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La Calle de Madera de La Habana Vieja acogió este viernes 4 de septiembre la inauguración del curso escolar 2026-2027 de las Aulas-Museos del Centro Histórico habanero.
En el acto que encabezó Perla Rosales Aguirreurreta, directora general adjunta de la Oficina del Historiador de la Ciudad de La Habana, los acompañaron sus maestros, autoridades del Ministerio de Educación en la provincia y especialistas de los museos.
Rosales Aguirreurreta insistió en que el Doctor Eusebio Leal Spengler siempre acarició y defendió el proyecto, reconociendo la importancia del legado del eterno Historiador de la Ciudad de La Habana en cuanto se haga en la parte más antigua de la urbe y, sobre todo, los más pequeños; quienes serán los fieles continuadores de su obra.
Asimismo invitó a la lectura de Fiñes, de la autoría del propio Historiador, para conocer la historia de un niño que después se convertiría en un gran hombre, subrayó la directora general adjunta de la Oficina del Historiador.
El título referencia los propósitos del festival homónimo previsto hasta noviembre en el Centro Histórico habanero, entre talleres de literatura, artes plásticas, danza y otras iniciativas, dirigidas a niños y niñas; al que se sumarán la Asociación Hermanos Saiz y la Brigada de Instructores de Arte José Martí, entre otras organizaciones.
El Proyecto propicia la permanencia de niños y niñas de las escuelas primarias de La Habana Vieja en los Centros Culturales y Museos de la Oficina del Historiador de la Ciudad de La Habana.
Con varias décadas de creada, el propósito de Casas Museo se ha fortalecido desde la coexistencia junto a otros proyectos que surgieron a partir de este y dialogan con el mismo, como la Fiesta del Libro Infantil y los Niños Guías de Patrimonio, que se desarrolla en el contexto del programa cultural de Rutas y Andares.
Fuente: Habana Radio
#PatrimonioCultural #OficinaDelHistoriador #CubaEsCultura
| 2 |  El Centro Cultural Quintín Bandera-Observatorio Social Color Cubano y la Editorial Ciencias Sociales del Grupo Editorial Nuevo Milenio, con la participación de la Uneac, su Asociación de Escritores y la Comisión José Antonio Aponte, anuncian la presentación del libro «Racismo y antirracismo. Conceptos y Debates», de Víctor Fowler Calzada.
🗓️ Miércoles 16 de septiembre
🕑 11:00 a.m.
📍Centro Cultural Quintín Bandera Esperanza #106, entre Águila y Revillagigedo, Jesús María. La Habana Vieja
#CubaEsCultura | 16 |
| 3 | El reconocido actor cubano Jorge Enrique Caballero participa como artista en residencia en el Wintertuin Curaçao Festival, donde incluirá una presentación pública el próximo 19 de septiembre.
Lo anunció en su muro de Facebook el Consejo Nacional de las Artes Escénicas, refiriendo que el también dramaturgo y director desarrolla el proyecto «Macandal o El cuerpo de la Libertad», inspirado en la figura del legendario rebelde que luchó contra la esclavitud en el Haití colonial, conocido por su capacidad de transformarse, protagonista de la novela «El reino de este mundo» de Alejo Carpentier.
La residencia de Caballero suma investigaciones acerca del pasado colonial de Curazao y la historia afrocaribeña, así como el proceso de escritura y experimentación en la sala de ensayo donde pretende descubrir cómo las transformaciones de Macandal pueden cobrar vida a través del cuerpo de un actor.
En tanto la historia del Caribe ocupa un lugar esencial en su teatro, la residencia le permitirá profundizar en archivos, la memoria histórica, el patrimonio y la cultura afrocaribeña, estableciendo nuevos diálogos con Curaçao y su particular realidad multilingüe y multicultural.
En el Wintertuin Curaçao Festival, el público podrá apreciar hasta dónde lo ha llevado este proceso creativo que enlaza memoria, identidad y teatralidad en un espacio que celebra la diversidad cultural y literaria del Caribe, señala la publicación de marras.
Igualmente se asegura que la residencia de Jorge Enrique Caballero, creador del proyecto Ritual Cubano, constituye un primer territorio de investigación y un paso fundamental en el desarrollo internacional de «Macandal o el cuerpo de la libertad».
#RitualCubanoProducciones #Macandal #ElCuerpoDeLaLibertad #WintertuinCuracao #Curacao #TeatroCubano #Dramaturgia #InvestigacionArtistica #MemoriaAfrocaribeña #Caribe #CulturaCubana #CubaEsCultura | 13 |
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| 9 | Aquí puedes descargar en PDF la Agenda Cultural prevista por la Oficina del Historiador de la Ciudad de La Habana para este mes.
Protagoniza la portada de la publicación digital la imagen del Dr. Eusebio Leal, en instantánea captada por Roberto Chile, avanzando la dedicatoria de la jornada con que se le evocará en el aniversario 84 de su natalicio.
Destaca además la apertura de la Casa Brasil, la actuación del tenor griego Yannis Filias y la jornada «Género, Cimarronaje y Patrimonio» en el Museo Casa de África, con motivo de los 52 años de las relaciones Cuba-Senegal.
#OHCH #EusebioLeal #Homenaje #Cartelera | 15 |
| 10 | 🎧 Escucha aquí la cuarta y última entrega del crítico Norge Espinosa a La Tertulia del programa Aquí el Teatro, como homenaje Federico García Lorca, al cumplirse el aniversario 90 de su asesinato.
Sostiene que este ha sido un año particularmente intenso en lo relacionado con su recuerdo, con nuevos hallazgos acerca de su biografía y mediante diversas exposiciones, espectáculos, publicaciones, no solo teatrales y cinematográficos, con que se le ha rendido un muy merecido tributo; lo cual no deja de hacernos recordar que sus restos siguen sin ser localizados y que esa ausencia, la de su cuerpo asesinado, nos debe seguir alertando sobre los peligros que amenazan la cultura, la ideología y la libertad del talento de no pocos en un mundo tan convulso como este.
Al concluir sus evocaciones, Norge Espinosa recorre los años desde 1930 a la madrugada de su asesinato, «años de trabajo y éxito febril tanto en su país como en su historia latina», subraya.
#Lorca #Teatro #CríticaTeatral #FedericoGarcíaLorca | 12 |
| 11 | A través del personaje fascinante que significó Rodolfo Valentino podemos entender la construcción de un ícono de la cultura popular.
Valentino, antes de actor, fue precisamente un icono y uno de los primeros productos plenos del star system. Su muerte a los 31 años de edad, el 23 de agosto de 1926 (cuando la industria fílmica transitaba del cine mudo primitivo al esplendor hollywoodense), fue un espectáculo desmesurado: suicidios reportados, disturbio en su funeral, histeria colectiva.
Digamos que Valentino llegó a ser el primer ídolo moderno en quien se demostró que la imagen pública y el erotismo eran hasta más importantes que el talento. Como actor, Valentino tuvo en su fisicalidad una herramienta poderosa: el movimiento de sus manos, la parsimonia y fiereza de su mirado eran hipnóticas.
Fue acusado de afeminado por la prensa machista estadounidense, lo llamaron «polvera rosa» porque no sabía ser rudo, en tanto la elegancia y contención hacía que su estilo actoral contrastara con el estereotipo de los galanes impetuosos.
Los parámetros actorales del cine mudo exigían una actuación gestual y arquetípicas y Valentino era un maestro en el gesto preciso y la pausa. Su presencia fue siempre estelar.
Valentino devino el primer actor que, para el público femenino, se convirtió en un objeto de deseo. Fue el amante trágico, no el héroe viril y casto. Así, Hollywood utilizó a Valentino como lo exótico, además de hacer que significara el deseo y la seducción.
Víctima gozosa de su propia imagen, sufrió la tiranía de la fama y pese a su empeño en ser tomado en serio como profesional no pudo contra el poder de la mercadotecnia, tal y como sucede en la actualidad con muchas estrellas del espectáculo. Por tanto, la cultura pop tiene en Valentino uno de sus más consolidados imperios emocionales.
A su entierro asistieron más de 100,000 personas, hecho que definió la cultura de la fama a partir de ahí, si recordamos su velatorio cual duelo de masas, tal y como luego sucedería con Diana de Gales, Jame Dean o Elvis más tarde.
El 30 de agosto se celebró el funeral de Valentino en Manhattan. Después el cuerpo viajó en tren hasta California donde sucedió otro funeral con Carles Chaplin entre los porteadores del féretro.
A cien años del funeral de Valentino
✍️ Roberto Pérez León
#ComentarioCrítico #Valentino #Cine #RodolfoValentino #Hollywood | 14 |
| 12 | A través del personaje fascinante que significó Rodolfo Valentino podemos entender la construcción de un ícono de la cultura popular.
Valentino, antes de actor, fue precisamente un icono y uno de los primeros productos plenos del star system. Su muerte a los 31 años de edad, el 23 de agosto de 1926 (cuando la industria fílmica transitaba del cine mudo primitivo al esplendor hollywoodense), fue un espectáculo desmesurado: suicidios reportados, disturbio en su funeral, histeria colectiva.
Digamos que Valentino llegó a ser el primer ídolo moderno en quien se demostró que la imagen pública y el erotismo eran hasta más importantes que el talento. Como actor, Valentino tuvo en su fisicalidad una herramienta poderosa: el movimiento de sus manos, la parsimonia y fiereza de su mirado eran hipnóticas.
Fue acusado de afeminado por la prensa machista estadounidense, lo llamaron «polvera rosa» porque no sabía ser rudo, en tanto la elegancia y contención hacía que su estilo actoral contrastara con el estereotipo de los galanes impetuosos.
Los parámetros actorales del cine mudo exigían una actuación gestual y arquetípicas y Valentino era un maestro en el gesto preciso y la pausa. Su presencia fue siempre estelar.
Valentino devino el primer actor que, para el público femenino, se convirtió en un objeto de deseo. Fue el amante trágico, no el héroe viril y casto. Así, Hollywood utilizó a Valentino como lo exótico, además de hacer que significara el deseo y la seducción.
Víctima gozosa de su propia imagen, sufrió la tiranía de la fama y pese a su empeño en ser tomado en serio como profesional no pudo contra el poder de la mercadotecnia, tal y como sucede en la actualidad con muchas estrellas del espectáculo. Por tanto, la cultura pop tiene en Valentino uno de sus más consolidados imperios emocionales.
A su entierro asistieron más de 100,000 personas, hecho que definió la cultura de la fama a partir de ahí, si recordamos su velatorio cual duelo de masas, tal y como luego sucedería con Diana de Gales, Jame Dean o Elvis más tarde.
El 30 de agosto se celebró el funeral de Valentino en Manhattan. Después el cuerpo viajó en tren hasta California donde sucedió otro funeral con Carles Chaplin entre los porteadores del féretro.
A cien años del funeral de Valentino
✍️ Roberto Pérez León
#ComentarioCrítico #Valentino #Cine #RodolfoValentino #Hollywood | 1 |
| 13 | Discordia y Legado: Op. 47 (parte II)
✍️ Yamilé Jiménez
Sí, aunque esta afirmación parezca audaz y desmedida, la Sonata para violín n.º 9 en la mayor, op. 47 («Kreutzer») de Ludwig van Beethoven, cambió el rumbo de la tradición musical de Occidente.
Su impacto se consolidó a través de tres hitos: la emancipación definitiva del violín, el nacimiento del virtuosismo romántico y el desplazamiento de la música de cámara a los grandes teatros y salas de concierto.
Sin embargo, detrás de esta monumental revolución musical se esconde una paradoja humana: la historia del desencuentro entre el célebre compositor alemán y el virtuoso violinista George Bridgetower quien fuera, de hecho, el verdadero destinatario y fuente de inspiración de la obra.
Aunque de raíces caribeñas por la línea paterna, Bridgetower nació en Polonia en 1778 y desde temprana edad comenzó a viajar por distintas cortes europeas exhibiendo sus dotes de niño prodigio. La reacción del público fue una mezcla de fascinación y asombro, ya que si bien hasta el mismísimo Príncipe de Gales (futuro rey Jorge IV) decidió financiar su educación, el joven violinista de ascendencia afrocaribeña y europea era también un fenómeno inédito y rompedor por cuestiones puramente raciales.
En abril de 1803, como parte de una gran gira financiada por la realeza británica, George Bridgetower se presentó en Viena, ciudad en la cual residía Beethoven desde 1792. El príncipe Lichnowsky fue el encargado de presentar al músico alemán y al virtuoso violinista y la conexión entre ambos fue inmediata, compartiendo el amor por la música y también el interés por el vino y las tabernas vienesas.
Fascinado por el virtuosismo del violinista, Beethoven se propuso escribir una obra monumental para que la tocaran juntos. Así, el 24 de mayo de 1803, se estrenó la Sonata para violín n.º 9 en la mayor, op. 47, en un concierto en los jardines de Augarten, con notorio éxito.
Poco después, aunque no se tiene registro exacto del día en que ocurrió, la amistad de ambos músicos quedó irremediablemente destruida durante una noche de copas en una taberna vienesa, cuando el violinista hizo un comentario despectivo sobre una dama a quien Beethoven profesaba consideración y profundo afecto.
El vínculo quedó deshecho y la dedicatoria original que aparecía en tono de broma en la partitura: «Sonata mulata compuesta para el mulato Bridgetower, gran loco y compositor mulato», fue tachada y sustituida por el nombre de Rodolphe Kreutzer, un virtuoso violinista francés que, en una de las mayores ironías de la historia de la música, consideró la obra totalmente incomprensible y jamás la tocó en público.
La otra ironía es que, si bien la obra pasó a la posteridad mundialmente conocida como la Sonata «Kreutzer», George Bridgetower regresó a Inglaterra en 1804 para encaminarse hacia un destino final marcado por el fuerte contraste con su pasado glorioso. El virtuoso que alguna vez electrizó a las cortes europeas murió en la total oscuridad y la pobreza el 29 de febrero de 1860, en un humilde suburbio del sur de Londres; despojado, sobre todo, del reconocimiento de haber inspirado y estrenado una de las piezas más trascendentes de la música de cámara.
#ClaseDeMúsica #HistoriaDeLaMúsica #MúsicaClásica | 17 |
| 14 | Rebecca Clarke. Su legado musical
✍ Yamilé Jiménez
En una época en la que la composición musical era considerada un territorio casi exclusivo para hombres, una joven inglesa comenzó a abrirse paso con un instrumento poco habitual como protagonista. Su nombre: Rebecca Clarke; y su instrumento, la viola.
Rebecca Helferich Clarke nació el 27 de agosto de 1886 en Harrow, Inglaterra, y ya desde pequeña mostró una especial sensibilidad hacia la música.
Comenzó sus estudios de violín en la Royal Academy of Music de Londres que luego prosiguió en el prestigioso Royal College of Music, donde recibió clases de composición con Charles Villiers Stanford, una de las figuras más influyentes de la música británica de la época. Fue precisamente quien le recomendó abandonar el violín y dedicarse a la viola.
El gran punto de inflexión llegó en 1919, cuando Rebecca Clarke presentó su Sonata para viola y piano al concurso del Berkshire Festival of Chamber Music, celebrado en Estados Unidos. Entre más de 70 obras presentadas, la partitura de Clarke llegó a la final junto a una obra de Ernest Bloch y ambas quedaron empatadas tras dos votaciones del jurado. Elizabeth Sprague Coolidge, mecenas del certamen, emitió finalmente el voto decisivo a favor de Bloch. La sorpresa llegó al revelarse que la autora de la sonata era una mujer, algo que llevó a algunos periodistas a cuestionar su autoría. No obstante, el concurso propició el reconocimiento internacional tanto de la pieza como de su compositora.
El catálogo de Rebecca Clarke destaca menos por su extensión que por su notable concentración de obras de alta calidad, especialmente en los géneros de cámara y vocal. Su producción madura en torno a unas 80 composiciones si se excluyen los trabajos juveniles se caracteriza por una escritura técnicamente sólida, una gran sensibilidad por el color instrumental y una personalidad estilística situada entre el posromanticismo, el impresionismo y ciertas tendencias neoclásicas.
El núcleo de sus composiciones se encuentra en la música de cámara, donde su experiencia como violista se ve reflejado en un profundo conocimiento de las posibilidades técnicas y expresivas de los instrumentos de cuerda. Su lenguaje combina tradición y modernidad mediante el uso del cromatismo, armonías complejas, modulaciones y una destacada riqueza tímbrica, sin adscribirse de forma estricta a una única corriente estética.
Creaciones como el Trío para piano (1921), la Rapsodia para violonchelo y piano (1923) y su producción vocal, confirman la amplitud y solidez de su talento compositivo. En conjunto, su obra supone una aportación relevante a la música de cámara británica del siglo XX y especialmente su Sonata para viola y piano, considerada su obra maestra, destaca por su riqueza armónica, intensidad expresiva y una escritura que convierte a la viola en un instrumento de notable protagonismo.
En 1944 Rebecca Clarke se casó con el compositor y pianista James Friskin y se estableció definitivamente en Estados Unidos. Durante décadas vivió alejada de la primera línea de la actividad musical. Murió el 13 de octubre de 1979, en Nueva York, a los 93 años.
Sin embargo, a pesar de su talento, sus piezas no recibieron en vida el reconocimiento que merecían. Tras su muerte, entre finales del siglo XX y comienzos del XXI, musicólogos e intérpretes iniciaron una importante labor de recuperación de su legado. Sus partituras volvieron a publicarse y sus obras regresaron a las salas de concierto, consolidando a Clarke como una de las compositoras británicas más importantes de su generación.
#Efeméride #EfemérideMusical #HistoriaDeLaMúsica #ClaseDeMúsica #EnEstaFecha #TalDíaComoHoy #Viola #MúsicaCládica | 20 |
| 15 | En una nueva emisión, el espacio Dando la Nota se ocupa del libro «El euroafricano. Su presencia en la cultura europea en los siglos del XVI al XXVIII», del Dr. Cecilio Tieles Ferrer.
Su génesis y valores, la tesis y aspectos teóricos que avanzan sus páginas como las aportaciones euroafricanas a formas de la música en Cuba, motivan las interrogantes del periodista Ignacio Cruz Ortega al Maestro Tieles.
La novedad, que lleva los sellos de la editorial Huygens de Barcelona, el Museo Nacional de la Música y la Oficina del Historiador de la Ciudad de La Habana, se dio a conocer durante la reciente 34a. Feria Internacional del Libro de La Habana.
#DandoLaNota | 17 |
| 16 |  Hasta el próximo 28 de agosto el Centro ProDanza de Cuba y el Ballet Laura Alonso mantendrán abierta la convocatoria a la venidera edición de sus Talleres Vocacionales de Ballet.
Podrán realizarse inscripciones de niñas y niños de 5 años a 10 años de edad, quienes recibirán preparación física integral, técnica danzaria, expresión corporal, musicalidad y nociones de arte escénico, durante un año, bajo la guía de un claustro de amplia trayectoria y vocación pedagógica.
La propuesta se anuncia como espacio diseñado para incentivar y desarrollar el talento, la disciplina y la pasión por la danza, durante un proceso progresivo que permitirá fortalecer el cuerpo, además se contribuir a la creatividad y confianza de niños y niñas.
Para las inscripciones que tienen lugar de 9:00 a.m. a 12:00 p.m. en las instalaciones del Centro ProDanza de Cuba en Avenida 51 esquina a 118, en Marianao, los padres o tutores deberán presentar, en todos los casos, la tarjeta de menor del aspirante.
#Ballet | 18 |
| 17 | Discordia y Legado: Op. 47 (parte I)
✍ Yamilé Jiménez
Durante el Barroco, la sonata para violín transitó desde el modelo tradicional con bajo continuo hasta las avanzadas aportaciones de Johann Sebastián Bach, las cuales establecieron un diálogo de igualdad efectiva entre ambos instrumentos.
Sin embargo, a mediados del siglo XVIII, el Clasicismo destruyó este equilibrio por razones comerciales y sociológicas. Con la irrupción del pianoforte y el auge de la música doméstica para aficionados, algunos compositores comenzaron a escribir sonatas donde el violín fue reintroducido bajo el rótulo formal de «sonatas para piano con acompañamiento de violín», quedando relegado a la función de duplicar la línea melódica de la mano derecha del teclado, ornamentar o simplemente rellenar silencios.
Una obra, sin embargo, logró un drástico giro y el punto de inflexión más radical en la historia de la música de cámara para instrumentos de cuerdas: la Sonata para violín No. 9 en La Mayor Op. 47 («Kreutzer») compuesta en 1803 por Ludwig van Beethoven.
Desde la misma portada, el compositor alemán dejó clara la ambición de su propuesta con una advertencia explícita: «Scritta in uno stile molto concertante, quasi come dun concerto» (escrita en un estilo muy concertante, casi como el de un concierto).
Conocida universalmente como la Sonata «Kreutzer» o simplemente la Op. 47 en el entorno académico, esta obra destruyó los moldes tradicionales. Beethoven exigió al violinista recursos técnicos reservados hasta entonces para los conciertos para solistas con orquesta: pasajes polifónicos complejos, registros sobreagudos extremos, cambios súbitos de dinámica y una articulación agresiva.
Con este arsenal de efectos, finalmente se logró que el violín dejara atrás su papel de escolta para convertirse en un coprotagonista capaz de competir en absoluta igualdad de condiciones frente al piano, transformación no solo alteró la técnica, sino también el espacio físico y social donde se escuchaba la música.
Hasta entonces, la música de cámara se concebía exclusivamente para el formato íntimo del salón aristocrático, donde un grupo reducido de nobles conversaba mientras los músicos tocaban a corta distancia. Pero, la masa sonora que Beethoven desató en su Sonata «Kreutzer» sobrepasó los límites acústicos y estéticos de esos espacios domésticos, exigiendo, por un lado, otro escenario capaz de soportar su monumental proyección sonora y, por otro, la concentración absoluta del público.
Esta innovación, obligó a la música de cámara a emigrar del ambiente refinado de los salones aristocráticos hacia las grandes salas públicas de concierto.
En tanto, desde la óptica emocional, la fuerza de la obra también resultó de gran impacto ya que cambió la mentalidad de la época, al demostrar que una pieza para solo dos músicos podía tener la misma profundidad que una sinfonía entera.
Como si no bastaran todos estos cambios, hitos y rupturas, el origen de esta partitura es tan interesante como novelesco y reúne todos los ingredientes necesarios para descubrir (en un próximo artículo), cómo un desencuentro fortuito condenó al olvido el nombre del verdadero inspirador de la Sonata «Kreutzer».
#HistoriaDeLaMúsica #ClaseDeMúsica #MúsicaClásica #SonataParaViolín #Beethoven | 24 |
| 18 | 🎧 Escucha aquí la continuidad de las remembranzas que el crítico Norge Espinosa ha propuesto a La Tertulia del programa Aquí el Teatro, como homenaje al poeta y dramaturgo español Federico García Lorca, al cumplirse el aniversario 90 de su asesinato.
En esta tercera entrega del ciclo atiende a su viaje a los Estados Unidos y Cuba, «una experiencia que lo marcó definitivamente y a través de las cuales logró encontrar una idea de sí mismo que perfilaría su madurez como autor y como figura pública», recuerda.
Cuando repasa las escabrosas experiencias vitales de Lorca en Nueva York, comenta que allí se acerca un nuevo teatro que se está renovando en ese panorama con distintos autores y puestas en escena mucho más arriesgadas, todo lo cual influirá posteriormente en su obra.
En Cuba, sin embargo, «se reencontrará con la luz, el calor y unas ganas de vivir que lo renovarán de un modo inusitado», significa Norge Espinosa.
#Lorca #Teatro #CríticaTeatral #FedericoGarcíaLorca | 19 |
| 19 | Del teatro en el cine ruso
✍ Roberto Pérez León
Durante la 34a. Feria Internacional de Libro de La Habana tuvimos una muestra de cine ruso que se inició con el filme «Don Quijote», una adaptación sobre el original de la obra de Miguel de Cervantes y Saavedra.
Si bien en esta magnífica película encontramos la huella del teatro, quiero una vez más (y a propósito de la cinematografía rusa), significar que desde sus orígenes tuvo como cimiente el arte teatral. Muestra de ello es «El Acorazado Potemkin» donde se asimiló el arte escénico para convertirlo al lenguaje cinematográfico.
«El acorazado Potemkin», un siglo después de su estreno, no ha dejado de navegar por las pantallas. Sergéi M. Eisenstein, su director, tuvo una sólida formación teatral que le propició una matriz expresiva de poderosa influencia en su dramaturgia de la imagen.
Hay quienes creen que una película es mejor en la medida que logra separarse del teatro.
Pero, ¿existe una gran diferencia entre el cine y el teatro? ¿Podemos hablar de pureza cinematográfica y pureza teatral?
El cine y el teatro tienen formas específicas que no son tributarias unas de otras. Sin embargo, tampoco son formas encontradas, se conjugan, incluso en medio del actual destello digital.
Tiene «El acorazado…» influencias teatrales en su estructura trágica clásica. La película está dividida en cinco actos que como unidades teatrales desarrollan el conflicto como el en teatro clásico, con la debida progresión emocional y simbólica, buscando conmover al espectador con imágenes de un patetismo intenso propias del pathos teatral trasformado por el lenguaje cinematográfico.
La tipificación actoral está signada por el expresionismo teatral: gestos amplificados, rostros extremados y no hay personajes sino tipos sociales.
Resulta admirable en el filme el hecho de que la cámara se convierta en un actor que interpreta desde varios ángulos. Se cinematografía la frontalidad teatral al explorar la tridimensionalidad del espacio.
Eisenstein, con el recurso cinematográfico del montaje, no hace una adaptación teatral sino una conversión de la potencia de la teatralidad.
«El acorazado Potemkin» nos moviliza, nos interpela, nos conmueve. No somos espectadores pasivos ante la pantalla, nos involucramos. No hay cuarta pared. Participamos, sentimos, pensamos y nos asociamos al hecho cinematográfico no solo como observadores , sino que somos arrastrados hacia él.
El cine y el teatro no son artes antitéticas pese a que desarrollan dramaturgias diferentes. El cine y el teatro son manifestaciones de la subjetividad humana. Tienen la perdurabilidad del acontecer artístico.
📸 Fotogramas de la película de Sergéi M. Eisenstein «El acorazado Potemkin» / Internet
#CineYTeatro #CríticaTeatral | 24 |
| 20 | El caballero de la rosa y su génesis
Daniel Noriega
Después de componer «Salomé» en 1905, y «Elektra» en 1909, obras caracterizadas por sus audacias tonales, orquestales y su tinte expresionista y freudiano, Richard Strauss comunicó a Hugo von Hofmannsthal su deseo de componer una ópera distinta.
Sería, al estilo mozartiano: ligera, humorística y ambientada en la sociedad del siglo XVIII. Pero, a diferencia de las anteriores, el libreto de Hofmannsthal fue de su propia creación; o sea, que no estaba basado en obras literarias ya existentes.
En el bosquejo inicial, los protagonistas recaerían en los nombres del barón Ochs y Octavian. Sin embargo, a medida que avanzó la redacción, el personaje de la Mariscala creció y se afirmó hasta transformarse en un rol protagónico.
El título alude a una práctica inexistente, inventada por el libretista, según la cual los aristócratas tenían la obligación de presentar una rosa de plata como prenda de amor durante la ceremonia de petición de mano.
Eso no era una tradición, pero de no haber sido inventada por el libretista, nos hubiéramos privado de disfrutar en esta ópera de la hermosa y poética escena de la presentación de esa joya, uno de los mejores momentos de toda la partitura orquestal y vocal de «El caballero de la rosa».
En cuanto a la intención mozartiana de Strauss, la misma es más de esencia, de espíritu y del aura que envuelve la obra que de una alusión evidente al estilo del Genio de Salzburgo, ya que existe una gran diferencia entre el lenguaje dramático y orquestal de ambos compositores; aunque no caben dudas de que el disfrute que provoca «El caballero de la rosa» podría compararse con el de creaciones operísticas de Wolfgang Amadeus Mozart como «Las bodas de Fígaro» o «Cosi fan tutte».
La premier tuvo lugar en la Hofoper de Dresde, el 26 de enero de 1911, y como en los estrenos de «Salomé» y «Elektra», la dirección orquestal estuvo a cargo de Ernst von Schuch, mientras que el joven Max Reinhardt tuvo a su cargo la dirección del montaje teatral. Según señalan los historiadores, «El caballero de la rosa» obtuvo el éxito más grande que haya alcanzado una ópera alemana en el siglo XX.
#Ópera #MúsicaClásica #ÓperaFrancesa #HistoriaDeLaMúsica | 20 |
