dance_curator

Каждый модуль моего практического курса по созданию танцевального произведения состоит из 3 встреч. Встречи модуля «Режимы репрезентации» пройдут 3, 7 и 12 декабря с 14.00 до 16.00 онлайн. На первой встрече каждого модуля мы знакомимся с инструментами и сразу пробуем их применять. 3 декабря мы познакомимся и попрактикуем режимы репрезентации, обсудим то, как они работают с нашими разными отправными точками и как это можно применять на любом этапе и в связи с любой задачей. На этой встрече будет дано домашнее задание, на работу с которым у вас будет 10 дней. И 12 декабря (на третьей встрече модуля) мы все вместе разберем сделанное вами домашнее задание. В середине каждого модуля всегда есть еще одна встреча, которая призвана расширить понимание изучаемого инструмента. В этом модуле это будет лекция «Пина Бауш: метод работы». Стоимость модуля «Режимы репрезентации» - 5 000 рублей. Чтобы принять участие, свяжитесь со мной @katgan. Запись на модуль закрывается 23 ноября.

Хочу поделиться с вами статьей Мириам ван Имшут «Волнующаяся драматургия» (2003), которую мы разбирали на одной из Танцдраматургий. В этой статье автор сначала касается истории вопроса, и вообще вопросов, волнующих разговор о драматургии, упоминает культурно-экономическую европейскую политику, как вклад в моду на драматургов, а потом выводит близкую мне позицию относительно драматурга как «фигуры соучастия» в противовес драматургу как «агенту в процессе легитимации, валидации и контроля». И завершает таким утверждением, подкрепляя его примерами: «Я тоже свято верю, что нам нужно не больше драматургов, но больше драматургического контекста, в котором художники, исследователи, ученые, художники по свету, музыканты и т.д. могут иметь непрекращающийся диалог о работе, используемых концепциях, исследуемых идеях без фильтра-посредника в виде драматурга. В голову приходят несколько проектов за последние годы, которые в этом смысле кажутся мне особенно интересными.»

Вопрос на миллион, который я задаю студентам на первом занятии курса по письму: придя на выставку, сначала вы читаете текст или смотрите экспозицию? Почему я люблю этот вопрос: потому что в каждом конкретном случае у нас есть только одна возможность сделать что-то сначала, но первый шаг в некотором смысле перепрошивает весь опыт. А отмотать время назад и перевыбрать мы уже не сможем. Мне кажется, об этом хорошо было в работе «What Nature Says» Мириам Ван Имшут, которую мы разбирали на танцдраматургии Кати Ганюшиной. Зал разделен на две части непроницаемой перегородкой. В первой: зрители видят перформанс, участники которого издают странные, где-то природные, где-то техногенные звуки. Во второй: слушатели только слышат эти звуки, но не видят, кто выступает их источником. После зрители меняются залами, перформанс повторяется. Но участники первого зала уже будут знать, как произведены звуки. Участники второго будут наблюдать, как возникло то, о чем они лишь смутно догадывались. В каком зале вы бы хотели оказаться сначала? Оссиан Уорд в книге «Искусство смотреть» предлагает применять к современному искусству метод TABULA RASA — чистого листа. В этой аббревиатуре личные ассоциации идут перед бэкграундом произведения. Последнее время я все чаще согласна с Уордом, который пытается вернуть современному искусству способность удивлять и пробуждать рефлексию: хватит начинать просмотр выставки с текстов, особенно текстов, которые очень редко соответствуют искусству. Вопрос, кстати, из канала Маши Макеевой @stravwv, студенки «Кураторских практик» МШСИ. Это я в предвкушении новой генерации кураторов, которые внимательно относятся к тексту (у нее еще и обзоры классные) 🫠

Хочу сегодня поделиться с вами работой, которую мы также смотрели на Танцдраматургии 2 – What nature says («Что говорит природа») Мириам ван Имшут. Вы можете включить видео и сразу закрыть глаза, а потом посмотреть видео повторно уже с открытыми глазами, но можете и сразу посмотреть. Такая же опция предусмотрена и для зрителей. Они разделены на 2 группы: одна следует в зал, где находятся исполнители, другая – в зал, куда транслируется звук из первого зала. Эта работа, по большому счету, размышление о том, что есть природа. И как любой вопрос, начинающийся со слов «что есть …», это во многом о нашем восприятии. Enjoy! https://vimeo.com/125443402

Модуль «Режимы репрезентации» начнется 3 декабря. Я считаю, что хорошее понимание этой темы, равно как и точное определение своей отправной точки в процессе создания во многом определяет весь процесс и результат. Понимать свою отправную точку означает отследить, что стало для вас триггером, и в какой момент, после встречи с чем у вас зародилось желание создать танцевальное произведение. Был ли это визуальный образ? Нравится ли вам конкретное движение? Впечатлил ли вас какой-то объект? А может быть, вы постоянно размышляете о каком-то понятии? Или в вашей голове постоянно играет одна и та же музыка? Важно, что это точка, за которую уже зацепилось ваше внимание. Умение работать с режимами репрезентации позволяет уже на самом начальном этапе проявить связи этой точки с остальным миром, что потом окажется очень важным для формировании концепции и драматургии вашего произведения. Стоимость модуля 5 000 рублей. Для участия напишите мне @katgan. Записаться на этот модуль можно до 23 ноября.

Ну, и ответ этого текста на все опасения и возражения в отношении дружбы хореографа и танцдраматурга как бесконечного переливания, отражения и разветвления ассоциаций и образов: «Как драматург вовлекает себя в производство проблемы, и раз она такой близкий друг ей, как может позиция драматурга отличаться от позиции хореографа? […] Для дружбы с проблемой необходимо поженить два понятия. Близость будет означать не только близость, сходство, привлекательность или понимание чего-то, но и то, что эти чувства двигаются вперед или по направлению к завершению. [….] Таким образом, близость в желающем производстве будет предоставлять встроенное ограничение – ограничивающее количество выборов – и будет приводить в действие процесс с помощью “терминуса” (конечной точки), которая однако не предопределяет процесс полностью от начала до конца.»

Но как это? Тут нам поможет «эффект Пруста» (или в переводе с французского «мадленка Пруста»), который последний описывает в своем романе «В поисках утраченного времени», когда предмет, запах, вкус становится триггером целой цепочки воспоминаний и ассоциаций. И это про «различающиеся отношения между элементами, привлеченными проблемой». — Привет «Режимам репрезентации»:) Собственно, задачу танцдраматурга тогда можно сформулировать так: «наблюдать, как мысль рождается в выражении и становится материальным действием.» А СОВСЕМ НЕ приходить «со своими концепциями и теориями», а потом искать «способы, как их тайно протащить» в произведение и процесс.

И вот, на что откликаюсь я в этом тексте: Если «взгляд со стороны» является прерогативой танцдраматурга, это означает, что остальные участники процесса занимаются личными амбициями, а не созданием спектакля/перформанса/танца. Каждый способен практиковать одновременное нахождение внутри и снаружи. И тогда никакой внешний оценщик, цербер и ограничитель не нужен. Если мы так мыслим процесс, то и к зрителю относимся с меньшим снобизмом, «доверяя тому, что зритель активнее и умнее, чем мы позволяем себе о нем думать». — Не устаю повторять, ваш процесс всецело обуславливает ваш результат, хотите вы это или нет. Тогда зачем танцдраматург? Танцдраматург это «ближайший друг хореографа в производстве проблемы», которое начинается не с возможностей (потому что то, что мы считаем возможным, равно как и невозможным — это то, что мы уже знаем), а с идей, которые разнятся с самим пониманием нового (потому что наше понимание нового это тоже уже знаемое, знакомое нам).

Сегодня завершился мой курс танцдраматургии в Новой академии танца. Помимо прочего мы занимались практиками, которые я регулярно предлагаю в рамках своего проекта Танцдраматургия. И в практике совместного медленного чтения мы использовали текст Бояны Цвеич «Несведущий драматург», который я перевела в 2022 для Танцдраматургии 2.0. Делюсь им с вами.

Расскажу вам чуть больше про хореографа Патрицию Каролин Май. Она окончила голландскую SNDO и получила магистерскую степень по performance studies в Гамбурге. А еще у нее разряд по плаванию:) Одна из ее тем: изучения тела в экстремальных состояниях. У нее есть работа «Контроль» https://vimeo.com/451089247 (трейлер), для которой она год тренировался со спортивным ученым Патриком Румпом, чтобы посмотреть как ее тело измениться в связи с экстремальным закачиванием мышц (спойлер: очень сильно, на фото в посте она до этого эксперимента, а в трейлере «Контроля» вы можете увидеть изменившееся тело Патриции). О том, что это были за упражнения, почему именно такие, и какие пропс для этого придумывал Патрик Румп можно посмотреть в серии вот этих видео: https://youtube.com/playlist?list=PLrG-Ei-g752qWptnrLkQUAivrBIKH862m&si=iS4EbWRUpAh3S3O5

Что мне показалось интересным в этой работе: - минималистичная и при этом достаточная хореография. На мой взгляд, прекрасный пример, когда хореография/движение тела не пытается конкурировать за доминирование на сцене и от этого становится заметной. - движения тел, как будто не вполне подвластных гравитации. Да, в роботе есть система поршней, которая напрямую имеет дело с гравитацией, но разница с человеческим телом, кажется, в том, что наше тело постепенно адаптируется к ней на протяжении жизни, а поршни робота уже такие сразу и способны осилить гравитацию с запасом — получается в нашей ходьбе/движении нет запаса, но есть прошлое, а в движении робота нет прошлого, но есть запас. - очищение сцены в конце от всех «декораций» и сценического света. Кажется очень понятным в качестве стратегии приближения происходящего на сцене к зрителю в зале (1), и выходу из суперинтенсивной визуальной и аудиальной среды спектакля (2) — это, условно, про то, что такой спектакль не завершить простым зтм (затемнением). А что вам показалось интересным, за что зацепилось ваше внимание, какие размышления спровоцировало? Напишите, пожалуйста, в комментариях.

В рамках завершившейся в сентябре Танцдраматургии 7.1 мы смотрели работу ANIMA™, точнее смонтированную 60-минутную версию 90-минутного спектакля, премьера которого прошла в 2022 в Центре Помпиду в Париже. Идея и режиссура принадлежит композитору Александру Шуберту, который создал этот спектакль вместе с хореографом Патрицией Каролин Май. https://www.youtube.com/watch?v=IsaRJJgatI4

Декабрь Модуль 1 - Режимы репрезентации - 3 встречи: 3, 7, 12 декабря, 14.00-16.00 Модуль 2 - Работа с движением/Импровизация - 3 встречи: 17, 22, 27 декабря, 14.00-16.00 Январь Модуль 3 - Инструменты трансформации движения - 3 встречи: 3, 7, 12 января, 14.00-16.00 Модуль 4 - Композиция - 3 встречи: 17, 22, 27 января, 14.00-16.00 Февраль: Модуль 5 - Концепция - 3 встречи: 3, 7, 12 февраля, 14.00-16.00 Модуль 6 - Структура - 3 встречи: 17, 22, 27 февраля, 14.00-16.00 Март Модуль 7 - Анализ работ - 3 встречи: 3, 7, 12 марта, 14.00-16.00 Модуль 8 - Исследовательские практики танцдраматургии - 3 встречи: 17, 22, 27 марта, 14.00-16.00 Консультации один-на-один со мной теперь вынесены за пределы курса и проводятся по индивидуальному запросу в любой момент. Для этого просто напишите мне @katgan

Горячие новости Я переформатировала свой большой практический курс по созданию танцевального произведения Содержание курса осталось прежним, но он стал менее интенсивным. Это позволит вам провести достаточно времени с каждым предложенным инструментом, чтобы его хорошенько попрактиковать и осознать. Теперь это не один курс из 8 недель, а 8 отдельных модулей по 10 дней каждый. Они по-прежнему связаны друг с другом, их последовательность отражает предлагаемый мной способ организации процесса создания, и каждый из них про очень важные знания навыки в этом процессе. Однако теперь у вас есть возможность записываться на и проходить отдельно каждый модуль. В каждом модуле по-прежнему 3 встречи: знакомство с материалом, расширяющая лекция на соответствующую тему (или анализ существующего произведения) и разбор домашнего задания. Стоимость каждого модуля 5 000 рублей. Записываться можно и нужно заранее! Для этого просто напишите мне @katgan

Самый важный разговор Драматургия спектакля в классической театральной ситуации начинается с концепции как интерпретации текста, но зачем танцу тащить этот чемодан без ручки? А что если все элементы спектакля являются текстами, и каждый из них способен производить смыслы, чувства, опыт, ситуации и наша задача вчитаться во все множество их возможных пересечений, чтобы сплести воедино. Танцдраматургия это про установление связей, и не только между элементами внутри спектакля, но и с миром за его пределами, частью которого он является - это что, что мы называем контекстом. И если уж мы занимаемся танцем, то имеет смысл его и ставить во главу угла. Концепция в танце рождается из самого тела за счет внимательного всматривания в нарабатываемый материл, в само движение, в его связи с внешним миром. Как говорит хореограф Борис Шармац контекст не добавка, он внутри, драматургия и весь потенциал смыслов уже содержатся в жесте/движении.

Это такая опора, которая при соединении с визуальным образом дает хорошее понимание истории движения в современном танце. Статья прекрасная и пусть вас не пугает ее название, другими словами его можно сформулировать так: о практиках и пониманиях в современном танце. А на фото Анны Александронец это мы с Альфией Шамсутдиновой болтаем о танце и перформансе и всем, что с этим связано, на фестиваля Carpe Diem