MIRRA

CosMoscow Наверное, вы уже в недоумении, почему я до сих пор не написала ничего о своих впечатлениях от ярмарки. И на это, как водится, есть несколько причин. Во-первых, я давно не была в Москве и на ярмарке встретила столько знакомых, с которыми хотелось пообщаться, что в какой-то момент стало понятно: внимательно посмотреть саму ярмарку мне уже не светит). И это, пожалуй, главная причина моего молчания. Боюсь быть необъективной. Во-вторых, на эти даты каким-то удивительным образом наложилось сразу несколько семейных событий. Так что не судите строго. Расскажу только о том, что успела увидеть и разглядеть в этой прекрасной суматохе. Начну с главного. Без покупок я, конечно, не ушла). Приобрела графику Михнова-Войтенко, которую ещё на «Каталоге» приметила. Тогда мы не сошлись в стоимости, но в этот раз я всё-таки решилась, а Риваз пошёл мне навстречу. А потом совершенно неожиданно для самой себя купила сразу две работы питерского титана андеграунда Бориса Кошелохова. Справедливости ради, было ещё несколько работ из других галерей, которые я для себя отметила. А пока вот такой улов). #культурмультур

Продолжаю знакомить вас с местами, которых вы не найдете в туристических справочниках. #начемоданах За бетонными стенами толщиной в метр, в самом центре Берлина, скрывается Boros Collection, одна из самых необычных частных коллекций современного искусства в мире. За коллекцией стоят Karen и Christian Boros. Christian Boros, предприниматель и основатель рекламного агентства, начал собирать искусство еще в молодости. Сегодня в их собрании работы международных художников разных поколений, созданные с 1990 года по настоящее время. Среди самых известных имен в коллекции Olafur Eliasson, Wolfgang Tillmans, Ai Weiwei, Thomas Ruff и Anne Imhof. Здание было построено во время Второй мировой войны как бункер для защиты от воздушных налетов. Позднее оно успело побывать тюрьмой, складом фруктов и легендарным техно клубом. В 2003 году Karen и Christian Boros приобрели его и превратили лабиринт бетонных помещений площадью около 3 000 квадратных метров в выставочное пространство. На крыше они построили свою частную резиденцию. Именно сочетание искусства и архитектуры делает Boros Collection особенной. Работы существуют здесь не сами по себе, а вступают в диалог с бетонными стенами, узкими проходами, лестницами и следами прошлого. Экспозиция регулярно меняется, поэтому коллекцию можно увидеть совершенно по разному. Сейчас здесь представлены работы художников разных поколений, включая Anne Imhof, Olafur Eliasson и Alicja Kwade. Посетить Boros Collection можно только в рамках экскурсии с гидом и по предварительной записи. Небольшие группы проходят через закрытые для свободного посещения помещения, исследуя этот бетонный лабиринт вместе с произведениями искусства. Получается не совсем музей и не совсем экскурсия. Скорее путешествие внутрь одного из самых необычных зданий Берлина.

Продолжаю знакомить вас с местами, которых вы не найдете в туристических справочниках. #начемоданах За бетонными стенами толщиной в метр, в самом центре Берлина, скрывается Boros Collection, одна из самых необычных частных коллекций современного искусства в мире. За коллекцией стоят Karen и Christian Boros. Christian Boros, предприниматель и основатель рекламного агентства, начал собирать искусство еще в молодости. Сегодня в их собрании работы международных художников разных поколений, созданные с 1990 года по настоящее время. Среди самых известных имен в коллекции Olafur Eliasson, Wolfgang Tillmans, Ai Weiwei, Thomas Ruff и Anne Imhof. Здание было построено во время Второй мировой войны как бункер для защиты от воздушных налетов. Позднее оно успело побывать тюрьмой, складом фруктов и легендарным техно клубом. В 2003 году Karen и Christian Boros приобрели его и превратили лабиринт бетонных помещений площадью около 3 000 квадратных метров в выставочное пространство. На крыше они построили свою частную резиденцию. Именно сочетание искусства и архитектуры делает Boros Collection особенной. Работы существуют здесь не сами по себе, а вступают в диалог с бетонными стенами, узкими проходами, лестницами и следами прошлого. Экспозиция регулярно меняется, поэтому коллекцию можно увидеть совершенно по разному. Сейчас здесь представлены работы художников разных поколений, включая Anne Imhof, Olafur Eliasson и Alicja Kwade. Посетить Boros Collection можно только в рамках экскурсии с гидом и по предварительной записи. Небольшие группы проходят через закрытые для свободного посещения помещения, исследуя этот бетонный лабиринт вместе с произведениями искусства. Получается не совсем музей и не совсем экскурсия. Скорее путешествие внутрь одного из самых необычных зданий Берлина.

CosMoscow Moskva. Есть вещи, которые хочется не просто рассматривать, а трогать, разглядывать и представлять у себя дома. Именно такое впечатление у меня от «Moskva». Так ēdomo назвали свою новую коллекцию, которую покажут на Cosmoscow. В ней очень красиво переосмыслена эстетика 70-х, но лично мне кажется, что в коллекции есть ещё и нотка так модного сегодня ар-деко. При этом это совсем не история про ретро. Скорее, про современный взгляд на то, что мы помним и любим из той эпохи. Основатели ēdomo Диана Даниели и Мишель Левиев специально для Cosmoscow сделали несколько новых предметов. Пока я видела их только на фотографиях, но уже жду не дождусь встречи с ними вживую. Всё производство ēdomo делают сами, поэтому за дизайном здесь чувствуется ещё и большая работа с материалами, фактурами и деталями. Также, на стенде будет представлен фотопроект Евгении Вайнштейн BARESOUL ( с английского, «Душа наизнанку»). Это фотографии, снятые в дикой природе Австралии. Если будете на Cosmoscow, обязательно загляните на их стенд. Даю наводку: стенд D05. Мне кажется, там будет не только на что посмотреть, но и что купить. И маленький совет: присмотритесь к зеркалам. Мне кажется, они могут вписаться практически в любой интерьер, а могут и вовсе стать его отправной точкой.

Кто такая Venetia Scott и почему о ней стоит знать? Venetia Scott одна из тех фигур в британской моде, чьё влияние сложно свести к одной профессии. Она была стилистом, fashion редактором, креативным директором, а затем стала фотографом. Во всех этих ролях она создавала очень узнаваемую эстетику. Свою карьеру она начала в British Vogue в 1984 году ассистенткой Grace Coddington. Позже работала с такими фотографами, как Juergen Teller, David Sims, Mario Sorrenti и Helmut Newton, а в 2001 году стала креативным директором Marc Jacobs. В 2017 году её назначили Fashion Director британского Vogue. Параллельно Venetia Scott развивала собственную фотографическую работу. Её фотографии появлялись в British Vogue, American Vogue, Vogue Paris, W, i D, Dazed & Confused и других изданиях. Её фотографии легко узнать. В них есть ощущение непосредственности, естественный свет, винтажная атмосфера и намеренная несовершенность. Это скорее наблюдение за человеком и создание его мира, чем классическая глянцевая fashion съёмка. Именно поэтому так интересно заглянуть в её собственный дом в North Kensington. Бывшее почтовое отделение Venetia Scott превратила в дом студию, где винтажная мебель, дизайн 1970 х, найденные предметы и личные вещи существуют рядом с рабочим пространством. По сути, интерьер продолжает её визуальный ряд. Он немного эксцентричный, очень личный, собранный из разных эпох и совершенно не стремится к идеальной картинке. Многие её съёмки для British Vogue рождаются именно здесь, в пространстве, которое одновременно является домом, студией и частью её творческого мира. Интерьер опубликован в сентябрьском номере AD Italia. #домазнаменитостей

Сентябрь подкрался незаметно. Goodbye summer 😭

Такое интересное решения скрытого бара от Ольги Мальевой. #интерьерныелайыхаки

Вот такая интересная столовая. Очень неожиданное решение, позволяющее снивелировать длинное и узкое пространство. Ну а светильник это что то. 🙂 #интерьерныелайфхаки

Польские дизайнеры мне очень нравятся. В этой квартире площадью 100 м², расположенной в исторической вилле Heinrich Dunkel в Sopot, Agnieszka Kossowska объединила характер оригинальной архитектуры с современным дизайном. И им это удалось! Еще интересно то, что это как будто стилизация, которая настолько самодостаточна и органична, что просто диву даешься. #интерьердня

«Жизнь слишком коротка, чтобы тратить её на днеты, жадных мужчин и плохое настроение». Фаина Раневская. 27 августа ей бы исполнилось 130 лет. Одна из моих самых любимых актрис. «Муля, не нервируй меня» и её афоризмы до сих пор живут в нашей семье. А если серьёзно, Раневская могла сказать такое, после чего хотелось либо срочно записать цитату, либо пересмотреть собственную жизнь. В общем, женщина была огонь. Только огонь с сарказмом, характером и лёгким презрением к человеческой глупости. И ведь самое интересное: она была права. Почти всегда. И всем приятных выходных 🙂 #культурмультур

И снова работа нашего дизайнера. 47,8 метров в Art Residence. Квартира, которую дизайнер Сергей Черкасов сделал для Заказчицы. Не пишите, что она не маленькая, пожалуйста. Она маленькая. Но! Несмотря на свой скромный размер, вполне себе самодостаточная. И да! Я здесь вижу работу дизайнера. Ну, во первых, достаточно смелая для такого метража цветовая гамма. И к тому же в последних трендах. Плитка кабанчик тоже модная и весьма современная. Обратите внимание, что пол в ванной комнате тоже выложен не традиционной крупноформатной плиткой. Мне это тоже понравилось. Бархат в обивке выглядит богато и стильно. А знаете, что лично меня подкупило в этом интерьере? Очень заметно, что дизайнер подошел к его созданию вдумчиво. Не взял просто отделочные материалы и предметы мебели, как это, к сожалению, довольно часто бывает, а подумал. И это очень ценно. #интерьердня

Очень классный проект от SD Studio. Сначала просто рассматривала, потом полезла проверять авторство. Потом проверила ещё раз. Это точно российские дизайнеры? Вот за такие проекты особенно приятно гордиться нашими. #интерьердня

CosMoscow Прочитала интервью Маши Севастьяновой, которая входит в экспертный совет ярмарки по секции «Дизайн». Удивилась, если честно, что на предыдущих ярмарках заправлял бразильский модернизм. Я лично видела его только на одном стенде. Но надо отдать должное, он был хорош. По поводу замечаний к интерьерному оформлению стендов, с чем я лично не совсем согласна, я бы перефразировала это замечание следующим образом. Галереи, которые торгуют и искусством, и дизайном, что само по себе уже не совсем правильно, и не смогли попасть в секцию «Искусство», идут в секцию «Дизайн» и, естественно, продолжают торговать картинами. Не хочу рассуждать на тему качества, но «борьба» экспертного совета с этим явлением в прошлые годы успехом не увенчалась. Посмотрим, что будет в этом году. Как мне кажется, экспертному совету справиться с этим вполне по плечу. Было бы желание. Да, у нас не Design Miami. Но все же. Уровень представленного был, мягко говоря, не очень. Некоторые галереи выставляют одни и те же предметы из года в год. Стенды с историческим дизайном были больше похожи на Wonder Box. И то, и это, и все, что душе угодно, без особой концепции. Кстати, на их фоне выгодно отличались отечественные стенды, которые как раз были концептуальны. Назваться галереей дизайна, чтобы попасть на ярмарку, у нас просто. Арт галереи все время что то организуют, делают выставки, ведут просветительскую деятельность, поддерживают художников, тратят на это деньги и время. И более того, именно эта деятельность делает галерею галереей, а не мебельным магазином, которые в прошлом году тоже присутствовали. Мне кажется, так будет правильнее. И экспертному совету надо бы обратить на это внимание, чтобы не потерять статус действительно классных и действительно галерей, которые тоже участвуют. Пишу об этом еще и потому, что коллекционный дизайн у нас пока диковинка, и что это за зверь, знает далеко не каждый, кто посещает ярмарку. И отдельно об экспертизе. Никто из галерей исторического дизайна не готов предоставлять сертификаты подлинности. Что само по себе тоже так себе история, учитывая количество высококлассных фальшаков на эту тему. #культурмультур На фото стенды на Дизайн Майами этой весны

К предыдущему посту. 🆙 Вот, чтобы не быть голословной, приведу пример того, как я вижу этот приём. Богатая лепнина. Богатый свет. Имею в виду именно материалы изготовления: мурманское стекло, латунь, никаких галогенов. В мебели должна быть лёгкая отсылка к классике, но в современной интерпретации. И яркие футуристические моменты. Как вам?

Возвращаюсь к интерьерной теме и рубрике #разборка. И вот на фото мы снова видим пример интерьера, построенного на приеме классической базы и современного наполнения. Прием сам по себе очень классный. Но! Если уж вы решили его использовать, то, как говорится, надо идти до конца. Здесь нужен контраст. Такой прием не работает, если вы взяли классики чуть-чуть. Нужно больше лепнины, более выразительная мебель и еще один тонкий момент. Мебель из фабричных каталогов в этом приеме просто не смотрится. Нужно брать коллекционный дизайн, современный или винтажный, тут уже на ваш вкус. Но не фабричную мебель однозначно. В данном проекте, хорошем проекте, очень качественно сделанном и добротном, мне не хватает смелости. Лепнина выглядит бутафорией. При таком приятном цвете стен я вообще не понимаю этот сине-белый потолок, да еще и с галогенами. Ну а этот световой фонарь в холле? Когда уже наши дизайнеры перестанут использовать подсветки потолка и штор просто потому, что это можно сделать? При отсылке к классической основе такие приемы здесь совершенно неуместны. Они годятся для ультрасовременных минималистичных интерьеров, и то очень осторожно. Еще не могу не сказать про люстры. Я вообще ярый противник галогеновых светильников, а здесь они совсем не к месту. И вот что интересно. Даже если убрать отсылку к классике, эту скромную раскладку и кусочки лепнины, интерьер станет намного более органичным и цельным. Иногда проблема не в самом приеме. Проблема в том, что его просто не решились довести до конца. Чуть-чуть классики еще не классика. А что думаете вы? Согласны со мной или считаете, что здесь классики достаточно? Пишите ваше мнение в комментариях.

Её с нами не стало. Yayoi Kusama умерла 14 августа 2026 года в Tokyo. Ей было 97 лет. О смерти объявили только сейчас. До последних дней она продолжала работать в своей студии. Наверное, трудно представить современное искусство без её красных париков, платьев в горошек, тыкв и бесконечных зеркальных комнат. Yayoi Kusama стала одной из самых узнаваемых художниц XX и XXI века, хотя её путь к этому признанию был совсем не простым. Она родилась в 1929 году в Matsumoto. Ещё в детстве Yayoi Kusama начала видеть то, что позже превратилось в основу её художественного языка: цветы и узоры, которые словно распространялись по стенам, потолку, её телу и всему окружающему пространству. Она рисовала увиденное, пытаясь справиться с этими переживаниями. В 1957 году она уехала в New York, где оказалась в центре авангардной художественной сцены. Именно там появились её знаменитые Infinity Nets, полотна, покрытые бесконечным повторением маленьких дуг и точек. Но точки для неё никогда не были просто красивым декоративным приёмом. Они были способом говорить о бесконечности, исчезновении собственного «я» и попытке растворить границу между человеком и окружающим миром. В 1966 году Yayoi Kusama приехала на Venice Biennale и представила Narcissus Garden, состоящий из 1 500 зеркальных шаров. Она продавала их посетителям по $2 за штуку, предлагая купить собственное отражение. Инсталляцию в итоге остановили организаторы. Её путь был полон подобных жестов. Она устраивала перформансы, работала с темами секса, тела, смерти и самоуничтожения. При этом долгое время её идеи не получали того признания, которого она заслуживала. В 1973 году Yayoi Kusama вернулась в Японию. С 1977 года она добровольно жила в психиатрической больнице в Tokyo, а каждый день работала в своей студии неподалёку. Позднее пришла мировая слава. Infinity Mirror Rooms, Pumpkin, бесконечные точки и яркие инсталляции превратили Yayoi Kusama в глобальную культурную икону. Её работы оказались в крупнейших музеях мира, а сотрудничество с Louis Vuitton сделало её визуальный язык узнаваемым даже для тех, кто никогда не интересовался современным искусством. И всё же за этой невероятно яркой эстетикой всегда оставалась довольно тревожная история. История художницы, которая превратила свои страхи, видения и ощущение бесконечности в искусство, которое сегодня знают миллионы. Мне особенно важно, что до самого конца Yayoi Kusama продолжала работать. Как будто для неё искусство действительно было не профессией, а способом существовать. Её больше нет, но её бесконечность осталась. На фото: Yellow Tree Mobiliar, 2002, Aichi Triennale, 2010 Yayoi Kusama с картинами серии Infinity Net в своей студии, 1960 GIVE ME LOVE, 2015 An Animal, 1952 Pumpkin, 1991 Every Day I Pray for Love, 2023 #культурмультур

Вдохновение На фото Yves Saint Laurent и Sibyl Buck рядом с картиной Fernand Léger «Le profil» 1928 года в квартире Saint Laurent на Rue de Babylone. Вокруг Saint Laurent всегда было ощущение человека, который смотрит на искусство очень лично и выбирает только то, что действительно в его вкусе. Saint Laurent особенно сильно любил и вдохновлялся работами Fernand Léger. Его коллекция была наполнена картинами и рисунками французского художника. «Le profil» занимала особое место, поскольку попала к Saint Laurent непосредственно от жены Léger. В квартире на Rue de Babylone она находилась в самом центре внимания, в парадном салоне. Увлечение Saint Laurent творчеством Léger началось задолго до этой фотографии. В 1981 году он создал осенне зимнюю коллекцию, непосредственно вдохновлённую узорами и цветами Léger. Рядом с ним в качестве источника вдохновения был и Matisse, ещё один из любимых художников Saint Laurent. Особенно интересно видеть, насколько живо перекликается палитра картины с эстетикой самого Saint Laurent. Чёрный и белый здесь соединены с охрой, коричневым и сине фиолетовым. Очень точное, немного неожиданное сочетание цветов, которое вполне могло быть создано самим Saint Laurent. После смерти Saint Laurent картина была продана вместе с коллекцией Saint Laurent и Pierre Bergé в 2009 году. «Le profil» ушла за 3,5 миллиона евро. Пара монументальных ваз Jean Dunand, стоявших по обе стороны дивана, была продана за 3 миллиона евро. Фотография Jean-Marie Périer, 1995 год. #домазнаменитостей

Peggy Guggenheim Меценат, коллекционер, женщина, которая произвела революцию в мире искусства. Сегодня ей исполнилось бы 128 лет. Для меня одним из самых важных фактов из яркой и бурной жизни Peggy Guggenheim остаётся её поведение во время Второй мировой войны. Когда Германия вторглась в Польшу в 1939 году, Peggy Guggenheim, к слову, еврейка, а тогда, сами понимаете, это было немаловажно, оставалась в Париже. Вокруг неё были художники эмигранты и авангардисты: Marcel Duchamp, Max Ernst, Wassily Kandinsky, Salvador Dali, Alberto Giacometti. Почти все они находились под угрозой: евреи, политические беженцы, люди, чьё искусство нацисты объявили «дегенеративным». Peggy решила спасать не только картины, но и самих художников. Именно тогда она установила для себя правило: покупать одну картину в день, чтобы поддержать художников деньгами и уберечь их работы от уничтожения. Duchamp помогал ей выбирать и оценивать произведения. В эти месяцы она приобрела десятки ключевых полотен: Picasso, Braque, Kandinsky, Dali, Magritte, Ernst и других. Когда немцы вошли во Францию, коллекция Guggenheim оказалась под угрозой. Картины, принадлежавшие «еврейке Guggenheim», могли быть конфискованы и уничтожены. Она упаковала их как «домашнюю утварь» и тайно вывезла через Бордо в нейтральный Лиссабон, один из последних свободных портов Европы. Ernst в то время находился во французском лагере как «вражеский подданный». Peggy использовала свои связи и деньги, чтобы добиться его освобождения и вывезти из страны с фальшивыми документами. Фактически она его выкупила. В Нью Йорке в 1942 году она открыла галерею Art of This Century, ставшую убежищем для спасённых европейских художников и лабораторией нового американского искусства. Интересно, что там она использовала необычные экспозиционные методы: зеркала, вращающиеся стенды и подсветку, которая буквально оживляла картины. Эта галерея стала одной из первых, где активно выставляли американский абстрактный экспрессионизм, включая Jackson Pollock, которого Peggy фактически помогла открыть широкой публике. Здесь же выставлялись Rothko, Motherwell и другие будущие иконы послевоенного авангарда. Peggy Guggenheim спасла не просто картины. Она сохранила мост между Европой и Америкой, между разрушением и творчеством. Без неё история модернизма могла бы выглядеть совсем иначе. #культурмультур

Когда я рассматривала фото этого интерьера, я была уверена, что это очередная роскошная квартира где нибудь в Ист Сайде. Но нет! Это 64 кв. м. в Варшаве! Дизайнер Albert Judycki. Я твердо уверена и много раз уже об этом писала и приводила примеры, что даже самая маленькая квартира достойна быть красивой. Красивой в том смысле, что она должна быть не только тщательно продуманной, но и эксклюзивно оформленной. Наполненной совершенными сокровищами, начиная от коллекционной мебели и заканчивая значимым искусством. И вот вам еще один яркий пример. Из интересного: Ну опять таки кухня. Сама рабочая мебель выше всяких похвал. Очень модно и стильно. Но главное даже не это. В этом небольшом пространстве дизайнер сумел как будто разделить две зоны: саму кухню и столовую. Он создал потрясающую, очень уютную столовую благодаря диванчику и стеновой конструкции из дерева, которая очень классно контрастирует с минималистичной стальной кухней. Еще очень интересное решение дверных проемов. Берите на заметку. Ну и плиточка. Опять квадратики, на сей раз марокканские, опять таки на заказ. Ковер на стене. И об этом тренде мы уже знаем, но напоминаю! И много, много деталей… #интерьердня