NOVA

В контексте фестиваля

Свет обычно помогает нам видеть предметы, но в данной инсталляции — как и в световом искусстве вообще — он сам становится предметом восприятия. То есть мы смотрим уже не только на то, что освещено, а на сам свет как таковой: на его плотность, направление, рассеивание, способность менять архитектуру и наше ощущение пространства. Поэтому в контексте темы фестиваля — «знаки и символы» — эта работа интересна именно тем, что свет здесь не является знаком в строгом смысле. Он не сообщает конкретную информацию, не указывает на однозначный смысл, не является знаком в строгом смысле, а становится символом пространства, присутствия, убежища, состояния. Хотя, признаться честно, так можно сказать практически о любой инсталляции. И, честно говоря, связь с темой фестиваля мне хотелось бы увидеть в кураторском тексте чуть более подробно: сама работа очень сильная, но ее включенность в разговор о знаках и символах требует дополнительного объяснения. При этом, отсутствие теоретической рамки мне никак не помешало влюбиться в инсталляцию. А как вы восприняли инсталляцию? Какие у вас были мысли, делитесь!

Особенно убедительно Lux Domus раскрывается именно в архитектурном пространстве. Эта инсталляция была также представлена на фестивале Umbra Light Festival 2025 в Испании, в Витории-Гастейс, в Новой кафедральной церкви Марии Непорочной. Это неоготический собор, где сама архитектура уже построена на вертикалях, повторяющихся опорах, арках и устремленности вверх. И вот в этом пространстве работа выглядит особенно точно и гармонично, сочетаясь с ритмами света на колоннах. Потрясающий диалог, в котором современная инсталляция подчеркивает внутреннюю логику готического интерьера, являясь в каком-то смысле даже его продолжением. И, возможно, именно поэтому Lux Domus так хорошо запоминается. Эта работа не пытается быть громче пространства, в котором находится, — наоборот, она начинает входить с ним в диалог, свет становится способом заново почувствовать архитектуру.

Josep Poblet — Lux Domus для Intervals 👁️‍🗨️👁️‍🗨️

Josep Poblet — художник и дизайнер из Барселоны, работающий со светом как с самостоятельным материалом, он исследует свет во всех его проявлениях, избегая сюжета и нарратива как такового. Поэтому данную инсталляцию правильнее связывать с линией светового и кинетического искусства (как будто бы). Визуально инсталляция устроена как механическая световая конструкция: в пространстве размещены вертикальные модули, они напоминают тонкие стойки-механизмы, на которых закреплены отражающие элементы — небольшие пластины, зеркальные поверхности. Изнутри конструкция подсвечивается, а отражатели перенаправляют свет в разные стороны. Благодаря этому лучи расходятся веером, пересекаются в воздухе и образуют вокруг объекта и окружающего пространства сложную световую геометрию. Сама конструкция при этом выглядит скорее как гибрид технического устройства и раскрывающегося цветка (у всех, с кем я общалась, возникла такая ассоциация). Получается двойственный образ — одновременно механизм и живая форма, инженерный объект и световой цветок, который раскрывается в темноте. Красиво? Очень! Само помещение на Зеленском съезде воспринималось почти как сакральное пространство: арочные своды, стены без декора, полумрак и ритм опор. Инсталляция не имеет одной главной точки обзора. Ее нужно воспринимать в движении: при смене позиции зрителя меняется и сама композиция, ее связь с архитектурным пространством. Отдельно запоминался не только вид, но и запах. В помещении был дым, смешанный с сыростью старого пространства и теплом ламп. Этот теплый ламповый запах, пыльный, как будто из детства. А сами лучи света в этой дымке воспринимались как скульптурная форма.

Концепция (кураторский текст)

На INTERVALS 2026 Poblet представил свой проект Lux Domus. Само название уже задает важный ключ к прочтению: lux — свет, domus — дом, внутреннее, обжитое пространство. «Дом» здесь понимается как состояние защищенности, принятия и спокойствия. В авторском описании проекта говорится об «архитектуре света», задуманной как убежище, месте тишины и неспешного движения, где медленная геометрическая трансформация лучей меняет восприятие окружающей среды. Исходя из этой концепции мы можем предположить, что Lux Domus показывает, что пространство не обязательно должно быть построено из тяжелой материи. Оно может быть создано гораздо более хрупкими средствами: светом, отражением, дымом. Это временное пространство присутствия, которое становится обитаемым благодаря свету. Внутри него мы себя чувствуем комфортно, защищенно. Здесь важна авторская установка: он говорит о желании создать пространство, в котором зритель мог бы отвлечься от внешнего мира — почти так же, как это происходит в музее или храме. Поэтому Lux Domus можно понимать не просто как световую инсталляцию, а как попытку создать ощущение сакрального пространства в широком смысле, отделенного от повседневности: тихого, сосредоточенного, медитативного. И это чувствуется, я бы сама не стала перегружать сложной символической трактовкой. Смысл возникает из очень простого действия: свет бесконечно красиво отражается, рассеивается и меняет пространство вокруг себя. Работа интересна именно этой точностью — минимальными средствами она создает сильное ощущение присутствия. А название я бы воспринимала не как строгую концептуальную программу, а скорее как поэтический образ, помогающий нам «войти» в это состояние. И, пожалуй, сила работы как раз в том, что она не пытается навязать зрителю сложный сюжет или концептуальную рамку.

Моя дорогая подруга передала для Вас ссылку на подкаст, посвященный рубрике Темных экологий. Приятного изучения!

Мое впечатление

1️⃣ меня очень зацепило, как органично был использован желтый свет. Для медиаинсталляций это не самый привычный выбор. Мы чаще ждем холодный неон, синий, фиолетовый, красный, белый стробоскопический свет (это тут тоже есть). Но есть и желтый, с ним инсталляция вдруг становится не только техногенной, но и атмосферной, сквозь дым солнечной. Вообще это ощущение желто-оранжевого света сквозь серый дым останется у меня в памяти надолго. Даже в какой-то момент у меня возникло очень сильное ощущение отсылки к Олафуру Элиассону. Атмосферно очень мощно. 2️⃣ сама конструкция у меня очень стойко ассоциируется с советским мультфильмом «Будет ласковый дождь» 1984 года по мотивам Рэя Брэдбери. Там тоже есть этот тревожный образ автоматизированного организма, который вроде бы создан для заботы о человеке, но продолжает существовать уже без него. Как будто бы это стихотворение из концепции вывернули наизнанку. Тоже очень мощно.

Мне вообще нравится, когда работы можно воспринимать на нескольких уровнях.

1️⃣Это эффектная киберпанковая инсталляция, в которую можно просто войти, почувствовать свет, звук, масштаб, атмосферу, напряжение металлической конструкции, красиво сфотографироваться (что важно!). То есть зрителю не обязательно заранее знать контекст, читать описание или разбирать философскую базу — работа уже действует как среда и как впечатление. Но дальше она начинает раскрываться глубже. 2️⃣Мы можем увидеть образ более широких культурных и социальных процессов: разрастание техногенного в нашей жизни, превращение технологии из инструмента в среду, тревожную зависимость человека от систем, которые он сам создал. 3️⃣ Возникают визуальные и культурные ассоциации: киберпанк; сайнс-арт с интересом к гибридным организмам и постчеловеческим телам; и так далее. Здесь я уже немного фантазирую и как зритель и как искусствовед: это увидела именно я, вы можете увидеть что-то другое, а авторы могли закладывать третье. И это нормально. Хорошая работа тем и интересна, что не может быть исчерпана одной интерпретацией. 4️⃣Здесь уже подключается философское осмысление. Хочу попросить свою подругу-философа рассказать немного об этом, как Вам идея? Зовем? Мне кажется, ценность CHRONOMORPH именно в этой цельности. Работа не обязана быть невероятно радикальной в плане визуального исследования, чтобы быть убедительной. Важно другое: она удерживает несколько уровней сразу. Для меня это как раз признак хорошо собранной медиаинсталляции: когда эффект, форма, контекст и концепт не существуют отдельно, а поддерживают друг друга и хорошо читаются.

А что вы увидели в этой работе? Поделитесь впечатлениями в комментариях

PANTERRA — CHRONOMORPH для Intervals 👁👁

Инсталляция очень масштабная. Она собрана из того, что обычно остается «изнанкой» мультимедиа: металлических конструкций, сценических ферм, кабелей, экранов, бегущих строк, световых приборов, дыма и звука. По моему мнению, команда вообще хорошо нашла свой стиль в этом. Мы видим гиперболизированную конструкцию, в которой вся инженерная основа выведена наружу с явными отсылками к классическому киберпанку. По форме инсталляция напоминает дракона / червя / позвоночник. Кабели, конструкции, световые элементы образуют сложное, почти органическое тело, а общая ассоциация достаточно тревожная, она активно подчеркнута дымом, светом и музыкой.

Концепция

В практике PANTERRA важны постгуманизм, технологическая среда как новая природа, взаимосвязь тела, пространства и данных, очевидны отсылки к темной экологии. За основу команда взяла стихотворение Ричарда Бротигана 1967 года – За всем наблюдают машины любящей благодати. Это одна из самых ранних поэтических формулировок техно-утопии 1960-х: мир, где технологии не противопоставлены природе и человеку, а существуют с ними в гармонии. Лично мне кажется, что это стихотворение рассмотрено авторами инсталляции в противоположном ключе. Также авторы описывают инсталляцию как «живую архитектуру времени, хроноформу». Если исходить из логики названия, chrono — время, morph — форма, изменение формы, превращение. Можно попробовать рассмотреть это как объект, который пытается показать время через изменения света, цвета, дыма, музыки + вы сами двигаетесь в пространстве инсталляции, чтобы охватить ее взглядом. Но как по мне, такая привязка слишком очевидная и работает вообще для любой медиаинсталляции. Хотя, я могла чего-то не понять. Еще была мысль, рассмотреть потенциал формы к экспансии: инсталляция выглядит незавершенным объектом, а фрагментом системы, которая может продолжать расти, захватывать пространство, подключать новые узлы, расползаться дальше. То есть это форма, находящаяся в процессе становления и наращивания (как вся идея цифровизации). Она как будто не зафиксирована в окончательном виде, а демонстрирует момент роста. Это крутая зацепка, но мне не хватило кураторского текста, чтобы закрепить эту ассоциацию в голове. Поэтому я предлагаю только варианты интепретации.

В контексте фестиваля

Если посмотреть на инсталляцию буквально, она состоит из элементов, которые в городской и технологической среде обычно функционируют как язык инфраструктуры — он всегда предельно утилитарен, направлен на передачу информации, на управление, на связь. В обычной ситуации эти элементы либо незаметны, либо читаются однозначно: провод что-то соединяет, экран что-то сообщает, конструкция что-то держит. Это чистая область знака как функции. Но в данной инсталляции эти знаки перестают работать по назначению. Провода больше не просто соединяют, они образуют тело; свет не просто освещает, а пульсирует и «оживляет» форму; текст не сообщает, а создает ощущение внутреннего голоса системы. В результате знак теряет свою однозначность и начинает работать как символ — то есть как образ, который нельзя исчерпать одной функцией или интерпретацией. Зритель сталкивается не с системой, которую можно «прочитать», а с сущностью, которую приходится интерпретировать. А у нас с Вами много кибарпанкового контекста, чтобы самостоятельно интерпретировать эту инсталляцию, причем как на самом простом уровне, так и на более сложных.

Тема 2026: «Знаки и символы» (простите, что не войс, приболела, голос сел. получилось много буков) Обратимся к кураторскому высказыванию:

знак — это функциональный элемент коммуникации, код, который должен быть быстро считан и привести к действию; символ — это образ, который не сводится к однозначному значению и удерживает в себе память, какие-то культурные наслоения.

Для более глубокого понимания обратимся к семиотике — науке о знаках и значениях. Она изучает то, как люди придают смысл жестам, словам, изображениям и повседневным действиям.

Семиотика — это способ описать мир как систему условных сигналов и правил, по которым мы их интерпретируем. Мы постоянно сталкиваемся с такими «кодами»: в языке, в поведении, в визуальной культуре, и в каждой культуре они работают немного по-разному. Поэтому значение зачастую зависит от контекста и опыта зрителя. В классической семиотике знак понимается как элемент системы, который связывает форму и значение. Он работает тем лучше, чем быстрее и однозначнее его можно распознать и интерпретировать. В городской среде это особенно заметно: навигация, транспортные схемы, пиктограммы, интерфейсы — все устроено так, чтобы не требовать лишнего усилия. Мы не задумываемся, что означает стрелка или значок метро — мы просто действуем. Символ, напротив, не сводится к своей функции. В более широком гуманитарном контексте символическая форма — это способ, с помощью которого человек вообще конструирует культурную реальность. Символ не просто указывает на что-то, а производит смысл — причем этот смысл всегда шире конкретной ситуации. Один и тот же образ может вызывать разные ассоциации, отсылать к личному опыту, истории или культурной памяти, и не иметь единственного «правильного» прочтения. В отличие от знака, символ не требует мгновенной реакции. Он предполагает остановку, интерпретацию, эмоциональное вовлечение — иногда даже необходимость «досмотреть» или «додумать» его до конца.

Если вернуться с этим пониманием различий в городскую среду, становится заметна важная вещь. В повседневном восприятии город действительно функционирует как система знаков. Мы читаем его утилитарно: где идти, куда свернуть, где вход, где выход, как устроено движение. Мы используем город как систему ориентиров и действуем почти автоматически. Но одновременно город всегда является и символической средой. Исторические здания, площади, индустриальные пространства, даже сами маршруты несут в себе память, культурные коды, ассоциации, эмоции. Это уже другой режим восприятия — когда пространство не просто используется, а переживается и осмысляется. По моему мнению ключевая идея INTERVALS 2026 заключается в том, что эти два режима — знаковый и символический — постоянно пересекаются и накладываются друг на друга. Один и тот же городской объект может быть и утилитарным ориентиром, и носителем смыслов, памяти и ассоциаций. Также эта система знаков-символов может давать сбои и неверные интерпретации. Фасад здания может быть просто ориентиром, а может — носителем исторической памяти; освещение может быть функциональным, а может — создавать атмосферу; маршрут может быть кратчайшим путем, а может — превращаться в нарратив. Вот на такие мысли меня натолкнула тема фестиваля. Это вообще интересная тема для исследования.

Мне кажется, что все уже отчитались в своих каналах по Интервалам, и мне пора. Кстати, в процессе подготовки к своим экскурсиям у меня как-то незаметно накопилось около 110 страниц текста. Это уже не совсем экскурсия, а скорее магистерская диссертация :) Кому надо — приходите, напишем! Я планирую рассмотреть фестиваль с искусствоведческой точки зрения, и, надеюсь, мы с вами пойдем вглубь (иначе не умеем). Поэтому дожидалась завершения основного потока новостей про фестиваль, чтобы спокойно разбирать его по косточкам :)) Мне интересно рассмотреть фестиваль как сложное художественное и городское высказывание: как работают концепции, почему инсталляции выглядят именно так, какие стратегии используют художники и как медиаискусство вообще взаимодействует с пространством города. И вообще, хотелось бы, чтобы люди больше понимали медиаискусство (и вообще искусство). Поэтому, если будут вопросы — бежим в комментарии. Пока планирую несколько направлений: 🟡концепция фестиваля и связь работ с общей темой; 🟡разбор некоторых инсталляций — визуальный язык, композиция, свет, звук, пространство, идея; 🟡художественные стратегии, которые развивают авторы; 🟡тексты о медиаискусстве. Сколько будет постов — пока не знаю. Но постараюсь поделиться всем полезным, что удалось собрать.

Иногда большие изменения в искусстве начинаются с очень простой вещи. Например, с того, как человек стоит на земле. В средневековом искусстве фигура часто существует не в привычном нам физическом пространстве, а в пространстве символическом. В таких изображениях персонажи могут как будто не совсем стоять на поверхности: ступни часто выглядят условно, еле касаясь земли, как будто подвешены в воздухе. Это не ошибка художника и не неумение рисовать. Просто задача изображения другая: мы говорим только о духовном, символическом, внеплотском. Радикальный жест Возрождения — «поставить человека на ноги», как бы ни смешно и странно это не звучало. Тело получает свой законный физический объем, вес, по нему физически правильно распространяется свет. Теперь это не символическое пространство, а вполне реальное. И вот это, на самом деле, очень современная история, повлиявшая на очень много что. Например, когда мы говорим о медиаискусстве, иммерсивных инсталляциях, когда человек помещается внутрь среды или находится в непосредственном контакте с ней — мы обращаемся к этим, давно затронутым вопросам. Только художественная форма другая. Поэтому понимание Ренессанса — это про огромный сдвиг в восприятии: человек получает тело, место, точку зрения и возможность соотнести себя с изображенным миром. Очень напоминает современные стратегии в инсталляциях. Ласково напоминаю, последний шанс попасть на мой микро-курс по Возрождению, начинаем в субботу: Записаться / Спросить И еще скажу честно: в этом канале нет и никогда не было рекламы. Все тексты, разборы и полезные материалы здесь держатся на голом энтузиазме, времени и любви к искусству. Поэтому единственный способ как-то поддерживать этот процесс — запускать собственные лекции, курсы и продукты.

Часто на Основах композиции ребята делают разборы картин Возрождения. Да, в рамках курса по композиции мы смотрим на них как на чистую форму: воспринимаем все объекты как массу, пытаемся абстрагироваться от сюжета и предметов. Но это во благо композиции. А хотите разобраться, о чем вообще эти изображения? Неожиданно, правда? Почему они выглядят именно так? Как за формой стоит сюжет, смысл и целая картина мира? Напоминаю вам о нашем микрокурсе. Мы поговорим о том, как отличить Возрождение от Средневековья и Барокко, почему ренессансная композиция устроена именно так и что вообще изменилось в восприятии человека, пространства и изображения. Заодно разберемся, как все это оказалось возможным в том числе благодаря очень большим историческим процессам — например, монгольским завоеваниям. Внезапно! Приходите, будет ну очень интересно! Записаться / Спросить Также приготовила для Вас материалы по интервалам, так что завтра переключаемся на мультимедийное искусство. Кто в НН — пишите!

Пока вы стремительно отписываетесь от моего канала, скажу важное. Свои полевые заметки я решила тестово вынести в другой формат и в другой канал — @amsashanova. Хочу попробовать там более свободный и непринужденный способ говорить о том, что меня занимает: об искусстве, выставках, преподавании, просто наблюдениях, мыслях, мемах и всяком таком. Здесь все-таки пространство более серьезное, и у меня это в голове плохо смешивается. Так что кому это интересно — буду рада видеть вас там. Если будет нужно, даже открою комментарии. Здесь мы по-прежнему собираемся на микрокурс по Возрождению (я там такие твисты собрала, очень интересный материал получился, приходите не пожалеете, как говорится). А на следующей неделе я планирую параллельно выкладывать материалы по Intervals. Я написала три очень классные лекции для своих очных экскурсий по Нижнему Новгороду и решила, что часть материалов по мультимедийному искусству стоит выложить сюда в открытый доступ. Кому интересно, поставьте пожалуйста реакцию с единорогом 🦄. И да, мне, конечно, немного жалко, что вы отписываетесь. Все это я веду буквально на голом энтузиазме. И ваши реакции, комментарии и подписки для меня правда (100 раз правда) очень важны.

Микрокурс по Возрождению С группой по Основам композиции родилась абсолютно спонтанная идея устроить в мае несколько встреч по Возрождению. Внезапно для самой себя я отчитала 3 пары для подготовительных курсов, и у меня накопился просто замечательный материал! Жалко будет таким не поделиться. План следующий: 3 урока о контексте, истории, идеях, художественных особенностях Итальянского и Северного Возрождения + практика композиционного конспекта в связке с интерпретацией сюжета. У меня как раз есть пару свободных дней после майских праздников. Стоимость символическая. Предварительные даты: 4, 6, 12, 13 мая 19:00 Записаться / Спросить

Изобретение зрителя краткий пересказ, если нет времени глядеть лекцию в записи 🟣В средневековом искусстве зритель считывал прежде всего символический порядок: пространство и время подчинялись не оптическим-геометрическим законам, а смыслу. Джотто (Проторенессанс) делают важный поворот к более цельной сцене, ощущению телесного веса и эффекту присутствия. 🟡В Возрождении зрителю дают точку зрения: линейная перспектива выстраивает мир как ясное пространство, открывающееся из определенной позиции. В романтизме зритель не только смотрит, но и мыслит себя героем, переживает: искусство делает важным внутренний опыт, чувство, соотнесение человека с природой, историей и судьбой. 🔵XIX век и начало XX века меняют само восприятие времени. Фотография и кино учат зрителя ощущать протяженность времени, замечать момент. Импрессионизм ловит впечатление, пуантилизм заставляет изображение собираться в глазах у зрителя, футуризм передает скорость и движение в статике, а кубизм разрушает единую точку зрения и начинает экспансию реального пространства. 🟢Дальше искусство все заметнее выходит за пределы рамы. Коллаж, ассамбляж, Мерцбау Швиттерса, выставочные жесты Дюшана показывают, что значение имеет уже не только объект, но и пространство, маршрут, телесное присутствие зрителя. Даже Белый Куб, который кажется нейтральным, на самом деле программирует определенный способ смотреть на искусство. 🟣Во второй половине XX века зритель становится еще активнее: оп-арт испытывает само зрение, кинетическое искусство работает с реальным движением, длительностью и немного интерактивностью, видеоарт — со временем, повтором, экранным опытом и деконструкцией. А в медиаинсталляции зритель уже не только стоит перед произведением, а оказывается внутри художественной среды и может ей управлять. В этой лекции я постаралась очень коротко показать, как искусство постепенно переводит человека из позиции внешнего наблюдателя в позицию вовлеченного участника, а искусство выходило за пределы своих рамок и захватывала окружающее пространство. * добавила ссылки на разные полезные сопутствующие материалы, кликайте

В это воскресенье в 11:00 по мск буду читать лекцию для образовательной программы фестиваля Игра. Цифра. Искусство на Урале. Поговорим про то, как искусство со времен эпохи Возрождения изобретало зрителя, как трансформировалась его роль, и что это значит для нас как для исследователей новейших направлений. Приходите! Ссылка для подключения

Стилизация продолжение Обсуждали на занятии по Основам композиции стилизацию и вышли на тему культурного кода. Сейчас на это есть большой запрос, и, конечно же, его часто пытаются показывать слишком в лоб — через уже готовый набор\комбинацию узнаваемых символов, но обычно очень простых и понятных. Это делает всю эту тему какой-то однообразной, и она быстро приедается и кажется клишированной. Но, вообще-то, культурный код работает куда тоньше. Это, грубо говоря, не обязательно кокошник, медведь и балалайка. Это могут быть и совсем другие вещи, которые отсылают нас к разным ностальгическим воспоминаниям из разного времени. Так мы вспомнили про нет-арт, про особую эстетику ранних сайтов на «Народе», эти блестящие гифки, наслоения баннерные, странные кнопки, вся эта броская, но трогательная интернет-эстетика раннего веба. И это тоже часть нашей визуальной истории. Вспомнили в этом контексте проект студии Миши Петрика «Супер Собака» — он как раз очень точно работает с таким ощущением. Весь проект крайне трогательный, от темы до деталей исполнения. И на фоне бесконечно одинаковых сайтов именно такой запомнится больше всего. Это очень крутой пример стилизации, работы с культурным кодом и с ранней цифровой веб-эстетикой. После конференции по ИИ я подумала, что с нейросетями потом будет похожая история. Сейчас все стремятся к гладкой, вылизанной картинке, а через какое-то время, возможно, начнется интерес к первым галлюциногенным моделям — уже как к специфическому визуальному языку своего времени. На самом деле так происходит исследование границ новых медиа — сначала копируется то, что можно скопировать у других медиа, потом выявляется свой визуальный язык и система приемов, потом ищется что-то новое, разрушающее границы. Стилизация — сильнейший прием, который позволяет вам переупаковать что-то из прошлого в новую оболочку, зашить кучу смыслов, и это не будет смотреться как повтор, а как переосмысление. И уж точно выделится на фоне одинакового потока контента.

Обсуждали на занятиях по Основам Композиции стилизацию, опять вышли на тему нейросетей и глянцевого 3D. Этого сейчас очень много — но парадокс в том, что это часто вообще не запоминается. И иногда круче сделать что-то в своем каком-то стиле, даже дурацко-рисованном, каком-то заведомо «не таком», чем переводить все в глянец. Говорили про всякого рода насмотренность (я про это еще напишу отдельно) и тут вспомнили советскую анимацию, когда необходимо было проявлять изобретательность, искать необычные визуальные решения. Ну все знают историю про Ежика в тумане. И как вариант орнаментального визуального решения мне вспомнился мультфильм Легенды перуанских индейцев (оказывается многие его не видели!) — вся эта работа с плоскостью, с ярусами, с рисовкой до сих пор выглядит очень аутентично и цельно. А что говорить об абсолютно гениальной музыке, сделанной на синтезаторах (не помню точно, мб Поливокс), по стилю вроде бы что-то совсем иное, но в сочетании создает магический эффект. Стилизация — это не просто «упростить», это про найти какой-то графический ключ для всего в повествовании. И иногда какой-то странный, неочевидный прием в итоге оказывается намного выразительнее, чем вылизанный реализм. Сейчас такие вещи как раз снова начинают смотреться свежо, потому что выбиваются из общего визуального потока. Давайте соберем список для развития насмотренности: какие советские мультфильмы вам кажутся крутыми именно по визуалу? Какие решения вам запомнились и вы считаете их необычными? Можно и очевидные примеры, и редкие — я обожаю советскую мультипликацию, буду рада вспомнить всякое и посмотреть то, чего сама не знаю. И кто еще не смотрел Легенды перуанских индейцев... срочно смотреть!

Пропала на месяц — сначала сессия, потом я заболела, и писать вообще не хотелось. Ну вы знаете, какой я блогер :) А для такого контента как у меня надо быть в строю. Буду постепенно возвращаться. Традиционно после перерыва — Короткий дайджест новостей за это время 🟣Защитилась моя первая магистрантка — с отличием и очень сильной работой про медиаискусство Республики Корея. Было много похвалы на защите, и это тот момент, когда правда гордишься. 🟣Закрыли сессии и аттестации, сейчас готовлю еще двоих к защите в мае. И пришло много новых студентов — обсудили с ними темы, и там прямо очень интересные исследования намечаются. Оказывается, я люблю исследования, мне нравится, когда люди погружаются в системное мышление. 🟣Вдруг, если Вы мечтали заниматься искусством, то можно прийти учиться в искусствоведческую магистратуру в Строгановке и выбрать меня дипломным руководителем. Еще было немного настроения на рутинную работу, собрала еще несколько подборок: 🟢дополнила уже существующую подборку книг по композиции, 🟢 сделала подборку материалов для творчества, 🟢 начала собирать свою библиотеку (вдруг кому-то будет полезно, единственное ограничение, в публичную подборку нельзя добавлять книги 18+, а многие книги по искусству идут в этой категории) 🟡за поток по Основам Композиции накопилось много крутых примеров, буду постепенно возвращаться с ними, не теряйтесь

Продолжим факты из рабочих будней Евангельский текст и его интерпретация в живописи Я много лет учила историю искусства и знала эти сюжеты как набор названий и изображений. Вот, например, избиение младенцев. Я никогда не задумывалась глубинно, о чем это. Многие символы просто были в моей голове, как часть культурного кода. И вот сейчас удивительным образом многие непонятные сюжеты у меня сложились в единую картину, а также в понимание того, как разные эпохи выбирали акценты. Мазаччо — Чудо со статиром. 1425–1427, часовня Бранкаччи, Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция Источник: Евангелие от Матфея 17:24–27

Христос говорит апостолу Петру поймать рыбу, и в ее пасти оказывается статир — монета, которой Петр платит необходимый храмовый налог и за Христа, и за себя.

Три момента сюжета объединены в одном пространстве, это стандартный прием изображения. Филиппо Липпи — Пир Ирода. ок. 1452–1465, кафедральный собор, Прато Питер Пауль Рубенс — Саломея с головой Иоанна Крестителя. 1609, частная коллекция Караваджо — Саломея с головой Иоанна Крестителя. 1607, Национальная галерея , Лондон Источник: Евангелие от Марка 6:17–29

Во время пира Саломея танцует перед царем Иродом, он так восхищен, что обещает сделать что угодно, что она попросит. По наущению матери она просит голову Иоанна Крестителя, и Ирод, не желая нарушить слово, приказывает казнить пророка.

Джотто — Избиение младенцев.1304-1306, капелла Скровеньи, Падуя Маттео ди Джованни — Избиение младенцев. 1488. Музей Каподимонте Источник: Евангелие от Матфея 2:16

Царь Ирод пытается предотвратить исполнение пророчества о рождении нового царя и по его приказу солдаты убивают младенцев мужского пола до 2 лет в Вифлееме.

Иероним Босх — Увенчание терновым венцом. 1498—1509, Национальная галерея, Лондон Источник: Матфей 27:27–31; Иоанн 19:2–3

Римские солдаты издеваются над Христом, наряжая Его как пародийного царя. Вместо короны они надевают терновый венец, насмехаясь над титулом «Царь Иудейский».

Сохраняется жестокость сцены, но зритель уже воспринимает венец как знак мученичества, а не насмешки. Караваджо — Положение во гроб. 1600-е, Ватиканская пинакотека Источник: Матфей 27:57–60; Иоанн 19:38–42

Тело Христа снимают с креста и готовят к погребению. Его укладывают в высеченную в скале гробницу, предоставленную Иосифом Аримафейским.

Караваджо не изображает пещеру буквально. Пространство лишено архитектуры и становится как будто бы экзистенциальной тьмой, а каменная плита — границей между жизнью и смертью. Это, конечно же, художественная интерпретация. Рембрандт — Возвращение блудного сына, ок. 1666–1669, Эрмитаж, Санкт-Петербург Источник: Евангелие от Луки 15:11–32

Сын, растративший свое наследство, возвращается домой нищим и сломленным. Отец принимает его без упреков и наказаний.

Акцент смещен с поступка сына на жест рук отца, на факт безусловного принятия. И на курсе по основам композиции, и здесь, в канале, мы много разбираем композиционные схемы классического искусства. Они действительно помогают уловить общий смысл и понять, какую историю в целом рассказывает произведение. Но, конечно, изучение искусства — это сильно больше: важны и контекст времени, и интерпретация сюжета, и композиция, и цвет, и детали. И, в конечном итоге, это сильно расширяет оптику и культурно обогащает. Ну, и это все безумно интересно!

Продолжаем рубрику Я в сегодня лет узнала, что... (вы дружно за нее проголосовали в чате) Возрождение интереса к Античности стало возможным потому, что ее тексты были заново открыты через переводы с арабского в XII веке. До этого обширного корпуса античных текстов в латинском мире просто не существовало. Я даже откопала свои ответы на билеты экзаменов кандидатского минимума для этого (история искусств и философия). Подробнее — далее в войсе: