Просто про искусство

Зинаида Серебрякова родилась и выросла в имении Нескучное, в семье прославленных деятелей искусства Бенуа-Лансере. Может быть поэтому сцены простой деревенской жизни стали значимой частью творчества художницы. Зинаида часто наблюдала за работой крестьянок в Нескучном и, прежде чем приступила к работе над картиной «Беление холста», сделала множество зарисовок. Крестьяне относились к семейству Бенуа-Лансере с большой любовью и уважением, и «добрая барыня» Зинаида часто просила деревенских женщин побыть моделями для ее этюдов. Зинаида Серебрякова «Беление холста» 1917 г. Холст, масло. 142 ×175 см. ГТГ, Москва.

В начале 1960-х годов Москва стремительно расширялась. На окраинах появлялись целые микрорайоны из типовых многоквартирных домов, которые впоследствии были прозваны «хрущёвками». С неподдельной нежностью художник наблюдает, как они рождаются и обживаются. «Я люблю эти новые кварталы больших городов; в их незаконченности, даже в неполадках живет молодая душа новизны» . Это настроение он постарался передать в картине «Свадьба на завтрашней улице». По дощатому настилу идет пара молодоженов — невеста в белоснежном платье и легких туфлях и жених в черном костюме с букетом в руках. Вдали видны трубы завода, чуть ближе — подъемные краны, машины, возвышаются белые корпуса новых домов, кое-где видны люди. Все они как будто замерли, приветствуя новую семью, рождающуюся среди хаоса стройки. Юрий Пименов «Свадьба на завтрашней улице» 1962. Холст, масло, 86 x 80 см. ГТГ, Москва

Человек всматривается не просто в небо, он пытается прочесть знаки, смысл которых ускользает, но притягивает. Эти знаки не расшифровываются логикой. Они чувствуются как память о далёком прошлом и одновременно обращены в будущее. Картина «Звёздные руны» Николая Рериха из тех произведений, которые не стремятся быть понятыми сразу. Они словно ждут, когда зритель замедлится и позволит им говорить на своём языке. Впервые это полотно было показано в 1912 году на выставке «Мир искусства» и сразу привлекло внимание необыкновенной поэтичностью. Тёплая ночная тишина. Дремлющие горы и леса. Небо, усыпанное звёздами, похожими на древние письмена. Николай Рерих «Звездные руны» 1912 Размер -  бумага на картоне, темпера, гуашь, 53 x 75 см. ГТГ, Москва

«Но какова же твоя конечная цель?» – спросишь ты. Цель эта определится со временем, вырисуется медленно, но верно: ведь набросок становится эскизом, а эскиз – картиной лишь по мере того, как начинаешь работать более серьезно, углубляя и уточняя свою вначале смутную первоначальную мысль, неясную и мимолетную. (Из писем Винсента Ван Гога к брату Тео) Винсент Ван Гог  «Автопортрет» 1887 Картон, масло, 42 x 33,7см Институт искусств, Чикаго

Над этим произведением Василий Поленов работал более десяти лет, уделяя особое внимание достоверности известного евангельского сюжета. В 1881-1882 гг. художник предпринял путешествие по странам Ближнего Востока, вернувшись с рядом небольших живописных работ, впоследствии приобретённых Третьяковым. Когда же большая картина на евангельский сюжет была завершена, Третьяков первым заявил о намерении включить её в своё собрание, однако накануне открытия 15‑й передвижной выставки полотно приобрёл император Александр III. До 17 января 2027 года картину можно увидеть в Третьяковке на выставке «Павел Третьяков и Василий Поленов» Василий Поленов «Христос и грешница»(Кто без греха?). 1888 Холст, масло. 325 × 611 см Русский музей, С-Пб.

В ночь перед открытием выставки «неофициального» искусства в павильоне "Дом культуры" на ВДНХ в сентябре 1975 года цензурная комиссия запретила к показу 38 произведений. В знак протеста художники сняли свои работы, поставив их лицом к стене. Выставка была закрыта, а участников, вышедших из здания, оцепила конная милиция. В результате многочасовых переговоров с администрацией художникам всё же удалось отстоять большую часть своих работ, в том числе признанный огнеопасным двухметровый арт-объект из веток группы «Гнездо». Кроме того, этой, образованной незадолго до выставки группе молодых радикалов-насмешников, куда вошли Виктор Скерсис, Михаил Рошаль и Георгий Донской, удалось показать свой самый известный перформанс «Высиживайте яйца!». 

Во французской коммуне Живерни из-за сильной жары пострадали сады художника Клода Моне. Аномальные температуры уничтожили часть растений, уже погибли настурции и несколько других растений. Садовники пытаются спасти оставшиеся цветы, группируя их вместе и поливая более уязвимые ночью. И только кувшинки чувствуют себя прекрасно, словно не замечают пекла. Сад был разбит Клодом Мане при доме, в котором он жил с 1883 по 1926 год. Мане собственноручно спроектировал каждый уголок усадьбы, чтобы затем перенести всё на свои полотна. Клод Моне  «Белые кувшинки» 1899  Холст, масло, 89×93 см. ГМИИ им. Пушкина, Москва

После его смерти она долго стояла у окна, прижавшись лбом к стеклу, и молчала. А на рассвете следующего дня шагнула вниз с шестого этажа. Её похоронили отдельно, но через десять лет перезахоронили рядом с ним. На могиле выбили слова: «Смерть настигла его на пороге славы». И чуть ниже: «Верная спутница, не захотевшая пережить разлуку». Так закончилась история любви, которая длилась меньше трёх лет, но оставила миру десятки портретов и одну из самых страшных легенд Парижа. Амедео Модильяни «Жанна Эбютерн, сидящая перед дверью» 1919 Холст, масло, 81x129 см Художественный музей БроудБроуд, Лос-Анджелес. 

Своими натюрмортами Юрий Пименов вовлекает зрителя в занимательную игру: придумав название произведению, он предлагает додумать историю, связанную с изображенным предметом. На картине «Ожидание» изображен главный символ коммуникации — телефон. Однако самого диалога здесь нет, есть ощущение замершего времени и некоторого разочарования: тяжелая трубка оставлена на столе, за окном дождь и беспросветная серость замершего города. Композиционным центром становится витьевато изогнутый шнур, который вместо того, чтобы связывать людей на двух его концах, запутывает. Дождь, запечатленный Пименовым, является также важнейшим мотивом оттепельного искусства. Режиссеры кино используют метафору дождя, чтобы разделить возлюбленных или, наоборот, создать ситуацию, которая будет способствовать воссоединению героев. Но неизменно дождь становится символом очищения и ожидания чего-то совершенно нового. Юрий Пименов «Ожидание» 1959. Холст на картоне, масло, 40 x 60,5 см. ГТГ, Москва.

1907 году Валентин Серов совместно с художником Львом Бакстом предпринял путешествие в Грецию. Поездка была вызвана заказом по росписям зала Греческой архаики в Музее изящных искусств. В Греции у Серова родился замысел картины «Похищение Европы». Он обратился к любимому художниками сюжету из античной мифологии: сцене похищения Европы, дочери финикийского царя, богом Зевсом, который в облике быка увез ее на остров Крит. Картина «Похищение Европы» по исполнении отразила эволюцию художественной манеры Серова, вобрала в себя черты искусства как древнего, так и современного. В ней слились свежие впечатления от искусства Крито-Микенской (Эгейской) культуры, тяготение к модерну и интерес к опытам фовизма. Полотно стало для Серова живописным экспериментом. Не случайно, работая над картиной до конца жизни, он так и не показал ее друзьям-художникам. Валентин Серов «Похищение Европы» холст, масло, 71 x 99 см. ГТГ, Москва.

В 1881 году Эдгар Дега выставил «Маленькую четырнадцатилетнюю танцовщицу» — восковую фигуру в настоящей балетной пачке, с настоящими волосами и атласной лентой. Критики были в шоке: одни называли работу «уродливой», другие — «обезьяной». Сегодня это одна из самых знаменитых скульптур XIX века. После смерти художника наследники заказали отливку бронзовых копий. Оригинальная восковая скульптура в 1956 году была приобретена финансистом Полом Меллоном, а в 1985 году подарена Национальной галерее искусств в Вашингтоне.  Бронзовые копии сегодня хранятся во многих музеях и частных коллекциях по всему миру.  Эдгар Дега «Маленькая четырнадцатилетняя танцовщица» 1881 Воск Национальная галерея искусства, Вашингтон

Их отношения были скандальными для своего времени. Юлия Самойлова — блистательная аристократка, наследница огромного состояния, женщина, которая не боялась бросить вызов обществу. Карл Брюллов — гений, написавший «Последний день Помпеи» и стал мировой знаменитостью. Она не скрывала связи с художником, принимала его в своём дворце под Миланом, где царила богемная атмосфера. Они путешествовали вместе, он писал её портреты, которые сегодня украшают лучшие музеи мира. Но Брюллов был человеком сложным: ранимым, сомневающимся, зависимым от творческих кризисов. Он не мог жениться на Самойловой из-за её положения? Или боялся потерять ту самую загадку, которую писал? Историки спорят до сих пор. Карл Брюллов «Портрет графини Ю. П. Самойловой, удаляющейся с бала с приемной дочерью Амацилией Пачини» (не окончена) 1842 Холст, масло. 249 x 176 см. Русский музей, С-Пб.

Виктор Борисов-Мусатов прожил короткую жизнь, всего 35 лет, но успел стать одной из знаковых фигур русского символизма на рубеже XIX–XX веков. Его стиль характеризуется приглушенными тонами, застывшими фигурами женщин в старинных усадебных парках и ощущением, что время на холсте остановилось где-то между сном и воспоминанием. Он писал темперой и пастелью, любил фактуру гобелена и фрески больше, чем глянец масляной живописи, и намеренно уходил от бытового реализма в сторону меланхоличного настроения и таинственного образа. Виктор Борисов-Мусатов «Автопортрет с сестрой» 1898 Холст, темпера, масло, 143 x 177 см. Русский музей, С-Пб

В неофициальном искусстве СССР творчество Василия Колотева занимает особое место. С самого начала творческого пути работы Колотева носили иронический и критический характер в изображении быта обывателей и повседневной жизни московских коммуналок, пивных и подворотней. Не ориентируясь на моду и коммерческий успех, художник создал уникальную серию жанровых картин, посвященных обыденности, скуке, страстишкам советского обывателя, прекрасно выразив затхлую атмосферу Москвы застойного периода и суетных надежд первых лет перестройки. Василий Колотев «Очередь» 1985 Холст, масло, 50,5 x 63 см. Частная коллекция.

В 1917 году, когда в России гремели революционные события, в Европе произошла неслучайная встреча. Темпераментный испанец Пабло Пикассо, которому уже стукнуло 35, готовил декорации к балету Сергея Дягилева «Парад». А на сцене в это время танцевала спокойная и изящная девушка из русской аристократической семьи – Ольга Хохлова. Ей было 26, и её карьера балерины потихоньку подходила к концу. Художник начал очень настойчиво ухаживать, но получил неожиданный отказ. Ольга согласилась на отношения только после того, как посоветовавшись с Сергеем Дягилевым, Пикассо сделал ей предложение. Ольга была аристократкой до мозга костей. Под её влиянием Пикассо из бедного художника превратился в респектабельного господина. Но самое удивительное произошло с его творчеством. Ольга попросила мужа рисовать её так, чтобы она узнавала своё лицо. И Пикассо, заядлый кубист, который ломал все правила живописи, вдруг вернулся к классическому реализму. Но уже к 1927 году Пикассо стало скучно. Он встретил новую музу, и брак превратился в обузу. Они разъехались в 1935 году, но развестись так и не смогли. В брачном контракте было прописано, что половина имущества художника принадлежит жене. Делить свои картины Пабло не собирался, а Ольга, будучи глубоко верующей, считала развод грехом. Последние годы жизни она превратилась в одержимую женщину, которая преследовала любовниц мужа. Сам Пикассо подливал масла в огонь, называя её истеричкой и сумасшедшей. Ольга умерла от рака в 1955 году, так и оставшись законной женой великого художника. Пабло Пикассо «Ольга Хохлова в мантилье» 1917 Холст, масло, 64 x 53 см, Музей Пикассо в Малаге. 

По преданию, жители Ковентри – подданные графа Леофрика в XI веке страдали от непомерно высоких налогов, и супруга графа – Годива неоднократно упрашивала мужа снизить налоговое бремя. Однажды на пиру, будучи сильно пьяным, Леофрик пообещал уменьшить налоги, если его жена проедет на лошади по улицам Ковентри обнажённой. Он был уверен, что это условие будет для неё неприемлемо. Однако Годива, движимая состраданием к народу, согласилась. 10 июля 1040 года она проехала через весь город верхом на лошади, прикрыв наготу лишь длинными волосами. Жители города, которые уважали её за доброту, заранее были предупреждены и в назначенное время закрыли ставни и двери домов, чтобы никто не увидел её. Лишь один житель житель Ковентри по имени Том не смог удержаться от любопытства и выглянул на улицу, чтобы посмотреть на Годиву. По легенде, после этого он ослеп. Граф был поражён самоотверженностью жены и сдержал слово — снизил налоги.  Джон Кольер «Леди Годива» 1898 холст, масло. 142,2 × 183 см Картинная галерея и музей Герберта, Ковентри

В 1926 году Пётр Кончаловский создает весьма характерное для его творческого кредо произведение – это групповой портрет. Художник изображает себя в кругу семьи. Присутствующие обращены в его сторону, а он что-то произносит с видом доброй барской важности, подчеркивая значительность сказанного жестом. Оказывается, он говорит своему сыну: «Миша, пойди за пивом!» — так называется картина. Название ее, конечно, шуточное, вызывающе-задорное. Однако за шуткой — декларация художника: «повод для картины может быть любой». Пётр Кончаловский Семейный портрет. "Миша, пойди за пивом" 1926г. холст, масло, 145 × 205,5 см. Фонд Петра Кончаловского. 

Она появилась в доме Матисса почти случайно. Сбежав от мужа, она искала работу и увидела объявление на трамвайной остановке. Поначалу Матисс не обращал внимания на эту странную русскую. А она, выросшая на классических картинах, вообще не понимала, что такого особенного в этих ярких пятнах и замысловатых линиях. Но шли годы, еë спокойствие, тонкий вкус и неброская красота покорили мастера. «Синие глаза» – один из первых портретов Лидии Дилекторской, написанный Матиссом. Полотно наполнено необычайной теплотой и нежностью, спокойствием и умиротворением. Художник продолжал писать Лидию до конца своих дней. А она была не только его преданной музой но и правой рукой. Она оставалась рядом до самой смерти великого художника.. А все работы Матисса, что художник ей подарил, и даже то, что она приобрела на выплаченное им же жалованье , Лидия передала в дар русским музеям. Анри Матисс «Синие глаза» (портрет Лидии Делекторской) 1934 Холст, масло, 46×38 см.  Балтиморский художественный музей, Балтимор

Середина 1960-х в творчестве Виктора Попкова была отмечена активным обращением к бытовому жанру, а взаимоотношения людей и эпизоды из их обыденной жизни стали для художника одной из центральных тем. Двое» – одна из самых известных картин Виктора Попкова. На сложном зеленом фоне изображены две фигуры, мужчина и женщина. Будучи вместе, они принадлежат разным регистрам картины, живут как бы по отдельности друг от друга. Каждый существует в индивидуальном колористическом пространстве. Окруженные своим цветовым ореолом как капсулой, они замкнуты, непроницаемы друг для друга, погружены в собственные переживания. Ситуацию разъединения подчеркивают позы героев, напоминающие разомкнутые объятья. По воспоминаниям современников, произведение написано художником после просмотра итальянского фильма «Нищий». Виктор Попков «Двое» 1966 Холст, темпера,  150 x 201 см. ГТГ, Москва.

Поэт Валерий Брюсов как-то сказал: «Портреты Серова – всегда суд над современниками… Собрание этих портретов сохранит будущим поколениям всю безотрадную правду о людях нашего времени» Княгиня Ольга Орлова была легендарной петербургской модницей, как сейчас бы сказали, светской дамой. По словам современников, она не отличалась ни умом, ни красотой, ни душевностью. Серов без особой охоты взялся за её портрет, но уговор есть уговор. Полотно содержит много деталей, которые дают нам намек на характер этой дамы. Художник запечатлел модель в момент ее сборов на очередной бал, подчеркнув тем самым присущую ей легковесность мыслей и чувств, все еë помыслы сосредоточены исключительно на предстоящих удовольствиях и развлечениях. Обратите внимание на руку княгини – она указывает на себя. Плюс надменный взгляд и…. нам уже ясен её характер. Ольга на портрете изображена во всем великолепии – соболиное манто, декольте, жемчуг на шее, лаковые туфельки и завершает образ абсурдно огромная шляпа. Княгиня был не так глупа и прекрасно поняла все намеки Серова, она не стала устраивать скандалы, а после смерти художника в 1911 году подарила свой портрет Музею Александра III, сейчас это Русский музей в Санкт-Петербурге. Валентин Серов «Портрет княгини О. К. Орловой» 1911 Холст, масло. 237,5 × 160 см Русский музей, С-Пб.