Sveta Lipkina. Дизайн и ремесло

#селекция Дизайн, в понимании XX века, был инструментом конкуренции прагматического подхода. Когда технологическая борьба стала затруднительна, а рынки сбыта поделены, нужно было как-то отстраиваться от конкурентов. Дизайн выполнял роль упаковки (обёртки для одного и того же содержимого). При плановой экономики надобности в отстройки не было, поэтому и дизайна не было. А сегодня и понятие дизайн — уже гораздо шире, чем инструмент маркетинга. На фото керамика бренда JBart, дизайнер Юлия Быковская

#селекция У меня в базе почти 300 керамистов из 40 городов России, но даже из них на биеннале дизайна я отобрала бы не более 50. В целом — это хороший результат (опытных дизайнеров мебели я знаю ещё меньше), но давайте продолжим про критерии и подходы. Начиная с эпохи Возрождения, ремёсла (керамика и другие) в несколько этапов разделились на «организованные» и «свободные». Первые должны были обеспечивать государственные нужны и закрывать вопросы безопасности. Гжель, например, начиналась, как месторождение глины, которую в XVII веке использовали для аптекарских сосудов. «Свободные» от государственного контроля ремёсла были предоставлены сами себе и регулировались запросом и вкусом обеспеченного заказчика. И если одни стремились получить капитал, насытив рынок при минимальных затратах, то другие хотели соревноваться в художественном мастерстве, желательно на мировом уровне. В итоге сформировалось два восприятия: прагматическое (действенное) и эстетическое (чувственное). На фото инсталляция самарского производителя глазурей Ovo Lavka

#авторскиеправа Так как же оценить вклад автора в авторство вещи? В базовой версии автором предмета был сам пользователь — как ему сподручнее, так и делал, некому было оспорить. Этот принцип продолжает жить в формате хобби — люди создают вещи для себя по мере возникновения творческого голода. И несмотря на то, что они их даже патентуют (приходили и такие заявки на конкурс) эти артефакты ценны только для их авторов. Другое дело — профессионалы, им так или иначе приходится интегрироваться в рынок, думать о потребители. И тут первой подключается ремесленная форма взаимодействия, когда авторство делят между собой заказчик и мастер. Один пришёл с конкретным запросом (например, отформовать вазу определённого размера и цвета), а второй выполнил то, что первый бы сам не смог. Это вполне рабочая схема, если заказчик задаёт технические рамки, а ремесленник ищет их формальное воплощение, оставаясь в большей степени автором, чем исполнителем. Мой исторический фаворит — минойская керамика острова Крит, ~ 2000 лет до н. э., множество сосудов с изображением растений и морских обитателей — высокохудожественный и вместе с тем прикладной язык (рисунок и форма зависели от назначения сосуда). И совсем другое дело, когда заказчик приносит готовую вещь и просит ее скопировать, потому что не может позволить себе оригинальную. Простительно, если речь идет о Портлендской вазе из стекла, шедевре римского класицизма, которую в XVII веке многократно повторили в фаянсе, специально изобретя для этого новую технологию. Но если технология исполнения сохранена, сомнительно считать себя автором, даже есть это ручная работа. Реставратором, реконструктором, но не автором. На фото минойская керамика острова Крит

#авторскиеправа Часто слышу понятие авторская вещь, авторские права. Кого сегодня мы называем автором? Того, кто придумал или кто сделал? А может быть это тот, кто вкладывает ресурсы, деньги? А если это несколько человек в разной роли, всех ли упоминают? Или остаётся кто-то один, оказавший особое влияние на сферу, которую он представляет? Выставочные изделия советских промыслов, например вологодского кружевоплетения, подписали именем создателя эскиза, схемы, но никогда именем ремесленника, который его изготовил. Мы все знаем имя Михаила Врубеля, как художника и автора майоликового камина, получившего золотую медаль на Всемирной выставке в Париже 1900 года. Но вручали эту награду не Врубелю, а Савве Мамонтову, который после банкротства вложил оставшиеся ресурсы в развитие керамического производства изразцов. И мало кто вспомнит, что технологию их изготовления разработал молодой керамист-химик Пётр Ваулин, он же открыл утраченную в XV веке технологию восстановительного обжига, придающую изделиям узнаваемый переливающийся блеск. Скучаю по вкладышам в коробках конфет с именами укладчиц 🙄 На фото упаковка с указывает имени вышивальщицы изделия фабрики «Крестецкая строчка»

#будущее В какой-то степени ограничения помогают. Благодаря им люди осваивают непригодные для жизни места, изобретают альтернативные способы решения задач, находят внутри себя ресурсы и мотивацию, когда здравый смысл уже не помогает. Следующий уровень — научиться мыслить самостоятельно и стратегически: формулировать желаемую точку в будущем и выстраивать от неё путь в настоящее. А у вас есть такая точка в будущем?

#культура Обращая внимание на радикальные петровские реформы его подход можно было бы назвать более прогрессивным, модернистским, а привязанность к народной традиции — архаикой. Вот только этот быстрый насильственный прогресс создал разрыв преемственности культуры, способствовал расслоению общества и закрепил за местническим способом управления статус тупикового. Тоже самое произошло и в начале XX века. Кажется, татаро-монгольское нашествие не повлияло на естественное развитие нашей истории так, как эти две «революции». Благородные идеи и попытки решения острых социальных проблем быстро сменились максимальным закрепощением и монополией на творческие проявления. Очень наглядно такой подход иллюстрируют результаты плановой экономики. Например, в сети сохранились хроники 1980-х годов, где Вячеслав Зайцев рассказывает о проблемах в сфере моды. На фото эскизы Дворца Советов, автор Алексей Щусев

#культура «Умных среди мужиков нет» — эта цитата Петра I, как будто до сих пор с нами, нивелирует право на самоопределение. Любопытно, что Пётр был коронован в год смерти протопопа Аввакума. Эти два человека наглядно олицетворяют собой пути, закрепившие дуализм русской культуры. С одной стороны — концепция независящего от вертикали власти, самобытного, а в чём-то и новаторского внутреннего диалога, в лице предвестников нестяжателей и последователей старообрядцев. Нестяжатели игнорировали церковную иерархию и предлагали отказаться от земли и наёмного труда, а их оппоненты иосифляне считали, что церковь должна быть богатой и влиятельной (победили иосифляне). Старообрядцы выступали за сохранение сложившегося по наитию уклада, а патриарх Никон хотел вернуться к греческим и польским церковным канонам, что и произошло. То есть с другой стороны мы получили сложноподчинённую, декоративно-барочную форму риторики, подчёркивающую статус и, по сути, заимствованные ценности. И если первая со временем только укрепляла веру людей в себя, то вторая скорее наоборот — способствовала развитию чувства вины и апатии русской интеллигенции. На фото зеркало «Лемех», бренд Valkeda

#бизнесмодель Галерейный бизнес устроен по-другому. Изначально с обеих сторон мы имеем дело с людьми, понимающими ценность добавочной стоимости. Только, одно дело купить графику за 10 000, другое — предмет интерьера за 1 000 000. Сколько вы знаете мест, кроме музеев и галерей, где современный российский коллекционный дизайн был бы уместен и востребован? Отсюда игра понятий, когда, с одной стороны, коллекционным называют декоративно-прикладное искусство, а с другой — всё, что не получилось спозиционировать, как тиражный дизайн. Выходит рынок, как и наше сознание, представляет собой две крайности: мир нестяжателей и мир иосифлян, но про эти концепции расскажу в следующих сериях... На фото третья выставка «Придумано и сделано в России», на переднем плане: коллекция Castes, автор Семён Лавданский совместно с Freshglass, по краям: керамика Натальи Макаровой и Марины Акиловой

#ценообразование Если вы предлагаете готовую тиражную продукцию, то распределение ресурсов может выглядеть так: ✔️ Расходы на материалы и работу — 20% ✔️ Вложения в развитие (дизайн, оборудование, обучение) — 10% ✔️Расходы на администрирование, логистику и налоги — 30% ✔️Расходы на продвижение и рекламу — 40% Например, стоимость продукта в розницу — 100 000 рублей, из них 10 000 — материалы, 10 000 — работа, 3000 — дизайнер, 2000 — специальная фреза, 5000 — чистая прибыль, 15 000 — администрирование, 4000 — упаковка, 5000 — логистика, 6000 — налоги, 10 000 — скидка, 30 000 — наценка дистрибьютора. Выходит, стоимость материалов — это всего 10% от розничной цены. Вспоминаю комментарий посетителя выставки «Ладья» по поводу моего зеркала: «Что тут стоит 20 тыс, если материала максимум на 2 тыс?». Отсюда вопрос, насколько продуманным должен быть дизайн и его презентация, чтобы зритель счёт покупку значимой? Знаете ли вы примеры, когда с этим справились непрофессионалы? На фото зеркало «Притяжение» моего бренда «Дизайн и ремесло», авторы я и Мария Ойкимус, интерьер по проекту бюро Megabudka, Кудыкина Гора

#бизнесмодель Небольшие производственные компании иногда не учитывают даже базовые вещи (например, администрирование). Для быстрого расчёта стоимости услуг закрепилась формула: материал, умноженный на три. Это даёт возможность держаться на плаву, но при любой волне утягивает под воду. Мастер заболел, станок полетел и твоя репутация вместе с ним. Однажды имела опыт судебных претензий к такому производству — суд выиграла, но получить что-то с работяг так и не удалось. То есть компании предлагают только фрагмент от необходимого комплекса услуг, без начала (концепции) и конца (коммуникации), предполагая, что и то и другое предоставит им клиент. Клиент же (не важно B2B или B2C) хочет только одного — удовлетворить свои ожидания. Разобраться, что действительно ему нужно (не факт, что то, о чём он просит) — задача специалиста, который в рамках своей компетенции способен вникнуть и конструктивно повлиять на проект. И это стоит денег, которые надо закладывать. Фото сделано мной в одной из региональных мастерских, если у вас не так, вы — супер

#бизнесмодель Проблемы позиционирования проявляются в ценообразовании. У крупного бизнеса финансами занимается специальный отдел, который на старте просчитывает риски и закладывает в цену все прямые и косвенные расходы. Тем не менее, даже заметные мебельные бренды редко учитывают промышленный дизайн как самостоятельный элемент в себестоимости продукта, обосновывая это ценовой конкуренцией. В штате находятся конструкторы и технологи, а дизайнеры оплачиваются из пиар-бюджета. Иногда это напоминает своеобразный greenwashing — пока специалисты радуются новым дизайнерским решениям, в шоурумах по-прежнему в лидерах продаж — копии. На фото коллекция Puzzle, автор экспозиции Игорь Куркин, бренд O’PRIME

#бизнесмодель Два последних года я много работала с ремесленниками в регионах. Как правило, это грантовые программы поддержки малого бизнеса, в которые попадают мастера-одиночки и небольшие производства. Первый вопрос, который я задаю участникам: — Для кого вы это делаете? И самый частый ответ, если докопаться до сути: — Для себя. А на вопрос: — Зачем вы это делаете? Ответом окажется: — Чтобы самовыражаться. То есть большинство российских локальных авторов по своей природе — художники, а не ремесленники, и тем более не дизайнеры. И это нормально, и всё бы ничего, если бы им не приходилось параллельно выполнять роль предпринимателей. Другая популярная крайность — работа по принципу «какой спрос, такое предложение». Теоретически это вполне рабочая модель, в которой ремесленник совершенствует свои навыки исполнителя и со временем обзаводится постоянной клиентской базой. По факту выйти на платёжеспособных заказчиков без навыков стратегического планирования мало кому удаётся. В итоге рынок получает массу неликвидных, субъективно оригинальных или низкосортных товаров. При этом откровенно музейные вещи пытаются продавать на ярмарках, а типовые отправляют на дизайнерские конкурсы. Трудоёмкие, многодельные предметы демонстрируются скопом, а вторичные получают отдельный зал и неоправданно высокую стоимость. На фото редкий пример адекватного позиционирования ремесла, автор Дмитрий Чекучинов

В следующих постах расскажу про связки производитель — дистрибьютор и дистрибьютор — потребитель, а пока буду рада вашим комментариям, дополнениям и критике 👐

#бизнесмодель 👋 Любая успешная команда — это междисциплинарность и общие ценности. Дизайнерские компетенции тут закрывают значимую, но лишь одну из ролей. Без стратега, технолога, конструктора, менеджера, пиарщика, продажника собрать дееспособный бренд не получится. Всё это требует ресурсов, но не денежных, как вы могли бы подумать, а человеческих. Почему самые яркие и инновационные команды рождаются в годы студенчества? Люди вместе проходят важный этап инициации и роста. Мало какая мотивация может быть сильнее этой сплочённости. Если рядом с вами есть такие люди, берегите их и стройте с ними бизнес. На фото стенд бренда Yaratam Design, что в переводе означается «Я люблю/я создал дизайн»

#бизнесмодель 4️⃣ Архитекторы и дизайнеры интерьера создают коллекции и фабрики, чтобы обеспечивать качество и предсказуемость комплектация своих проектов. Иногда эти производства вырастают в полноценные бренды со своей концепцией и дистрибьюцией, а, бывает, и поглощают студию-прародителя. В таком формате ответственность за успех ложиться на плечи дизайнеров-основателей, а главной заботой становится не дизайн, а административно-стратегическое планирование. То есть вы либо вынуждены стать управленцем и нанять штатных дизайнеров (модель 3) или вернуться к модели 1. Другой альтернативный вариант — модель 5. На фото стенд бренда NW.Bureau

#бизнесмодель 3️⃣ Нишевый бренд, который раньше обходился своими силами, привлекает свежую кровь, чтобы выдержать конкуренцию и отстроиться на рынке. Или же стартап сразу использует уникальное предложение, как основу своего позиционирования. Тут нужны два типа продукта: коммерческий и имиджевый. Первый обеспечит оборот, второй — узнаваемость. Бренд в таком случае готов на творческие эксперименты, но в рамках выбранной ценовой ниши. Условием скорее всего будет разовая выплата 50-150 тыс. рублей или оклад. Этот формат оптимален для молодых авторов. Начав с базовых вещей, можно раскрыть свои творческие способности и расти вместе с брендом. На фото светильник Supersymmetry, автор Алексей Данилин, бренд MAYTONI

#бизнесмодель 2️⃣ Бренд с большими охватами и отлаженной дистрибьюцией привлекает популярного дизайнера в рамках пиар-стратегии для создания коллекции или оформления шоурума. На старте бренд скорее всего обращался для этих задач к всемирно известному автору, так как цель — расширение воронки продаж за счёт цитируемости. Сейчас привлечь иностранца сложнее и дороже, а ещё для широкой публики отечественные имена становятся милее, чем заграничные. Тем не менее, бренду нужны дизайнеры, готовые к технологическим компромиссам и работе по заданному ТЗ. Перспективные условия в таком партнёрстве — это роялти от 3% до 7%. При коллаборации с социально-значимой организацией, фондом или институтом (которые также могут привлечь внимание) возможна работа по бартеру или с призовыми. Но важно понимать, что на разработку и запуск одной такой коллекции уйдёт не меньше года и ещё столько же, чтобы сделать её продаваемой. На фото коллекция Brera, автор Дима Логинов, бренд Divan.ru

#бизнесмодель 1️⃣ Производственная компания с репутацией и отлаженными технологическими процессами привлекает дизайнера (например, знакомого ей по частным заказам) для создания капсульной коллекции. Получается сложная, дорогая и скорее коллекционная, чем тиражная серия. Но продажи — не цель, цель — демонстрация возможностей и/или повышение сегмента (например, за счёт охвата аудитории Cosmoscow). При этом компания заинтересована в бартерных условиях или выплате дизайнеру разового гонорара. Вариант роялти в таком формате малоликвиден, так как массовые продажи этой коллекции не являются приоритетной задачей. На фото столики Shelest, автор Евгения Шилова

#бурныйрост Выставку АРТДОМ я лично очень ждала, все три дня заранее распланировала на лекции и встречи. Тонкости дизайн-ремесла мне хорошо знакомы, я учу проектированию с 2005 года и сейчас практикую по собственной методике, поэтому ажиотаж на онлайн-встрече с Каримом Рашидом мне видится слегка наивным. Но вот что мне действительно было интересно послушать, как бренды, которые смогли оплатить участие в главной на сегодня нишевой выставке, выстраивают взаимодействие: автор — производитель — дистрибьютор — потребитель. Моделей сотрудничества авторов с производителями я насчитала пять (детали ниже), но оговорюсь, что это идеализированные собирательные образы, все совпадения случайны 🙃 и могут существовать параллельно внутри одной компании. На фото стенд бренда Zahodi, автор новой коллекции Иван Антонов

#пятилетка К 2018 году количество локальных брендов стало достаточным, чтобы их заметили специалисты. Но тогда можно было говорить лишь о срезе времени, а не о единой концепции или стратегии. Каждый автор был уникален тем, что сводил концы с концами по-своему самобытно. Главной болью были продажи. Сами производства в силу компромиссного ценообразования не имели ресурсов на профессиональный маркетинг, а имеющиеся площадки, заточенные на коммерчески выверенный продукт, не умели продавать наш малотиражный. Несколько попыток, на моей памяти, сделать ассортимент магазина полностью российским завершились возвратом к импорту или уходу в арт-сегмент уникатов. Теперь две волны кризиса окончательно вывели из игры всех, кто не успел выстроить экономику своего продукта. И мне, честно говоря, казалось, что мы снова вернёмся в чистое поле, а бурный рост — это истерическая галлюцинация. На фото первая выставка «Придумано и сделано в России», автор барного стула Сергей Гравчиков, бренд UNIKA MØBLÄR