LECTOROOM

Как смешивать краски, чтобы арбуз в акварели получился сочным На первый взгляд кажется, что с арбузом всё просто: берёшь красный — и пишешь мякоть. Но в акварели именно красный цвет чаще всего «подводит» — он быстро теряет насыщенность при высыхании и становится плоским. Поэтому Елена Базанова советует сразу работать смелее и продумывать смесь заранее. Мякоть Для сочной мякоти Елена использует сложные красные смеси: карминовую и гераневую красную, иногда добавляет рубиновую, краплак или хинакридон. Чтобы задать глубину в тенях, вводится совсем немного изумрудно‑зелёной — она не должна «заглушить» красный, а лишь утяжелить его. Здесь важно чувство меры: лишняя капля зелёного легко убивает свежесть цвета. Эффект сочности Самое «живое» в арбузе появляется не из пигмента, а из воды. По ещё влажному слою Елена добавляет чистую воду — она раздвигает пигмент, создаёт мягкие растекания и ощущение сочной, почти прозрачной мякоти. Переход к корке Чтобы мякоть не обрывалась резко, переход строится на светлых смесях: неаполитанская жёлтая + кобальт. В теневых зонах добавляется немного серого, а границы обязательно смягчаются водой — так появляется естественный переход от сочного центра к плотной корке. Зелёная корка Основу зелени дают кадмий жёлтый и кобальт. В зависимости от задачи добавляется ультрамарин или лимонная — для холодных или более тёплых оттенков. Холодные блики уходят в сторону кобальта, тёплые — в лимонную желтизну. Тёмные полосы Полосы на корке строятся на контрасте: изумрудная + карминовая или сажа газовая + охра. Оттенок всегда «настраивается» дополнительными вкраплениями — лимонной, жёлтой или фиолетового хинакридона, чтобы не получить грязь. Тени Тени в арбузе — это не просто затемнение, а сложная смесь: неаполитанская + изумрудная + фиолетовый хинакридон. Все пигменты вводятся очень дозированно, чтобы сохранить прозрачность акварели. Главный вывод: у арбуза нет одной «правильной» формулы цвета. Он живёт на балансе красного, зелёного, жёлтого и фиолетового, а также на воде, которая управляет всем этим взаимодействием. Пишите в @lectoroom_sup_bot слово АРБУЗ и пришлем вам фрагмент урока, где Елена Базанова разбирает текстуры натюрморта и ссылку на мастер-класс.

Куда деть кабачки, когда их уже никто не берёт? Для художника ответ очевиден – нарисовать! 😄**🎨** Каждый август наступает момент, когда кабачок перестаёт быть овощем и становится проблемой. Его уже жарили. Запекали. Делали икру. Отдавали родственникам. Родственники начали прятаться. И мемы! Бесчисленное количество мемов породил сезон кабачков. Но прежде чем нести очередной пакет соседям, попробуйте посмотреть на кабачок глазами художника. В XVIII веке французский ботаник Антуан Николя Дюшен несколько лет изучал тыквенные и создал 364 изображения их плодов. Большинство были выполнены акварелью: Дюшен внимательно фиксировал форму, цвет и различия между растениями. И здесь начинается самое интересное. Среди сотен этих изображений ещё не было привычного нам цукини. Современные цукини появились значительно позже. Исследователи связывают их происхождение с Италией XIX века. Получается, один из главных героев нашего августа довольно молод. Зато сегодня недостатка в натуре у художников точно нет 🙂 И кабачок, кстати, прекрасная модель. 🥒 Положите его на светлую ткань и попробуйте найти не «зелёный цвет», а все оттенки, которые действительно видите. Где поверхность холоднее? Где теплее? Как меняется цвет в тени? Как свет помогает показать цилиндрическую форму? Чем отличаются два кабачка, которые сначала кажутся одинаковыми? Можно усложнить задачу: взять два плода разной формы, один разрезать и собрать небольшой натюрморт. Обычные овощи веками становились героями искусства именно потому, что художнику важен не статус предмета, а то, как он видит форму, цвет, свет и пространство. Поэтому наш план на сезон кабачков: сначала натюрморт, потом икра 😎 А если урожай особенно удался, у вас просто появилось больше попыток 😌 Пишите в @lectoroom_sup_bot слово КАБАЧОК и пришлем подборку не менее интересных мастер-классов по живописи натюрмортов где моделями стали конкуренты кабачков на столе художника 🎨 🍉

Немного фото со съемок сегодняшних эфиров со Светланой Лансе. Вступайте в наше сообщество - https://t.me/lectoroom_community

Уже завтра два прямых эфира по ботанической живописи! Присоединяетесь к нашему ботаническому четвергу в 11 и 13 часов по мск. Подробности - https://tv.lectoroom.com/svetlana-lanse

6 августа посвятим день ботаническому искусству вместе со Светланой Лансе Сначала поговорим о том, как сегодня устроена жизнь ботанического художника. Затем перейдем от разговоров к практике и подробно нарисуем василек с живой натуры. В 11:00, бесплатная лекция «Жизнь ботанического художника» https://lectoroom.com/courses/jizn-botanicheskogo-hudojnika Светлана расскажет о выставках, книгах и иллюстраторских проектах, востребованных направлениях ботанического искусства и профессиональных сообществах. Поговорим и о том, как появление искусственного интеллекта влияет на работу художника. Эта встреча поможет увидеть, какие возможности открываются после обучения и как ботаническая живопись может стать важной частью профессиональной жизни. В 13:00, практический мастер-класс «Ботаническая живопись: василек» https://lectoroom.com/courses/botanicheskaya-zhivopis-vasilek На примере василька разберем более научную стилистику ботанической иллюстрации. Светлана покажет, как работать с живой натурой, изучать строение растения и переносить наблюдения на бумагу. Поговорим о композиции и диссекции, а затем подробно нарисуем цветок красками: от общей формы и цветовых отношений до тонких лепестков и сложной сердцевины. Можно присоединиться только к одному событию или провести со Светланой весь день: сначала узнать, как живет и развивается ботанический художник, а затем попробовать этот подход в собственной работе. Оба события пройдут 6 августа. Ждем вас!

Скоро 🫶🏼

Скоро 🫶🏼

https://lectoroom.com/courses/master-i-margarita-10-mifov Дата: 28 июля Время: 11:00 мск Формат: прямой эфир Продолжительность: 2 академических часа Завтра приглашаем вас на онлайн-лекцию Александры Щёголевой: «Мастер и Маргарита: 10 главных мифов о романе М. А. Булгакова» Поговорим о том, как создавался роман, как менялся его замысел и какие популярные версии о героях и книге со временем стали восприниматься как факты. Лекция подойдёт всем, кто любит роман, собирается его перечитать или хочет узнать больше о его истории. До встречи в эфире!

Знаете ли вы все Правила ботанической живописи?  Можно аккуратно прорисовать каждую прожилку, подобрать красивый оттенок и сделать десятки слоёв, потратив еще больше часов на одну работу. Но реализм в ботанической живописи строится на комбинаций и других решений. Вот 5 из 13 правил, которые Светлана Лансе разбирает в курсе «Ботаническая живопись 2.0. Реализм». 1. Отделяйте каждую деталь Край лепестка должен быть светлее или темнее того, что находится за ним. Без этих небольших различий сложный цветок превращается в одно большое пятно. 2. Сохраняйте природный ракурс Цветок лучше изображать так, как он растёт. Если морозник опускает головку, не стоит разворачивать его вверх только ради удобной композиции. 3. Ослабляйте дальние планы Задние листья не нужно делать темнее. Чем дальше находится объект, тем светлее, холоднее и менее контрастным он становится. Все детали сохраняются, но звучат тише. 4. Не добавляйте тень автоматически В современной ботанической живописи объект часто изображают словно зависшим на белом фоне. Жёсткая тень может привязать растение к плоскости и отвлечь от его формы. 5. Не украшайте растение вместо природы Излишне волнистые лепестки, подчёркнутые изгибы и идеальная симметрия делают работу декоративной. Современная ботаника движется к точному наблюдению и реализму. Это только пять из тринадцати правил. Напишите в @lectoroom_sup_bot слово ФЛОРА. Мы пришлём оставшиеся правила и расскажем, как отработать их на практике вместе со Светланой Лансе.

Розу не обязательно писать лепесток за лепестком В XVII веке Франсиско де Сурбаран создал небольшой натюрморт: чашка с водой, серебряная тарелка и одна светлая роза. Никакого пышного букета и декоративного изобилия. Художнику хватило одного цветка, чтобы заставить зрителя остановиться и рассматривать, как свет проходит сквозь тонкие лепестки, отражается в воде и скользит по металлу. Для современников Сурбарана роза без шипов была символом чистоты. Но даже без знания символики картина действует почти физически: вокруг становится тише. Спустя два с половиной века Винсент Ван Гог написал огромный букет роз незадолго до выписки из лечебницы в Сен-Реми. В последние недели он много работал с цветами и воспринимал цветущие растения как образ рождения и обновления. Любопытно, что розы на картине первоначально были розовыми, но со временем краска выцвела. Остались нежные светлые цветы на свежем зеленом фоне. Художники снова и снова возвращались к розам, потому что в одном цветке соединено множество живописных задач. Нужно показать мягкость и объем, прозрачность лепестков, холодные тени, теплый свет и глубину между многочисленными складками. На мастер-классе «Нежная весна» Елена Базанова показывает, как передать это акварелью без сухого перечисления каждого лепестка. Вы будете искать сложные смеси розовых, серых и зеленых оттенков, сочетать работу по сухому и по влажной бумаге, соединять цветок с фоном и постепенно создавать объем. Елена предлагает видеть пионовидную форму как чашу или полусферу, где одни лепестки обращены к свету, а другие уходят в прохладную глубину. В результате на листе появляется живой весенний этюд: легкий, воздушный и наполненный движением воды и краски. Мастер-класс длится около двух часов и подойдет тем, кто хочет увереннее писать сложные цветы, смешивать нежные оттенки и позволять акварели проявлять собственный характер. «Нежная весна. Рисуем розы акварелью с Еленой Базановой» https://lectoroom.com/courses/nejnaya-vesna

Вода в акварели: почему один уверенный слой лучше десяти исправлений В акварели вода часто портится не из-за первого мазка, а из-за попыток его спасти. Добавили тень, потом еще одну, потом начали смывать край, вернули блик, снова прошлись цветом. В итоге живопись воды становится грязной: прозрачность уходит, пигменты смешиваются на бумаге, а вместо движения волны появляется замученная поверхность. Поэтому воду лучше писать не через бесконечные поправки, а через заранее продуманную влажную заливку. Один слой здесь не значит “быстро закрасить лист”. Это значит заранее понимать, где будет свет, где тень, где теплее, где холоднее и как волна движется по форме. В мастер-классе Юлии Барминовой вода строится именно так. Сначала готовятся смеси, затем увлажняется бумага, после этого работа идет сверху вниз, пока лист держит нужную влажность. В этот момент уже некогда долго подбирать оттенок. Нужно вести живопись сразу, пока край остается мягким, а цвет свободно входит в цвет. У волны есть простая тональная логика: свет сменяется тенью, потом снова появляется свет и снова тень. Там, где вода ловит солнце, возникают теплые участки. Там, где волна проваливается или подходит ближе к зрителю, цвет становится глубже и холоднее. Для теплого ореола вокруг бликов используется кадмий оранжевый с неаполитанской желтой красной. Иногда в теплые места можно добавить желтую ганзу или гуммигут. Оранжевый здесь важен не как декоративный цвет, а как часть замеса. Если взять неподходящий оттенок, при встрече с синими и зелеными он легко даст грязь или неприятную зеленцу. Для светлой холодной воды берется Verditer Blue, фталогрин PG7 и немного неаполитанской желтой. Она приглушает лишнюю яркость и помогает сделать переход мягче. Для теней и глубины подойдет смесь индатренового синего PB60, фтало блю PB15 и фталогрина PG7. Индатреновый синий хорошо утемняет воду, но не уводит ее в серость так резко, как это может сделать индиго с черным пигментом в составе. Главное, чтобы все эти смеси были готовы до начала заливки. Когда бумага уже влажная, каждая пауза работает против вас. Лист подсыхает, край становится жестче, и поздние вмешательства начинают оставлять следы. Так появляется не “мутная вода”, а грязная живопись воды: перетертые участки, лишние пятна, потерянные блики и тяжелые переходы. Если бумага еще влажная, тень волны ложится мягко. Если она подсохла, тот же мазок даст жесткую границу. В изображении воды такая граница сразу ломает ощущение движения. Волна перестает быть живой формой и превращается в отдельное пятно. Поэтому в однослойной работе важна последовательность. Сначала кладутся теплые участки вокруг бликов, затем светлая холодная вода, потом мягкие тени волн и более насыщенный нижний участок. По мере подсыхания бумаги краску можно брать гуще. Так волны получают структуру, но не распадаются на жесткие линии. Бумага тоже сильно влияет на результат. Для такой техники нужна хлопковая бумага 300 г/м² с хорошей пропиткой. На целлюлозе пигмент легче поднимается водой и быстрее смывается, поэтому сложную водную заливку труднее сохранить чистой. Однослойная акварель требует подготовки: заранее намешанных цветов, понимания влажности бумаги и точного порядка работы. Зато именно такой подход помогает сохранить в живописи воды прозрачность, чистые переходы и ощущение движения. В мастер-классе Юлия Барминова показывает, как писать воду, волны, блики и отражения в один слой: от первых теплых участков до холодной глубины и финальных деталей. Смотрите урок на Lectoroom https://lectoroom.com/courses/seawatercolor?utm_source=tg

Как Томас Гёртин работал с акварелью и чему у него можно научиться сегодня Томас Гёртин прожил всего 27 лет, но успел изменить отношение к акварели. В его руках она перестала быть только лёгкой зарисовкой и стала самостоятельной живописью: с воздухом, глубиной, сильным тоном и большим пространством. Самое ценное в его методе для современного художника: он начинал не с деталей. Сначала Гёртин искал световую ситуацию. Где главный свет? Где большая тень? Как воздух связывает небо, воду, землю и архитектуру? Перед цветом он часто работал через тон: монохромные размывки помогали понять, держится ли композиция без сложной палитры. Это хороший приём и сейчас: прежде чем писать большую акварель, сделайте маленький тональный этюд в 3 значения: свет, полутон, тень. Ещё один важный урок: пленэр не обязан быть готовой картиной. На месте можно собрать главное: линию, пятно, тень, воздух, цветовой импульс. А уже в мастерской превратить наблюдение в полноценную работу. Тени у Гёртина тоже интересны. Он не гасил их механическим серым. Тень могла быть синей, коричневой, охристой, холодной или тёплой, связанной с цветом предмета и состоянием света. И ещё: бумага в акварели тоже работает. Просветы, блики, воздух, даль, лёгкие участки не всегда нужно закрашивать. Иногда сила акварели как раз в том, что художник вовремя оставил лист дышать. Что можно взять в свою практику: • сначала ищите свет, • проверяйте композицию в тоне, • не перегружайте палитру, • строите тени цветом, • сохраняйте бумагу для света, • добавляйте детали только после больших масс. Акварель становится выразительнее, когда мы смотрим на мотив не как на набор предметов, а как на систему света, воздуха, цвета и крупных пятен. На Lectoroom.com вы можете учиться акварельной живописи у современных мастеров: разбирать палитры, материалы, композицию, свет, тени и весь процесс работы от первого наброска до завершённой картины. Курсы и мастер-классы по акварели уже ждут вас на сайте - https://lectoroom.com/catalog/courses/categories/material/watercolour?utm_source=tg&utm_campaign=tomas