизайнером. У меня нет профильного образования, но я сам разрабатываю модели, сам вяжу, то есть не просто собираю мудборд и отдаю в руки команды. В какой-то момент я думал пойти учиться в «Британку» или «Вышку», но близкие сказали: «Зачем, если у тебя уже все получается?» Тогда я понял главное — нужно просто делать, все знания приходят в процессе.

Сейчас Vereja — один из самых узнаваемых независимых имен российской моды: его вещи носят Ольга Карпуть и певица Елка, а моделями на показах были Ксения Собчак и Мария Миногарова. ✂️ Больше об открывшейся сегодня выставке — читайте в интервью. 🤌 Читать РБК Стиль в Telegram

Дарья Сережкина, заместитель заведующего Центром моды и дизайна Музея декоративного искусства, побывала на Cosmoscow – и делится впечатлениями!