نوای نی

موسیقی در گذر زمان از وقتی که انسان نطفه اش در بطن مادر بسته میشود با ریتم خاصی شروع به تقسیم سلولی میکند و رشد میکند،این تقسیم همیشه در وجود انسان هست،حتا وقتی که گوش در کودک رشد میکند، گوش یکی از عضوهای بدن انسان است که در بطن مادر تکامل پیدا میکند، با صدای مادر صدای پدر صدای ضربان قلب مادر، و این تقسیم زمان در وجود کودک نهادینه میشود بشکلی که صدای مادر را به نسبت بقیه صداها بیشتر درک میکند و میشناسد، ما با گوش دادن به موسیقی،گوش خود را تربیت میکنیم،حال ممکن است موسیقی خوب باشد یا موسیقی بد، چند نوع گوش در انسانها وجود دارد که باعث بهتر یا بدتر شنیدن میشود،منظور از بهتر و بدتر همان دقت در سونوریته صداهاست که نت ها در گوش با ترتیب درست و خوب و میزان دقیق کوک رابطه مستقیم دارد، بعضی از گوش ها چنان دقت بالایی در تشخیص فرکانس های بالا و پایین دارند که به آنها گوش های طلایی گفته میشود، وضعیت پرده گوش عامل مهمی در تغییر شدت یا غربال‌گری طیف محرک صوتی محسوب می‌شود، عامل مهم در دقت شنیداری افراد را همین پرده گوش میانی و بعد سه استخوان چکشی شکل در گوش داخلی تشکیل میدهد، مهم ترین عامل برای درک موسیقی،گوش است که باید از آن بدرستی مراقبت شود، این مراقبت هم فیزیکی است هم شنیداری، که البته کار درست تشخیص دادن نت ها را مغز تشخیص میدهد که آن هم بحث مفصلی دارد، گوش فقط کار انتقال را انجام میدهد،مانند رسانای خوب و بد عمل میکند،طلا رسانای بسیار خوبی است،بخاطر همین متخصصان گوش از اصطلاح گوش های طلایی استفاده میکنند، معمولا در جریان ضبط استودیو شخصی بعنوان ناظر ضبط انتخاب میشود،به این خاطر که در تیم، گوشش از بقیه دست اندرکاران ضبط و تولید موسیقی، تفکیک نت های فالش و نا کوک را درست تر و دقیق تر تشخیص میدهد،که معمولا اکثر کسانی که از آلبوم های موسیقی لذت میبرند نمیدانند کار ناظر ضبط چیست، این کار به چند بخش تقسیم میشود که مهمترین آنها کوک سازها و همچنین مترینگ کار است، مترینگ همان وزن یا ضرب است که با استفاده از دستگاهی به نام مترونوم نواخته میشود که نوازنده های حرفه ای با آن تمرین میکنند که بتوانند تقسیم زمان را دقیق انجام دهند و گوش را عادت به درست شنیدن وزن یا ضرب قطعات کنند، تمام این کارها با گوش انجام میشود، پس نگهداری از گوش برای هر شخصی باید یک اولویت باشد چون اگر آسیبی به این عضو مهم وارد شود قابل جبران نیست، موسیقی در دوران عصر حجر هم وجود داشته،که با کوبیدن دو جسم به یکدیگر شروع شد و کم کم تکامل یافت و تبدیل به آلات موسیقی شد که ما امروزه با آنها آشنا هستیم، همانطور که در برنامه های مستند دیده ایم،در آیین های سنتی اقوام جهان ریتم جایگاه عمده ای را به خود تخصیص داده که نشانه همان ضربات اولیه بشریت بر روی اجسام است،که بعد با تربیت بیشتر گوش تبدیل به تشخیص فرکانس های بلند و کوتاه و همچنین امواج شکسته و امواجی با شکلی منحنی شد،که از آنها اصوات موسیقی پدید آمد و بر اساس کنجکاوی بشر این اصوات تبدیل به صداهای مفهومی تری شدند که با آنها ملودی را بوجود آوردند،که باز هم ته مانده این اصوات مفهوم دار را میتوان در مناسک قبایل جهان دید که بعضا در حال نابودی هستند، برمیگردیم به کار ناظر ضبط، تا حدودی میشود کار رهبر ارکستر را تشبیه کرد به کار ناظر ضبط ولی با دقت بیشتر،چون موسیقی ضبط شده در استودیو با استفاده از میکروفن هایی با ضریب دقت بسیار بالا کوچکترین فالشی و آریتمیکی را در ملودی ثبت میکنند،و وقتی تمام خطوط ضبط شده را باهم پخش کنیم،یک گوش دقیق میتواند آنها را تشخیص و از هم تمیز دهد، اینکار نیاز به سالها تجربه و تمرین و ممارست زیاد دارد که بعضا در آلبوم ها و ترک های ضبط شده نادیده گرفته میشود و معرفی درستی ازین کار ارائه نمیشود در صورتی که یکی از مهم ترین بخش های تولید موسیقی محسوب میشود نوای نی🎶 @neynamee

هاردکیس نی چرمی ظرفیت ۱۵ عدد تا کوک دو بلند داخل مخمل کار شده قیمت ویژه برای اعضای کانال 09127463496 09191508878

«نقش موسیقی در تسکین درد»🎼   موسیقی بخش مهمی از ناخودآگاه ذهن ماست. برای هر کدام از ما، بارها پیش آمده که بدون آن که دقت کنیم یا آگاهانه خواسته باشیم به زمزمه ترانه، آواز یا آهنگی که علاقه داریم، پرداخته ایم. گاهی از مرور یا زمزمه موسیقی در ذهن مان واکنش های دفاعی در برابر ترس، دلهره یا دیگر احساسات منفی ساخته ایم و برای پرت کردن حواسمان از رخدادهای نا مطلوب پیرامون خود به موسیقی روی آورده ایم.  مطلب زیر ترجمه ای ست از مقاله ای که به طور خلاصه به بررسی نتایج پژوهش های مختلفی که در زمینه نقش موسیقی در تسکین درد انجام شده است می پردازد.                                     آیا تا به حال سعی کرده اید که درد خود را با گوش دادن به موسیقی التیام بخشید؟ من این کار را کرده ام مثلا برای اینکه حواسم را از درد کوتاه اما گزنده آمپول زدن یا خون دادن پرت کنم آهنگی را برای خودم خوانده ام.  این استراتژی به من کمک می کند که دردی که احساس می کنم را فراموش کنم و البته پژوهش ها نیز ثابت کرده اند که دیگران نیز در کاهش درد از این رویکرد بهره برده اند.  در سال های گذشته پژوهش های زیادی به رابطه بین موسیقی و درد پرداخته اند. مطالعات پژوهشی گروهی به شواهدی دست یافته اند که فایده استفاده از موسیقی به عنوان ابزاری برای مدیریت درد را تأیید می کند.  برای مثال، در سال 2012 مطالعه ای مروری از هفده پژوهش که بین سال های 2005 و مارس 2011 صورت پذیرفته بود نشان داد که سیزده مورد از این هفده پژوهش به این نتیجه رسیدند که شرکت کنندگان در این پژوهش ها (که عبارت بودند از زنان در حال زایمان، بیماران مراقبت های ویژه، بیماران تحت درمان و جراحی شده) با گوش کردن به موسیقی درد کمتری را احساس کردند.  نویسندگان این مطالعه مروری توضیح می دهند که نتایج ترکیب شده این پژوهش ها تأیید کننده استفاده از موسیقی به عنوان رویکردی کمکی برای کنترل درد در بزرگسالان بستری شده در بیمارستان است. بهره گیری از موسیقی مطمئن و ارزان است و اقدامی مراقبتی و مستقل به شمار می رود که می توان آن را به آسانی در برنامه مراقبتی روزانه بیماران جای داد.  علاوه بر این، نویسندگان مقاله ای مروری درباره بهره گیری از موسیقی در مراقبت های تسکین درد به این نتیجه دست یافتند که موسیقی می تواند کیفیت زندگی بیماران سرطانی را، با کاهش درد، کاهش اضطراب و تغییرات خلقی بهبود بخشد.  بررسی پژوهش های چندگانه ثابت کرد که موسیقی نه تنها احساس درد بیمار را کاهش می دهد بلکه نیاز آن ها به استفاده از مسکن را نیز تضعیف می کند. البته این تحلیل و دیگر بررسی ها اذعان داشته اند که علیرغم نتایج امیدبخشی که وجود دارند پژوهشگران هنوز باید داده های بیشتری برای حمایت از استفاده از انواع خاص مداخله موسیقایی و همچنین استفاده از موسیقی برای تسکین درد با گروه های مختلف مردم استفاده نمایند.  درست است که گوش دادن به موسیقی می تواند در حالت کلی درد را تسکین بخشد اما علایق شخصی نیز می تواند تعیین کننده میزان تسکین بخشی قطعاتی که فرد به آن ها گوش می دهد باشد.  در پژوهشی جدید که در آن پژوهشگران هم میزان لذت بخشی موسیقی و هم میزان احساس درد را اندازه گیری نمودند این نتیجه حاصل شد که هرچه شنوندگان موسیقی را لذت بخش تر می یافتند، احساس درد نیز در آن ها کمتر می شد. عامل های دیگر نیز می توانند بر کارآیی موسیقی تأثیر گذار باشند. برای مثال، پژوهش نشان می دهد که زمانی که افراد فعالانه به موسیقی گوش می دهند (ذهنشان با موسیقی درگیر می شود) درد کمتری احساس می کنند تا وقتی که غیر فعالانه به موسیقی گوش می دهند (تنها موسیقی را می شنوند). به دلیل علایق شخصی و تنوع مداخله موسیقایی که در پژوهش ها مورد استفاده قرار گرفته است، هیچ کس نمی تواند قطعا بگوید که همه باید به یک قطعه یا ژانر مشخص موسیقی گوش بدهند تا درد خود را تسکین دهند.  هر فردی باید ببیند که از چه موسیقی لذت می برد و سپس به آن گوش دهد. اگر به دنبال راهنمایی بیشتری در این زمینه هستید، به این پیشنهاد ها که از طرف یک موسیقی درمان مطرح شده است توجه کنید: «این که موسیقی که انتخاب می کنید تکانتان دهد نکته مهمی است اما همچنین سعی کنید که به دنبال قطعاتی باشید که از ارکستراسیون و خواننده های محدودتری برخور دارند، تمپوی آرامی داشته باشند اما پالسشان نیز به اندازه کافی قوی باشد تا از آن به عنوان عاملی خارجی برای متمرکز کردن تنفستان بهره بگیرید». شاید این توصیه ها به دردتان بخورد شاید هم به دردتان نخورد اما در هر صورت قطعا به توصیه اول عمل کنید یعنی به دنبال قطعاتی باشید که برایتان «تکان دهنده» است. صرفنظر از نوع موسیقی که انتخاب می کنید، سعی کنید که هم یشه اهنگ هایی را برای مواقعی که درد به سراغتان می اید, انتخاب کنید... نوای نی🎶 @neynamee

مشخص کردن علاقه فرزند                         برای پیدا کردن اینکه فرزند شما به چه سازی علاقه دارد و یا از چه سبک موسیقی بیشتر لذت میبرد، بکار بردن پیشنهادهای زیر می تواند مفید واقع شود : 1- امکان گوش دادن و مشاهده نحوه نواختن انواع سازهای ممکن را بدون آنکه او متوجه شود شما هدف خاصی را دنبال می کنید برای او فراهم نمایید. 2- هنگامی که با هم از رادیو ضبط به موسیقی گوش می دهید و یا به کنسرت رفته اید راجع به سبک موسیقی – کلاسیک، اصیل، پاپ و … – با او صحبت کنید. 3- فقط به فکر انتخاب ساز نباشید، موارد دیگری نیز مهم است. بعنوان مثال هنرجویان کودک گیتاربیس به مراتب کمتر از هنرجویان کودک فلوت یا ریکوردر هستند. ممکن است با فرستادن فرزند خود به کلاس گیتار بیس – که به احتمال زیاد خلوت است – ذوق موسیقی در او کمرنگ شود حال آنکه اگر به کلاس فلوت فرستاده می شد به علت شرکت بیشتر هم سن و سالهای او، علاقه به موسیقی در او متبلورتر می گشت. 4- قبل از قول دادن به کودک که فلان ساز را برایش خواهید خرید از قیمت آن مطلع شوید تا با بودجه شما هماهنگی داشته باشد. 5- به احتمال زیاد فرزند شما در اوایل کار از دشوار بودن یادگیری شکایت خواهد کرد، توجهی نکنید و تنها سعی کنید او را تشویق به یادگیری کنید. 6- تجربه نشان داده است که سازهایی مانند ریکوردر یا پیانو برای شروع کار کودکان مناسبتر هستند و برعکس سازهای مضرابی یا آرشه ای دشوار تر، لذا جز در موارد خاص سعی نکنید که این قانون را زیر پا بگذارید. پس از چند سال تمرین و آشنایی با موسیقی فرزند شما می تواند ساز اصلی خود را انتخاب کند. 7- علاوه بر همه موارد بالا باید دقت کنید که آیا در منزل خود فضای نگهداری ساز را دارید یا خیر؟ و اینکه سر و صدایی که این ساز ایجاد خواهد کرد آیا ممکن است مزاحم زندگی دیگران شود؟ شاید قبول نکنید ولی همین موضوع اخیر می تواند مانع تمرین و پیشرفت فرزند شما شود.  نوای نی🎶 @neynamee

یکی از سوالاتی که اکثریت والدین بالاخص در این فصل از ما میپرسن اینه که میخوایم فرزندمون رو کلاس موسیقی بزاریم اما نمیدونیم به چه سازی علاقه داره؟! کدام ساز بدون تردید همه ما انسانها به موسیقی علاقه دایم و توانایی یادگیری آواز خوانی و حتی نواختن سازرا کم و بیش دارا هستیم. بخصوص هنگام نوجوانی این علاقه فطری برای یادگیری بیشتر در درون ما جلوه میکند. بسیاری از پدران و مادران که در دوران کودکی و نوجوانی توفیق یادگرفتن یکی از شاخه های هنر موسیقی را نداشته اند، هم اکنون با علاقه به موسیقی گوش می دهند و در عوض سعی میکنند تا فرزندان خود را از فراگیری این هنرروح نواز محروم نکنند. کدام ساز اولین سئوال برای هنرآموز یا والدین او این است که کدام ساز را آموزش ببیند و یا اینکه به رشتهخوانندگی قدم بگذارد؟ کارشناسان آموزش موسیقی معتقد هستند که : “نوع ساز به هیچ وجه مهم نیست، نباید انتظار داشته باشید که فرزند شما همانند فلان موسیقی دان مهارت ساز زدن پیدا کرده و الگوهای قدیمی را دنبال کند. مهم آن است که فرزند شما بتواند با ساز انتخابی ارتباط برقرار کند و بتواند نوآوری های جدیدی در نواختن یا استفاده از ساز داشته باشد، موفقیت یعنی همین.” امروزه اغلب کودکان با سازهایی مانند ویلن، ریکوردر و یا پیانو در شاخه غربی و با سازهایی چون سه تار و سنتور در شاخه ایرانی کار را آغاز می کنند. اما نکته مهم آن است که بتوان در مدت فراگیری، تشخیص داد که آیا کودک با ساز خود ارتباط لازم را برقرار کرده یا خیر؟ اگر کودک شما بی صبرانه منتظر فرا رسیدن زمان کلاس خود می شود و یا اغلب با ساز خود خلوت می کند شک نکنید که انتخاب درستی انجام داده اید. نوای نی🎶 @neynamee

میکس و مسترینگ چیست؟ چرا هنوز خیلی از شما ها نمیتونید میکس و مستر کنید ؟ هرچند این کار را به ظاهر انجام میدید ولی تو دل خودتون هیچوقت راضی نیستید . و صدای خروجی آهنگهاتون نسبت به آهنگهای استاندارد دیگه متفاوته . چرا همیشه هنگام خروجی گرفتن، از کارهاتون دلسرد میشید و یه لحظه افسردگی میاد سراغتون ؟ (بذارید قضیه رو روشن کنیم ) تعریف کوتاه از میکس : میکس به فرایندی گفته می‌شود که چندین صدا و آوای ضبط ‌شده‌ی گوناگون؛ در یک یا چند کانال ادغام می‌شود. آمیختن آواها معمولاً در استودیوهای ضبط به عنوان بخشی از ساخت یک آلبوم انجام می‌شود.این کار را مهندس آمیختن صدا انجام می‌دهد؛گرچه هر هنرمندی که قادر به آمیختن صداها باشد می‌تواند انجامش دهد.این فرایند معمولاً به دنبال ضبط آواها و صداهای مختلف انجام می‌شود. پس تنظیم همه ی کانال ها از لحاظ فرکانس ، رنگ ، زیروبمی و … نسبت به کاناهای دیگه در این مرحله انجام میشود. به عبارتی دیگر یکدست کردن همه ی کانال ها از لحاظ آیتم های شنیداری.. تعریف کوتاه از مسترینگ : مسترینگ آخرین مرحله در چرخه تولید اثر موسیقیایی قبل از تکثیر در غالب نوار مغناطیسی، CD و یا DVD می باشد. مسترینگ آخرین فرصت برای اصلاح اشکالات شنیداری اثر و همچنین رساندن کیفیت آن به حد اکثر ممکن می‌باشد به نحوی که اثر مستر شده در گستره وسیع و متنوعی از سیستم های باز پخش از آی پد گرفته تا داخل اتوموبیل، یکپارچگی و کیفیت خود را به طور نسبی حفظ نماید. از نگاهی دیگر مسترینگ به نوعی مرحله کنترل کیفی و همچنین تخصصی‌ترین و دقیق‌ترین مرحله در فرایند تولید یک آلبوم موسیقی است.اهمیت این مرحله به حدی بالاست که در کشورهای دارای صنعت موسیقی پیشرفته مراکزی مجزا صرفا جهت مستر کردن آثار موسیقی ضبط و میکس شده دایر است و مهندسی مسترینگ شاخه‌ای مجزا و تخصصی در مجموعه مشاغل مربوط به تولید موسیقی می‌باشد. مسترینگ بسیار فراتر از بالا بردن میزان Loudness و یا استفاده از اکولایزر است. با استفاده از تکنیک های پیشرفته مسترینگ امکان تغیر بالانس سازها، افزایش و یا کاهش حالت استریو در محدوده ای خاص از رنج فرکانسی، بالا بردن صدای کیک درام و همزمان محدود کردن صدای بیس، رفع صدای “س” و “ز” آزار دهنده وکال بدون تیره شدن فضای میکس و بسیاری موارد دیگر امکان پذیر است.علاوه بر موارد فوق استفاده از یک گوش متخصص، دقیق، تازه نفس و درعین حال بی طرف که درگیر مراحل ساخت اثر نبوده، کمکی شایان در تشخیص مشکلات پنهان شنیداری و رساندن کیفیت آن به حد کمال می باشد. در وهله اول مسترینگ حرفه ای نیازمند تخصص بالاست. مهندس مسترینگ دارای گوش بسیار دقیق و تیون شده بوده و با دانش فنی بالا و احاطه بر تکنیک های مسترینگ مشکلات شنیداری اثر و راه حل آن ها را به سرعت تشخیص خواهد داد. اما علاوه بر تخصص، یک گوش دقیق نیازمند محیط آکوستیکی بسیار حرفه ای و سیستم مانیتورینگ کالیبره شده و دقیق می باشد. بدون داشتن اتاقی با آکوستیک محاسبه شده و اسپیکر تیون شده و با رزولوشن بالا، انجام فرایند مسترینگ نتیجه مثبتی نخواهد داشت. مسترینگ بدون رعایت موارد فوق الذکر سبب می شود اثری که در داخل اتاق و بر روی اسپیکر شخص مستر کننده بسیار خوش صدا می نماید و از بالانس فرکانسی خوبی برخوردار است، درهنگام شنیدن در داخل اتومبیل دارای بیس بسیار بالا و غیر شفاف باشد و همین اثر در سیستم “های فای” یکی از دوستان به طور کامل بیس خود را از دست بدهد و این تنها یک نمونه از صدها موردی است که مسترینگ غیر حرفه ای مسبب آن است.. نوای نی🎶 @neynamee

بافت به معنای تعداد لایه‌های صوتی همزمان در یک قطعه و ارتباط آن‌ها با یکدیگر می‌باشد که به سه دسته تقسیم می‌شود:     مونوفونیک     پلی فونیک     هموفونیک بافت مونوفونیک اگر قطعهٔ موسیقی تنها شامل صدایی واحد با یک خط ملودیک و بدون همراهی سازی دیگر یا هارمونی باشد، آن قطعه دارای بافت مونوفونیک است. اگر به تنهایی آواز بخوانید، نوعی موسیقی مونوفونیک محسوب خواهد شد. اجرای همزمان یک خط ملودیک توسط چند ساز یا آواز خوان، همصدایی نامیده می‌شود که بافت مونوفونیکی حجیم تر و غنی تر را ایجاد می‌کند. موسیقی یک‌صدایی یا مونوفونیک به موسیقی گفته می‌شود که تنها عنصر اصلی آن یک خط ملودی می‌باشد. یک‌صدایی نوعی بافت موسیقایی شامل تنها یک بخشِ لحنی است. موسیقی در اروپا تا قرن رنسانس به صورت یک‌صدایی بود. بافت پلی فونیک اجرای همزمان چند خط ملودیک و مجزا بافت پلی فونیک را پدید می‌آورد. این بافت موسیقی را کامل تر می‌سازد و به آن بعد می‌بخشد.کانال کلید سل چندصدایی یک میزان از فوگ شماره ۱۷ در تنالیته لا بِمُل، ساخته ی.س. باخ، از کتاب Das Wohltemperierte Clavier (بخش اول)، نمونه‌ای مشهور از پُلی‌فونی کنترپوانی چندصدایی یا پُلی‌فونی، بافت موسیقایی است که در آن چند بخش صدایی غالباً با هویت مستقل لحنی به‌طور هم‌زمان اجرا می‌شود. چندصدایی شیوه‌ای است که در آن دو یا چند صدا در قالب ملودی‌های مستقل می‌باشند، که هر کدام از این ملودی‌ها حرکت و روند خاص خود را در قالب یک مجموعه دارند. این ملودی‌ها با فواصل معین (نسبت به هم) و تابع قوانین هارمونی و چندصدایی می‌باشند. دو یا چند ملودی در یک اثر چندصدایی در حقیقت عناصر و اجزای تشکیل دهنده یک اثر هستند که هم‌زمان اجرا و شنیده می‌شوند، مانند فوگ و انوانسیون.... چندصدایی از قرن نهم میلادی در اروپا مرسوم شد و تحولی بود از بافت یک‌صدایی به بافت چندصدایی. باخ که از وی با عنوان پدر چندصدایی نام برده می‌شود، جز اولین آهنگسازان و ابداع کننده‌های این شیوه به شمار می‌آید. بافت هموفونیک هنگامی که یک ملودی اصلی را به همراه هارمونی و آکوردهای آن می‌شنویم، شاهد بافت هموفونیک هستیم. یک نوازنده در حال نواختن گیتار و آواز خواندن همزمان با آن بافتی هموفونیک را پدید می‌آورد که به گوش اکثریت مردم آشنایی دارد. نوای نی🎶 @neynamee

رلیبوز:  موسیقی شاعرانه ترین ، نیرومند ترین و زنده ترین هنرهاست ، باید آزادتر از هنرهای دیگر نیز باشد.  نوای نی🎶 @neynamee  

Hamzabonam bash Naser Cheshm Azar همزبونم باش #ناصر_چشم_آذر نوای نی🎶 @neynamee

ادامه》 هرمز فرهت ویژگی های گوشه را وابسته به پنج سازمایه (شاخص) می داند:‌ پایان (فرهت،‌ پایان و نه «شاهد» را برابر تانیک در موسیقی غربی دانسته)،‌ آغاز،‌ ایست،‌ شاهد و متغیر. متغیر می تواند در بسیاری از گوشه ها وجود نداشته باشد و از چهار سازه ی نخست،‌ دو یا سه تایشان می توانند در یک گوشه مشترک باشند. مثلن گوشه ی درآمد شور می تواند دارای آغاز،‌ شاهد و پایان یکسانی باشد و از متغیر نیز استفاده نکند. هومان اسعدی ایست ها را چهار گونه می داند که به ترتیب کم شدت به پر شدت “تعلیقی،‌ موقت،‌ قطبی و قطعی” نامگذاری کرده است. (اسعدی،‌ ،‌۱۳۸۲ ۴۹) آرش محافظ دو اصطلاح دیگر را برای شخصیت گوشه پیشنهاد کرده است: “نمایان” برای درجاتی چون دو در شور سل و فا در سه گاه لا کرن و “محسوس” که “می تواند با شاهد نه الزامن نیم پرده،‌ که هر فاصله ای باشد برای درجاتی چون سیِ زیرِ شاهد در ماهور دو،‌ فای زیر شاهد در نوای سل.” (محافظ ۱۳۹۰: ۱۱۰) نام گوشه ها گوشه ی درآمد در همه ی دستگاه ها و آوازها وجود دارد و معمولن اولین یا دومین گوشه است. دیگر نام های گوشه ها گوناگونی معنایی بسیاری دارند: نام شهرها (زابل،‌ اصفهان،‌ بیات شیراز،‌ شوشتری،‌ آذربایجانی)،‌ نام های قطعه های موسیقی قدیم یا شخصیت های تاریخی و افسانه ای (خسروانی،‌ تخت طاقدیس،‌ گرایلی،‌ لیلی و مجنون)،‌ نام قوم های ایرانی یا غیر ایرانی (گیلکی،‌ بیات کرد،‌ راک هندی،‌ بختیاری)،‌ مربوط به چگونه گی ساختار تئوری گوشه مثلن نسبت به مقام مادر مانند پایین آمدن (یا شکسته شدن) درجه ی سوم در گوشه ی “شکسته” و تبدیل درجه ی ششم از نمایان به شاهد در “مخالف” که در مخالف بودن با نقش آن در درآمد است (نتل ۱۹۸۷: ۲۷)،‌ مربوط به فرمهای شعری (دوبیتی،‌ مثنوی)،‌ نشانگر احساسها (مویه،‌ سوز و گداز،‌ غم انگیز،‌ طرب انگیز)،‌ مربوط به شخصیت های دینی یا پیروان آنها (گبری،‌ مسیحی،‌ حسینی)،‌ نام شخصیت هایی که احتمالن سازنده ی آن گوشه بوده اند (مراد خانی،‌ راک عبدلله،‌ حسن موسا،‌ خلیل خانی) و بسیاری دیگر نام هایی هستند که رابطه ی مستقیم موسیقایی ندارند مانند خارا (نوعی سنگ)،‌ زیرافکند (انداختن چیزی مانند قالی)،‌ صفا (روشنی و صافی) (نتل،‌ ۲۷-۲۸،‌ ۱۹۸۷). یا گوشه هایی که نام اشان معنی دیگری ندارد و در فرهنگ های لغت به معنی “مقام موسیقی” یا “اصطلاح موسیقی” آورده شده اند (مانند سلمک و بوسلیک). نام بعضی گوشه ها بسیار قدیمی هستند (خسروانی،‌ گردانیه)‌ اما گواهی بر مشترک بودن نغمه و مقام آن ها با موسیقی پیش از اسلام وجود ندارد و بسیار احتمال دارد که دگرگون شده باشند. نوای نی🎶 @neynamee