Гоша на дискотеке

Если вы окажитесь на развилке выбора в том, что делать в Москве субботним вечером, 6 июля, то нижеследующее наверняка поможет принять верное решение. А, скорее всего, и не одно: Предлагаю вам отправиться на 10-летие лейбла «Гост Звук». Это специальный во всех смыслах вечер, даже не вечеринка, не просто веселье ради веселья, нет – важное событие в контексте современной культуры. Ведь без «Госта» нельзя представить облик российской электронной музыки. Программа насчитывает больше 20 выступлений, на сцену выйдут ключевые резиденты лейбла: Flaty, Lapti, Nocow, Vtgnike, OL, Кузьма Палкин, low808. В общем, искренне и бескорыстно рекомендую не пропускать. Большинство подробностей о времени и локации вы узнаете, если пройдетесь по ссылке: https://gostzvuk10.ticketscloud.org/. По промокоду GOSHA скидка 20%. Всего доброго. И до встречи

О том, как исчезли негативные рецензии на альбомы или почему сегодня не принято критиковать музыку: Одна из самых известных заповедей – не судите, да не судимы будете. Она помогает людям установить себе рамки дозволенного не только в соответствии с уголовными статьями, положениями ПДД или налоговым кодексом, но и в согласии с правилами, созданными кем-то абсолютно неосязаемым. Благодаря ей дети понимают, что лучше не делиться c окружающими всем, что приходит в голову, а взрослые учатся вырабатывать толерантность. Конечно, как и любая другая заповедь, эта тоже постоянно нарушается. Без нареканий ей следуют только авторы музыкальных блогов и медиа, что привело к удручающим результатам – сегодня даже посредственные релизы встречаются с придыханием. Убедиться в этом несложно. Призываю вас зайти в популярные музыкальные паблики и найти хотя бы парочку рецензий с критикой, а не с восторгами. Будь то самый известный блог о российских альбомах «Родной Звук», или успешный канал «Тихое Место», где мелькают рецензии на хитовые западные релизы, или канал единственного состоятельного музыкального медиа из РФ – The Flow. Их ревью богаты на хвалебные эпитеты и фразы а-ля «перед вами один из самых мощных/сильных/ярких альбомов года». После таких текстов возникнет ощущение, что все музыканты гениальны и улучшать в их творчестве вообще нечего. Тут надо сказать, что наиграно-позитивный тон музыкальной прессы – проблема не только российская. Если зайти на популярнейший западный сайт с рецензиями, Pitchfork, и глянуть последние 20 ревью, то оценка ниже 7 из 10 будет только у двух альбомов. Хуже всего издание оценило (6.5) недавнюю компиляцию записей классика кантри Джонни Кэша, но в тексте вообще нет попытки объяснить, что не так с музыкой. И это рецензия Pitchfork, задающего планку качества для всего мира. У более нишевых медиа, скажем, издания об электронике Resident Advisor, рецензии еще скучней. С 2019 года RA отказался от шкалы оценки альбомов, а еще закрыл возможность комментировать тексты. Теперь в них сплошной вал позитива. Так же дела обстоят в Mixmax и DJ Mag. Почему это плохо? Дело в том, что внимательный, эмпатичный разбор недостатков музыки куда лучше помогает людям ориентироваться в ней, чем позитивные тексты. Само искусство тоже выигрывает от конструктивной критики. Подчеркну, что суть такой критики не в том, чтобы просто так ругать чье-то творчество, а в том, чтобы указать на реальные промахи. Тут надо сказать, что в российских музыкальных блогах негативные рецензии все-таки встречаются, но очень редко, скажем, в каналах PRNRP или «Новая музыка, максимально коротко». То есть на весь рунет есть два автора, способных на критику. Конечно, всеобщий подход «пишем только хорошее» можно обосновать. Ведь зачем критиковать неудачные альбомы, если можно говорить только о нормальных? Это справедливо в отношении рецензий на музыку начинающих авторов, о ней странно писать в ключе: «парень, о котором вы никогда не слышали, выложил треки, которые вам не понравятся». Но если речь идет об альбомах звезд: Нины Кравиц или Земфиры, Муджуса или Хаски, то почему бы не оценить их объективней? Тем не менее вместо критики блогеры и медиа говорят об альбомах, как о покойниках – либо хорошо, либо ничего. Хотя музыка точно заслуживает более тщательного разбора, чем несколько позитивных строчек. Другой вопрос – насколько затраченные на критику усилия в итоге окупятся? Похоже, люди отвыкли читать полноценные рецензии, а если и готовы их воспринять, то скорее в форме видео – таких, как записывает один легендарный американский блогер. Текстовые ревью вызывают меньше энтузиазма, поэтому мышца «критического мышления» не используется. Критику проще сделать вид, что вся музыка прекрасна, хоть это частенько бывает контрпродуктивно и ужасно скучно.

По просьбе «Гоши на дискотеке» диджей Марина Casper рассказала об альбомах, которые сильно на нее повлияли: • 4Hero – Parallel Universe | «В 94-м британская группа 4Hero взяла агрессивный, жесткий саунд обычного джангла и стала делать его более легким и приджазованным. Получился альбом Parallel Universe, который нарушил все жанровые нормативы и стал образцом интеллигентного джангла, удивившего любителей электроники. Кстати, 4Hero часто сэмплировали абсолютно непредназначенный для джангла соул-джаз. То есть сентиментальную музыку. Вот и получились танцы со слезами на глазах. Вообще у меня давно ощущение, что если трек минорный, то это плюс 100 к харизме. Грусть в паре с танцевальным ритмом - волшебная штука». • Basic Rhythm – Electronic Labyrinth | «Такие альбомы расширяют рамки дозволенного в музыке, как ночь – нормы людского поведения. Правда, то же можно сказать о других релизах английского лейбла Planet Mu, на котором он появился. В 90-е его музыканты были среди тех, кто формировал звучание жанра IDM (умной танцевальной музыки), а позже акцент Planet Mu сместился на басовую электронику. Но для меня этот лейбл, прежде всего, важен IDM-альбомами, скажем, его основателя μ-Ziq. А недавний релиз музыканта Basic Rhythm – иллюстрация того, что электроника бывает дико танцевальной даже без строгих ритмов». • Шарль Гуно – Фауст | «Первая музыка, которая осела у меня в сознании: вальс из оперы Фауст французского композитора Гуно. Классика 19 века. Мама часто играла его на пианино. Вообще эта опера была дико популярна по всему миру и долго оставалась в репертуарах Мариинки и Большого. Поэтому неудивительно, что мама – фанатка классики – что-то оттуда играла. Я слабый знаток оперы, но, кажется, в этой нестандартное чередование инструментальной музыки с пением. А вальс – пример того, как единая пьеса может быть дико разной по настроению. Всегда ей очень сопереживаю, хотя может это просто из-за того, что вещь из моего детства». • LFO – Frequencies | «Эталон звучания первого доморощенного английского жанра электроники - блипа (bleep), который произошел от смешения детройтского техно и ямайского даба. В основе жанра густой бас плюс тонкие, полупрозрачные звуки синтов. Данный альбом дуэта LFO появился в 91-м на тогда еще малоизвестном лейбле Warp Records, который заработал за пару лет до этого при небольшом магазине винила. К моменту выхода Frequencies лейбл был на грани банкротства, но релиз оказался сверхуспешным и спас Warp. Хочу добавить, что я заинтересовалась блипом благодаря подкасту "Планетроника” Ника Завриева, за это Нику отдельное спасибо!». • Yves Tumor – Heaven to a Tortured Mind | «Никогда не устаю от этого альбома, хотя его невозможно воспринимать в режиме фонового прослушивания. Он забирает на себя все внимание. В саунде доминирует властный рок, богатый на грохот барабанов и гитарные соло. В отличие от предыдущих релизов американца Ива Тюмора, на которых он хулиганил и ставил эксперименты с эмбиентом, инди и нойзом, на этом у него образ рок-звезды-искусителя. Вообще стайл Ива многим напоминает Принца, если бы тот жил сегодня. И для меня альбом Heaven to a Tortured Mind – это образец того, как звучит лучшая рок-музыка 2020-х». • Massive Attack – Protection | «Отцы трип-хопа, который пресса поначалу называла “эмбиент-хип-хоп” поскольку в нем были те же биты, просто более заторможенные и басовые. При этом Massive Attack не держались за рамки жанра, так что на их втором по счету альбоме, Protection от 94-го, все разнообразно: есть и дроун, и шугейз, и R&B. Но звучит все невероятно целостно. Меня всегда тянет слушать его не по трекам, а от начала и до конца. В общем, если хотите прочувствовать, что такое Massive Attack, лучше включить Protection, или дебютный Blue Lines, а не их поздние вещи. Потому что именно ранние предсказали облик бит-музыки на десятилетие вперед».

О том, как конфликт России и Запада изолирует российскую электронную сцену: Нынешнее поколение электронных продюсеров вязнет в работе на внутренний рынок, хотя в довоенное время охотно гастролировало по Европе. К примеру, взять известного и опытного техно-музыканта Александра Матлакова, он же Unbalance, который раньше ездил в Германию, Испанию, Чехию, Венгрию… В общем – много куда. С 2022-го Unbalance сохранил хорошую продуктивность, выпустил четыре мини-альбома, но в ЕС так ни разу и не сыграл. В схожей ситуации оказались многие живущие на родине электронщики. Неслабо сократились гастроли PTU, Ishome, AntonZap и даже Kedr Livansky, о музыке которой, тем не менее, продолжают писать европейские издания вроде Dazed&Confused и Resident Advisor. Между тем, судя по примеру чиллрейв дуэта Geju, жить в РФ и сохранять крупные международные туры все-таки можно. В графике на 2024-й у коллектива значатся и выступления дома, и в Португалии/Голландии/Германии, не говоря об Азии. Но это скорее исключение. Западные концерты наших электронщиков, если все-таки и случаются, то ограничиваются одним концертом в год, как это видно по примеру Александры Балыковой, известной как Errortica. Сегодня она выходит в число самых успешных продюсеров/диджеев, живущих в РФ, при этом за 2024-й лишь раз выступала в Европе. Тут надо отметить, что прямо сейчас Errortica уехала в тур по Китаю. Тенденция гастролировать по Азии – еще один тренд. Чуть раньше туда ездил Raumtester, до этого – Никита Забелин. В общем, сотрудничество с Западом идет по нисходящей, а с Азией растет. Кстати сказать, помимо сокращения гастролей снижается и количество музыки, которую продюсеры выпускают на западных лейблах. Три известных музыканта из РФ на условиях анонимности рассказали каналу, что c 2022-го стали реже получать предложения от зарубежных издателей. Логичным образом, среди амбициозных электронщиков давно наметилась тенденция уезжать в Европу. Музыканты отправляются туда в расчёте, что облегчат себе процесс дистрибуции, получения выплат и выступлений, ведь западная сцена более развита. Получается, само собой, не у всех, но давайте пробежимся по удачным примерами: Soft Blade, Moa Pillar, Karolina BNV, HMOT, Simple Symmetry, Lipelis, Odopt, Maruwa, Varya Karpova и десяток других имен. Кто-то из переместившихся скрывает из профилей информацию о происхождении, указывая вместо РФ, скажем, Германию или Францию, но открытое декларирование того, что ты из России не противоречит успеху. Допустим, главная восходящая звезда нашей электроники в глобальном масштабе, Владимир Дубышкин, график которого уже пару лет может соперничать в насыщенности с графиком руководителей иных стран, после переезда спокойно оставил на страницах данные о том, что он россиянин. Точно так же, как Филипп Горбачев. Так же, как Нина Кравиц. Из этого можно вывести, что европейские клубы и лейблы, главным образом, решают иметь ли дело с нашими электронными музыкантами не по национальному признаку, а по тому, где они, музыканты, находятся. Во-первых, в силу репутационных потерь, которые возникают, если кто-то поднимает шум из-за присутствия артиста, живущего в стране-агрессоре. Во-вторых, из-за дорогих билетов и виз - доставить продюсера из Москвы в Париж втрое дороже, чем из других неевропейских стран. Вот и выходит, что российская электроника оказывается на отшибе, откуда с трудом вылезала последние тридцать лет. Но процесс изоляции, к счастью, тормозят старые связи, которые сохраняют и промоутеры, и музыканты. Благодаря им на крупные события продолжают ездить диджеи из США/Франции/Румынии, плюс случаются поездки наших музыкантов на Запад, а на зарубежных лейблах выходят новые альбомы. И это, без сомнений, хорошее явление. Приятно осознавать, что в каких-то случаях дружба все-таки оказывается важнее политики и других обстоятельств. Как, собственно, дружбе и положено.

О том, в чем прикол лютого 8-часового альбома классиков электроники, дуэта Autechre, который они записали для радио NTS: «Дирекция NTS до последнего не понимала, что мы хотим сделать у них в эфире, – объяснял один из участников Autechre, 52-летний британец Шон Бут, – Раньше мы писали им диджейские миксы, нас даже звали ведущими, но как-то не тянуло постоянно ставить чужую музыку. А потом мы накопили материала на восьмичасовой альбом. Идея представить такую глыбу на радио показалась заманчивой». В результате в начале 2018-го дуэт вывалил на 2-миллионную аудиторию станции 8-часовой монолит из абстрактных звуков. Кажется, это была самая амбициозная в мире иллюстрация идей довольно важного композитора и теоретика XX века – немца Карла Штокхаузена. Давайте разберемся, в чем эти идеи заключилась. Сначала вспомним, что благодаря Autechre на свет появился поджанр Intelligent Dance Music (да, знаю, факты общеизвестные, но потерпите). То есть “неглупая танцевальная музыка”. Произошло это 30 лет назад, когда UK захлестнуло волнами хауса и техно, а власти такой злокозненной музыки испугались и приняли «Акт общественного порядка». Он запрещал публичное прослушивание «звуков, в значительной степени характеризующихся последовательностью ритмов». То всю танцевальную электронику. Тогда находчивый дуэт Autechre, сочинявший клубные хиты, выпустил альбом Anti, ритмы которого менялись от такта к такту. Получился IDM. На сегодня этот термин расплылся. Если его и можно упаковать в короткое определение, то в идеале это электроника, которая постоянно меняется. В ней отсутствуют повторения. Единой остается лишь текстура. Природа объектов. Скажем, у морского берега текстура из песка, воды и камней. У древесно-стружечной плиты – из волокон. У IDM из цифровых скрипов и визгов. Представьте, как камера медленно плывет по пейзажу свалки, элементы которой не повторяются, но в то же время однородны. Вот визуальный эквивалент IDM. Хотели этого Autechre или нет, но с 1994-го они заложили в основу творчества идеи радикального немецкого композитора Штокхаузена. Он считал, что мы, люди, дозрели до того, чтобы уйти от цикличной музыки, любовь к которой обусловлена нашими биоритмами. Именно цикличную ритмизированную музыку человечество и слушает больше 2 тысяч лет – это вся существующая попса, народная и церковная музыка, а еще почти вся классика и электроника. Штокхаузен уверял, что раз прогресс XX века позволил нам создавать новые звуки, то пора делать композиции, в которых нет пошлых припевов и вообще повторений. Мыслитель верил, что с помощью уникальных звуков биоритмы перестроятся и человек достигнет просветления. Идеи Штокхаузена по большей части оказались безумны. Мы продолжаем жить естественными биоритмами в эпоху вечных повторов, все известные песни склеены из 3-4 аккордов – взгляните на Топ-100 от Яндекса. Но некоторые люди все-таки полюбили творческий метод Штокхаузена, а значит и жанр IDM. Конечно, с помощью IDM человек не достигнет просветления, зато может адаптироваться к абстрактным музыкальным формам и получать от них удовольствие. Точно так же, как благодаря фильмам Параджанова или Линча может получать удовольствие от необычных сюжетов. Если включить Autechre неподготовленному человеку, то он в ужасе убежит. Возможно, правильно сделает. Чтобы привыкнуть к массе новых звуков, нужно в них повариться. Вот британцы уже 30 лет и создают все новый IDM. При этом до 2018-го Autechre не выпускали альбомов длинней 2 часов, а радикальное содержание требует радикальных форм. Поэтому, скопив за 10 лет тысячи кусочков дроуна, хип-хопа, электро и блип техно группа обратилась к прогрессивной станции NTS и целый месяц ездила по мозгам ее слушателей 8-часовой работой. Получилась деконструкция 40 лет истории электроники, которая учит людей адаптироваться к острым формам. Мелодичные части тут редкость. Теряешься в такой музыке, как шестилетний ребенок в огромном городе. Но, поговаривают, что жизнь неравнодушных к электронике делится на «до» и «после» прослушивания Autechre NTS Sessions.

О том, как техно, рейв и танцевальная музыка становятся плохими символами протеста: Вряд ли кто-то будет отрицать, что западная танцевальная сцена политизирована. Если музыкант говорит, что его быстрое и агрессивное техно — это элемент сопротивления, а сам он отстаивает права меньшинств, то его чаще зовут с концертами. Еще он получает положительные рецензии прессы. Если продюсер не выражает позицию, а скорее транслирует, что он просто музыкант, выполняющий свою работу, то рискует подвергнуться критике, инициаторы которой убеждены, что танцевальная музыка – инструмент борьбы за справедливость. Не даром активисты постоянно обновляют список российских электронщиков, не осудивших войну. Но вера в то, что при определенных условиях танцы в дорогом клубе ведут к переменам, мало кому поможет. Давайте разберем почему. 25 лет назад техно действительно было музыкой сопротивления. Скажем, детройтский дуэт Underground Resistance писал бескомпромиссную электронику: их сингл Message to the Majors распространялся с текстовым обращением, которое заканчивалось словами «дорогие детройтские менты, увидимся в аду». Дуэт избегал публичности и выпускал музыку независимо. Но уже с середины 1990-х один из его основателей, Джефф Миллс, начал сольную карьеру и его поведение оттенило протесты Underground Resistance. К примеру, в 2021-м Миллс отправился играть на гос-фестиваль в Саудовскую Аравию после убийства журналиста в саудовском посольстве в Стамбуле, объяснив это тем, что выступление может «как-то изменить» ситуацию в стране. Это не радикализм, а обычная погоня за баблом. В то же время привычка по умолчанию связывать техно с борьбой за справедливость привела к тому, что компания Red Bull, владелец которой поддерживал Трампа и критиковал ЕС за помощь мигрантам, легко создала бренду гуманистический облик среди «модной» молодежи, спонсируя вечеринки, клубы и проводя лекции со звездами. У рейверов выстроилась устойчивая цепочка ассоциаций: техно и хаус имеют радикальные/расовые/ЛГБТ корни, а раз Red Bull выступает за техно, то и поддерживает эти ценности. Да ни фига подобного – единственное, что он по-настоящему поддерживал 30 лет – это богатого консервативного австрийца, который хотел закрыть границы. Сейчас индустрия танцевальной музыки находится на пике: капитализация впервые превысила $10 млрд, а это значит, что для некоторых пришло время озолотиться на ее ценностях. Их используют все от водки Smirnoff, спонсирующей гендерно-равные фестивали, до певицы Бейонсе, которая в 2022 году выпустила поп-хаус-альбом Renaissance, после чего журналисты New York Times сравнили певицу с Иисусом, назвали спасителем диско/хаус культуры и заступником расовых/других меньшинств. Но единственное, что Бейонсе спасла – это традицию наживаться на творчестве маргинализированных сообществ, которую запустила Мадонна хитом Vogue еще в 1990-х, когда начался расцвет электроники. Ну а «сознательные» рейверы и пресса вроде Resident Advisor (RA) стараются культивировать у людей на танцполах идентичность борцов за правду, ведь это помогает оправдать гедонизм, дать ощущение значимости происходящего и заломить ценник спонсорам. Критики больше не критикуют музыку – найдите на RA хоть одну негативную рецензию. Они обсуждают нравы. В таких условиях квир/социально-ответственные/черные диджеи превращаются в священников, которые предлагают отпущение грехов. Спасение души для тех, кто может оплатить проходку. В свою очередь, музыканты, не осудившие войну в Палестине/Украине, к сцене часто не допускаются поскольку не подвергались гонениям, а возможно вообще их поддерживают. Конечно, идея отделять искусство от политики кажется глупой. Но не менее глупой оказалась идея связать техно с борьбой и параллельно рекламировать корпорации, притворяясь, что их деньги идут на благие цели. Здравый смысл подсказывает, что если ты правда выступаешь за перераспределение привилегий и благ, то Red Bull не даст тебе денег. Поэтому восприятие рейва как инструмента протеста становится утопичным, а дамоклов меч можно держать чуть пониже.

#промо На днях стартовал образовательный курс о средневековой музыке от известного композитора и лектора Анны Виленской. Рассказы Анны о классике набирают сотни тысяч просмотров, так что в увлекательности материала можно не сомневаться. Другой вопрос: зачем вам вообще нужно что-то знать о музыке средних веков? Дело в том, что все курсы музыкальной литературы обычно начинаются с композитора 18 века Иоганна Баха, что немного несправедливо, будто он появился ниоткуда и сразу бах — и давай писать свои фуги и мессы. Естественно, его сочинения были бы невозможны без наработок прошлого. Ведь еще задолго до Баха люди придумали аккорды, тональности и вообще написали массу интересных произведений. Поэтому даже если вы уже изучали историю музыки, то курсе Виленской все равно найдется много удивительного и нового. А если не изучали, то это отличный способ начать интересоваться предметом. Для курса Анна и команда «Страдариума» создали больше ста иллюстраций, перерисовали старинные ноты так, чтобы вы их поняли и прочитали, сделали десяток мемов, благодаря которым можно запомнить все персоналии. Это трип из 7 лекций, по ходу которого вы узнаете, какие произведения писали ученики одной из самых старинных музыкальных школ мира, Нотр-Дама, проследите появление таких базовых понятий как минор и мажор, а еще поймете, действительно ли саундтреки «Игры Престолов» и «Скайрима» имеют отношение к средним векам. Программа курса и цена – здесь. erid: LjN8K25pb

Какие тексты канала прочитать, чтобы разобраться в истории важных музыкальных институций: • Как появился один из самых значимых журналов об авангардной музыке: британский The Wire Как развивался журнал Rolling Stone, на страницах которого вышла книга «Страх и ненависть в Лас-Вегасе»: • Часть 1 • Часть 2 • История создания независимого радио NTS, перевернувшего музыкальное интернет-вещание • Как радиостанция NTS перестала быть независимой • Почему в России не осталось медиа об электронной музыке • Как распадаются англоязычные СМИ об электронной музыке • Каким образом упаковщик компакт-дисков развалил музыкальную индустрию 90-х • С чего начинался самый кассовый музыкальный фестиваль: Coachella • История маленького шведского стартапа Spotify, ныне - главного продавца музыки в мире • Как Spotify забивает соцсети бесплатной рекламой с помощью ежегодной промокампании Wrapped • Как Spotify следит за психологическим состоянием пользователей и продаёт эту информацию рекламодателям • Почему камерные офисные концерты Tiny Desk стали культовым явлением музиндустрии

О том, почему недавнее 10-летие лейбла «Гост Звук» – важный этап развития нашей электроники или краткая история российской сцены: Весна! (всегда хотелось так начать текст). Сквозь градообразующие московские тучи все чаще проглядывает теплое солнце. Лужи углубляются. Любителей электроники ждет особо греющее событие – возрождение лучшего клуба страны, Arma17, который в конце апреля заработает вместо «Мутабора». Еще одним ярким событием могло бы стать празднование десятилетия лейбла «Гост Звук», правда, пока его резидентов раскидало по Европе и праздника не будет. Но и безо всяких эвентов ясно, что это одно из самых значимых электронных объединений в РФ. Благодаря «Госту» в середине 2010-х заметно вырос средний уровень наших продюсеров, ну и как следствие – увеличился интерес на Западе к тому, что за хаус и техно выпускают в России. Чтобы лучше понять, как «Гост» влиял на развитие сцены, давайте нырнем в историю. В нулевых из всех российских электронщиков реальный интерес у европейцев вызывал лишь дуэт SCSI-9. Выехала группа на экспериментах с самым востребованным поджанром – тек-хаусом. Чуть ближе к 2010-м появились дебютные релизы новых заметных авторов: Easy Changes, Нины Кравиц и Anton Zap. Собственно, они и стали самыми успешными продюсерами из РФ начала 2010-х. Вскоре признания добился и Филипп Горбачев. Однако это индивидуальные успехи. Если говорить об объединениях, которые выпускают музыку – к 2014-му в стране не было ни одного лейбла, который стабильно бы издавал наших авторов, интересных и россиянам, и европейцам. Да и вообще за всю историю был лишь один такой лейбл: Art-Tek, закрывшийся в 2003-м. Все изменилось под влиянием москвича по имени Ильдар Зайнетдинов, который запустил «Гост Звук». Ильдар с юности сходил с ума по электронике, влюбившись в нее под влиянием игры GTA, где звучала куча хауса, в том числе Тео Пэрриш. Влечение к новой музыке оказалось таким сильным, что Зайнетдинов не просто стал диск-жокеем (low808), но и основал лейбл. Причем, в отличие от других новых издателей (Трип, System108, Nervmusic, Arma), Ильдар сконцентрировался на авторах из СНГ. Ему казалось куда органичней работать с творчеством ближайшего окружения, а не с иностранной музыкой. И вот, в марте 2014-го, Ильдар выпустил первый альбом – работу петербуржца Алексея Никитина, или Nocow. Тираж был влет раскуплен, карьера Леши пошла вверх. Дальше он выпускался на сильнейшем немецком лейбле Rekids, потом на Figure, а потом у всемирно известного Тиги. Другим ранним релизом «Госта» был альбом Yalta популярного ныне Павла Милякова (Buttechno). Как многим известно, сейчас пути лейбла и Павла кардинально разошлись, но размолвка не отменяет того, что взлет Милякова произошел благодаря «Госту». Павел начал работать с лейблом, не имея особого веса, и еще до войны превратился в музыканта, треки которого любят Игги Поп и Four Tet. Еще при поддержке Зайнетдинова на свет появились выдающиеся альбомы Lapti, Flaty, Кузьмы Палкина, а также Vtgnike (Винтажнайка), который после сотрудничества с Ильдаром вообще издался у великого Николаса Джаара. Уже через пару лет после запуска «Гост Звука» за ним следила масса критиков и селекторов. Немцы из Бергхайна пригласили москвичей провести у них лейбл-найт. Pitchfork выпускал рецензии на альбомы. А журналисты Resident Advisor составили профайл «Гост Звука». Это был первый и пока что последний случай, когда британцы детально писали о нашем лейбле, но в последний момент текст завернули из-за ухудшения отношений ЕС и РФ. После войны «Гост» вообще оказался в кризисе, но преодолел трудности и продолжил работу. С тех пор объединение выпустило еще шесть пластинок и сейчас уверенно входит в тройку лучших электронных лейблов России. Так что его 10-летие – самая настоящая веха для сцены. И хотя на европейском уровне иногда появляются ложные обвинения в неполиткорректности облика лейбла, уверен, что небоскреб из этого вранья в один весенний день просто развалится. На то она и весна.

«Гоша на дискотеке» теперь и в Ютубе! Первый выпуск об истории британского продюсера Four Tet — одного из главных электронщиков последних 20 лет. Вы узнаете, как из скромного ботаника он превратился в музыканта, чьи эмоциональные и живые треки собирают десятки миллионов прослушиваний, а концерты заполняют крупнейшие залы Европы. Да и не только Европы, чего уж там, а всего мира. Заодно станет ясно почему с Four Tet стремятся работать довольно разноплановые авторы: и гений андеграундного хип-хопа Madlib, и любимый барабанщик Майлза Дэвиса, джазмен Стив Рейд, и гигант попсовой электроники Skrillex. В общем, это история новатора, музыка которого волнует и профессионалов, и массу обычных слушателей, хоть она и не относится к популярным жанрам. А совсем недавно, 15 марта, у Four Tet вышел новый альбом. К чему и приурочен выпуск. Спасибо всем, кто поддержит видео-дебют репостом. Летс гоу: https://www.youtube.com/watch?v=DHSjADZaaPQ