ten and nine

МОДА И КИНО - ВЛИЯНИЕ ДВУХ ИНДУСТРИЙ ДРУГ НА ДРУГА Впервые значимая встреча двух индустрий происходит в начале 1910-х годов — в то время сошлось несколько значимых процессов. Получает распространение формат съемки моделей от известных модных брендов, нередко имитирующих светские мероприятия. Модельеры также не упускают из виду кинематограф как средство продвижения и рекламы — самым ярким пример здесь будет творчество французского модельера Поля Пуаре, который одним из первых решился на видеофиксацию модного показа в рекламных целях. Именно Пуаре можно назвать первым среди важнейших французских кутюрье, кто приходит в мир кино — он создает костюмы для Сары Бернар, знаменитой театральной дивы, решившей попробовать себя и в кинематографе. Костюмы от Пуаре, в которых появляется Сара Бернар в фильме «Королева Елизавета», не слишком соответствовали историческому периоду. Сотрудничество действительно получилось взаимовыгодным: звездный флёр Бернар и слава Пуаре привлекли к фильму внимание еще большей аудитории. Прокат кинокартины был особенно успешным в США. Пионером американского взаимодействия моды и кино стала британский модельер леди Люси Дафф-Гордон, которую пригласили американские студии для разработки экранных образов героинь киносериалов, в частности для актрисы Пёрл Уайт в «Опасных приключения Полины». Главная героиня часто меняла костюмы, новые образцы появлялись едва ли не в каждой сцене, чтобы продемонстрировать хороший вкус и высокие амбиции персонажа. Здесь же появляются и первые случаи тактики product placement — в руках героине можно было рассмотреть журнал Cosmopolitan.

Но в середине 1910-х в полыхает пожар войны, а в тем временем разворачиваются войны за доминирование в киноиндустрии. Американское кинопроизводство в результате постепенно дислоцируется в Голливуд, где не было столь много модных бутиков и дизайнеров, как на Восточном побережье. В итоге ставку сделали на создание собственной кузницы кадров — так появляются первые студийные художники по костюмам.

В распоряжении штатных художников по костюмам были крупные производственные возможности и цеха, а также архивы с костюмами, созданными для предыдущих проектов. Их часто использовали вторично, например для участников массовки. Но для ключевых звёзд фильма все образы всегда создавались с нуля. Костюмы, которые создавали голливудские дизайнеры, далеко не всегда отражали модные тенденции своего времени — важнее было сделать костюмы зрелищными и при этом соответствующими повествованию фильма. Зрелищность была как частью эстетики отдельных жанров, например музыкальных фильмов, так и в целом заметной чертой звездных образов. О костюмах в кино писали специализированные журналы Photoplay и Modern Screen, где в рекламных целях размещались фотоматериалы, обзоры на костюмы, интервью с художниками по костюмам, прогнозы изменений модных тенденций. Такие материалы дополнительно акцентировали внимание на мастерстве художников по костюмам. Посещаемость кинотеатров в золотую эру Голливуда была значительно выше, чем в нынешние времена — и костюмы в кино действительно оказывали влияние на вкусы аудитории, отдельные силуэты и фасоны костюмов воспроизводились американским масс-маркетом. Были и особенные бутики, специализировавшиеся на продаже упрощенных копий костюмов из фильмов — Cinema Shops в универмагах Macy’s и бутики Studio Styles компании Warner Bros. Создавались сценарии о модных дизайнерах, манекенщицах, а чуть позднее — о модных журналах, например, фильм «Забавная мордашка» с Одри Хепберн в главной роли. Лучше всего такие истории вписывались в жанровую концепцию мюзикла, хотя и не ограничивались ею. Иногда один и тот же сюжет экранизировали несколько раз — например, на популярный в 1930-е годы музыкальный фильм «Роберта» сняли цветной римейк «Тобою можно любоваться» почти двадцать лет спустя. В обоих фильмах рассказывается история о попытке героев спасти от закрытия модный дом «Роберта» после смерти его хозяйки. Оба фильма заканчиваются продолжительными эпизодами модных показов.

6/7

Ведь этот город символизировал гламур, который привлекал кутюрье: юный, неразрывно связанный с музыкой под ноты её декаданса. Вдохновляясь американскими мотивами и молодёжными субкультурами Калифорнии, Эди создаёт свои знаменитые коллекции — Spring-Summer 2015 под названием Psych Rock, и Spring-Summer 2016 под названием Surf Sound. Несмотря на спорные мнения о работе Слимана на посту креативного директора Saint Laurent, с уверенностью можно сказать одно: ему удалось дать новую жизнь модному дому. За три года работы дизайнера годовой оборот Saint Laurent вырос с 353 до 787 миллионов долларов. В апреле 2016 Эди, не найдя общий язык с владельцами бренда, принимает решение покинуть французский модный дом, и снова отправляется в свободное плавание. Напоследок дизайнер устроил несколько судебных тяжб против уже бывшего работодателя — концерна Kering. Ему удалось доказать свою правоту и отсудить у компании 13 миллионов долларов. Предметом спора стало содержание трудового договора дизайнера. Все думали, что после ухода из Saint Laurent Слиман запустит собственный бренд, но он вновь решил сосредоточиться на фотографии. Он снимал работы как для себя, размещая их в своем блоге Hedi Slimane Diary, так и для крупных изданий. В первом интервью после ухода из Saint Laurent он заявил, что возвращение в модный бизнес всё-таки не исключено: Сейчас фотография играет для меня очень большую роль, но я никогда не говорил, что не вернусь в мир моды После перерыва, который Слиман взял чтобы сосредоточиться на искусстве, фотографии и судах с материнской компанией Kering, дизайнер вернулся в мир моды в качестве нового художественного, креативного и имиджевого дизайнера дома Céline. Эди приходит на смену Фиби Файло, а также снова возвращается в конгломерат LVMH, на который он уже работал в Dior. Я счастлив, что Эди вернулся в LVMH Group и возглавил Céline. Он по праву считается одним из самых одаренных дизайнеров нашего времени — прокомментировал глава концерна LVMH Бернар Арно. Первое, что делает Слиман, придя в Céline — снова меняет название бренда, убрав культовый аксант с логотипа бренда, а также впервые за всю историю дома создаёт мужскую линию одежды. Он выпускает первую коллекцию, не изменяя своему стилю — грубая рок-н-ролльная эстетика, короткие юбки, вызывающие платья, кожа. Это снова провоцирует бурю негодования среди старых фанатов бренда, так как его концепция шла вразрез со сдержанным и спокойным стилем Фиби Файло, сделавшей бренд Céline своего рода маркером интеллектуальной и самодостаточной женщины, отрицавшей привычную сексуальность и презирающей вульгарность в образе. Однако уже в следующем шоу Слиману удаётся совместить свой неповторимый стиль с привычной сдержанной эстетикой бренда. Для сезона Autumn-Winter 2019 он проработал архивы Celine за период 70-80-х годов, когда одежда марки была подчеркнуто буржуазной и утончённой. На подиуме главенствовали дублёнки, юбки миди в клетку, блузы и платья с интеллигентными рюшами, кожаные куртки-бомберы и приталенные костюмы. Слиман провернул хитрый ход — он нашёл компромисс с эстетикой аутентичного старого Celine, существовавшего до Фиби, и дал понять, что в доме наступает новая эра, которая вовсе не обязательно станет продолжением главы Saint Laurent Paris, но всё-таки будет проходить под эгидой собственного видения дизайнера.

которые регулярно появлялись на публике в его костюмах, порождают целое движение в моде. Эстетика, основанная на придуманном Эди узком силуэте, выходит на улицы и становится популярной среди британских музыкантов и их поклонников. В июле 2007 года дизайнер решает оставить пост креативного директора и уйти из модного дома Dior Homme на пике успеха. Несмотря на то, что конгломерат LVMH предложил Слиману финансировать его собственный бренд, тот решил заморозить свою дизайнерскую деятельность и полностью посвятить себя любимому делу — фотографии. Она всегда стояла для Эди выше, чем его работа в качестве дизайнера. Уже как фотограф он начал сотрудничать со всеми гигантами индустрии — от Vogue, Vanity Fair и V Magazine до Dazed & Confused, Another Magazine и The New York Times Style Magazine. Он оформлял обложки для альбомов музыкантов-соотечественников — Phoenix и Daft Punk, а впоследствии и для Леди Гаги. В 2004 году выходит альбом Слимана с фотографиями под названием Stage, посвящённый рок-музыке. Всего он успел выпустить семь книг со своими снимками. Эди фотографировал как известных личностей — актёров, музыкантов и моделей — так и обычных подростков из Лос-Анджелеса, скейтеров, сёрферов и музыкантов. Отличительной чертой фотографа было одно — все снимки выполнялись в чёрно-белой гамме. В апреле 2008 года Слиман переезжает в США для организации серий выставок. Одна из них называлась Young American и проходила в музее Foam, где к ней присоединился старый приятель Эди, режиссёр Гас Ван Сент. В начале 2012 года начинают появляться слухи о том, что дизайнер возвращается в мир моды. Вскоре стало официально известно, что Слиман заменит Стеффано Пиллати на посту креативного директора дома Yves Saint Laurent. Первое значимое действие Эди по возвращению в бренд — замена культового названия Yves Saint Laurent на Saint Laurent Paris. Несмотря на то, что многих это повергло в шок, и публика посчитала такое действие кощунством по отношению к великому бренду, Эди опроверг клевету, сказав, что принял это решение после досконального изучения архивы модного дома. Дань уважения заключалась в том, что он заимствовал название самого первого Pret-a-Porter магазина, открытого Ивом на Rive Gauche. Первая коллекция, вышедшая на подиум под руководством Слимана, также стала шокирующей для общественности. Она вызвала шквал комментариев со стороны публики — от возмущения до восторга. Большинство модных критиков осыпали негативом первую полноценную коллекцию Saint Laurent Paris. Но несмотря на нападки, Слиман не боялся нападать на журналистов в ответ, породив этим целую серию скандалов. Так, после статьи фэшн-критика Кэти Хорин из The New York Times, в которой девушка назвала дизайн Слимана банальным и сравнила женскую коллекцию Saint Laurent с H&M, журналистка не получила приглашение на следующий показ. А когда онлайн-обзор Хорин на один из показов всё-таки появился в блоге NYT, Слиман опубликовал ответ в своём ныне удалённом твиттере, назвав её «школьной задирой с примесью стендап-комика». Следующим действием, вызвавшим бурю негодований и споров, стало решение перенести штаб-квартиру бренда из Парижа в Лос-Анджелес. Сам же Слиман ответил на критику в интервью для итальянского Vogue, заявив, что не понимает, почему это решение вызвало столько вопросов, и назвал реакцию этих людей снобизмом. По каким-то непонятным причинам новость о том, что я решил работать из Лос-Анджелеса, вылилась в какой-то скандал — сказал Эди. 2011 году по отношению к Лос-Анджелесу и Калифорнии в индустрии определённо присутствовала какая-то снисходительность и резкость. Тем не менее, я был уверен, что Калифорния будет оказывать всё большее воздействие на поп-культуру, музыку и искусство, а благодаря росту социальных медиа стало очевидно, что влияние только возрастёт. Лос-Анджелес как никакой другой город подходил под эстетику бренда, и именно в нем Слиман черпал вдохновение для будущих коллекций бренда.

HEDI SLIMANE - ПРОРОДИТЕЛЬ ИНДИСЛИЗА Эди Слиман — человек-феномен нашей эпохи, французский дизайнер одежды и фотограф, в прошлом создатель и креативный директор мужской линии Dior Homme, автор ставшего знаковым прилегающего мужского силуэта, ради которого сам Карл Лагерфельд худел на 40 килограмм. Далее — креативный директор обновлённого Saint Laurent Paris, а в настоящее время создатель мужских и женских коллекций в модном доме Celine. Эди родился 5 июля 1968 года в Париже, в семье с эклектичными тунисскими, бразильскими и итальянскими корнями. После окончания школы Эди изучал политологию в парижском Институте политических исследований и историю искусств в Высшей школе при Лувре. Одновременно с учёбой он увлёкся шитьем, и со временем выработал навыки закройщика. На тот момент молодой кутюрье даже не задумывался о карьере дизайнера, делая одежду для самого себя. В 1991 году Слиман познакомился с Жан-Жаком Пикаром, консультантом модных домов, ранее представившим миру Кристиана Лакруа. После знакомства Пикар работал в тандеме со Слиманом с 1992 по 1995 год. Под его кураторством юный кутюрье принял участие в организации выставки для Louis Vuitton, посвящённой столетию монограммы LV. Работая над этим проектом, он смог познакомиться с главными на тот момент людьми в индустрии моды, такими как Вивьен Вествуд, Хельмут Лэнг и Маноло Бланик. В 1997 году молодого дизайнера замечает один из основателей дома Yves Saint Laurent и партнёр самого модельера Пьер Берже. Он приглашает Эди на пост креативного директора мужской линии YSL. Однако проработав в доме 3 года, Слиман так и не сыскал славы на модном поприще, несмотря на возлагаемые на него надежды. Поэтому в 2000 году Эди покидает Yves Saint Laurent и становится креативным директором мужской линии Dior. Занавес открывается, и так появляется ставший культовым Dior Homme. Получив полную креативную свободу в Dior, Эди смог раскрыть весь свой потенциал и вывел на подиум ставший иконическим приталенный мужской силуэт, прославивший его и изменивший моду нулевых годов. Джинсы узкого силуэта с низкой посадкой, приталенные пиджаки и пальто, пайетки и блёстки, мужские ботинки на каблуке — всё это останется визитной карточкой Эди Слимана на много лет. Слухи о подвигах Эди на подиуме разлетаются моментально и дизайнера замечает Карл Лагерфельд. Силуэт, созданный Слиманом, Карл называл «новым брутализмом», и не скрывал, что худел более чем на 40 килограмм только для того, чтобы носить костюмы от Эди. В интервью английской газете The Telegraph Карл отметил:

Меня совершенно устраивал лишний вес, и у меня не было проблем со здоровьем, или, что было бы хуже, эмоциональных проблем, но мне внезапно захотелось носить одежду, созданную Эди Слиманом, который тогда работал в Yves Saint Laurent, а теперь создаёт коллекции для Dior Homme

В 2002 году Эди Слиман получает награду «Дизайнер года» от Совета модных дизайнеров Америки. Идеально скроенные узкие пиджаки Dior Homme пришлись по нраву не только мужчинам, но и прекрасному полу. Из знаменитостей, появлявшихся в них на публике, можно отметить Кейт Мосс, Николь Кидман, Кейт Бланшетт и Мадонну. Поэтому многие связывают имя Слимана со ставшей в то время как никогда актуальной модой на андрогинность. Несомненно, это была революция в мире мужской моды. Любовь Слимана к узкому крою и худобе дали начало отказу от привычной маскулинности, часто представленной на подиумах до расцвета дизайнера. В детстве Эди, который был ярым меломаном и обожал андрогинных звезд рока вроде Дэвида Боуи и Лу Рида. Музыканты зажгли искру в сознании тогда юного дизайнера, которую легко заметить на полотнах его работ. В интервью для Yahoo Style Слиман поделился размышлениями о Дэвиде Боуи и его сценическом образе Изможденного Белого Герцога:

Это и лежит в основе всего того, чем я занимался в дизайне — мальчик и девочка с одинаковым силуэтом

Главными источниками вдохновения для Эди всегда были две вещи — юность и музыка; каждая его коллекция посвящена какому-либо музыкальному жанру, эпохе или субкультуре. Британские музыканты и друзья Слимана Пит Доэрти и Джейми Хинс,

5/7

нарядов, почерпнутые из кинофильма «Пикник у Висячей скалы». В этот период Симонс активно участвует в разработке коллекций Ready-to-Wear и Couture, но решает уйти из Dior, сосредоточившись на собственном бренде. Летом 2016 года дизайнер возобновил сотрудничество с Модными домами, став креативным директором в американском Calvin Klein. Здесь он внес в джинсовую линейку стиль Дикого Запада. В коллекции SS 2019 прослеживаются идеи голливудского фильма «Челюсти». В феврале 2020 года Симонс переходит в Модный дом Prada. Первая его коллекция SS 2021 появилась уже в сентябре. Сейчас Раф Симонс является со-креативным директором модного дома Prada и продолжает работу над своим одноимённым брендом Raf Simons, хотя сам бренд был закрыт для основной коллекции в 2023 году, дизайнер сосредоточился на коллаборациях и специальных проектах, сохраняя свое влияние в мире моды, где ценится за новаторство, отсылки к субкультурам и искусству.

RAF SIMONS - ВЕЛИКИЙ БЕЛЬГИЙСКИЙ ДИЗАЙНЕР Одним из лучших дизайнеров нашего времени справедливо можно назвать бельгийского модельера Рафа Симонса. За 25 лет он завоевал широкую популярность, обогатив дизайнерское искусство новыми направлениями и стилями. Его новаторский подход получил признание как любителей современной моды, так и ведущих критиков, а его творчество заслуживает особого внимания. Раф Симонс родился 12 января 1968 года в городке Нерпелте провинции Лимберге (Бельгия). Он с детства мечтал о дизайнерском призвании, но после школы поступил в Высшую школу визуальной коммуникации Генка, где получил диплом специалиста по индустриальному и мебельному дизайну в 1991 году. Еще во время учебы будущий мастер устроился в студию Волтера Ван Бейрендонка, входящего в знаменитую Антверпенскую шестерку модельеров. Именно здесь и случилось ключевое событие, повлиявшее на всю будущую жизнь Рафа. В 1990 году Бейрендонк взял его с собой в Париж на показ коллекции Мартана Маржелы S/S 1990. Впоследствии Симонс так охарактеризовал свои впечатления:

До этого ничто в моде не оказывало на меня такого сильного впечатления. Это было шоу, на котором половина зрителей плакала, включая меня. И я тогда подумал: Так вот что такое мода?

После увиденного Раф уже не мог думать о мебели, а грезил модным дизайном. Начал он с разработки приталенных рубашек и узких костюмов, скорее похожих на форму школьника. Модели он показал Линду Лоппу, заведующей отдела моды в Академии Изящных Искусств Антверпен. Идеи были оригинальны, и она посоветовала открыть собственный модельный бизнес. Следуя совету, Симонс уже в 26 лет запустил собственную модель Raf Simons, ставшую затем настоящим брендом. Первая выставка моделей Рафа прошла в 1997 году в Париже. Здесь была представлена осенне-зимняя коллекция одежды, разработанная в стиле New Wave и панк-рок, с учетом американских студенческих и английских школьных тенденций. В этот период у него четко выработался особый подход — взаимосвязь бунтарской, молодежной культуры с ультрасовременной музыкой. В основу ряда разработок были положены стили участников музыкальных групп Manic Street Preachers и Joy Division, а музыканты немецкой группы Kraftwerk вообще стали подиумными моделями для коллекции 1998 года. Весной 2000 года Симонс приостановил работу своей компании, взяв творческий тайм-аут. Однако это не помешало росту его популярности. Этому способствовала F/W 2000 "Confusion", которая принесла дизайнеру уже международную известность. В 2003 году Симонс становится лауреатом Swiss Textiles Award с вручением большой денежной премии. В результате летом 2005 года модельер возобновил деятельность бренда, причем снизив цены на свою одежду и немного изменив название Raf by Raf Simons. Последующие годы стали настоящим триумфом дизайнера. Вместе с художниками Стерлинг Руби и Роджером Хайорнсом он открыл 2 фирменных магазина в Японии в 2008 году. Первая серьезная рекламная кампания была проведена в 2009 году, где лукбуки готовили знаменитые фотографы. В 2011 году был запущен новый бренд — «Raf Simons 1995». Он объединил самые удачные элементы предыдущего модельного ряда с новыми тенденциями. В коллекцию, помимо одежды, вошли подушки и одеяла, а также другие бытовые товары. Раф Симонс никогда не переставал работать над своими собственными моделями, но одновременно он исполнял обязанности креативного директора ряда известных модных домов. С июня 2005 года по март 2012 года он включился в работу в немецкой компании Jil Sander. Здесь при его активном участии запущена линейка Jil Sander Navy, включавшая яркие платья и ультрасовременные костюмы скульптурного типа. В 2010 году появилась «кутюрная трилогия», покорившая публику игрой цвета, необычными силуэтами и пропорциями. В апреле 2012 года Симонс возглавил креативное отделение Модного дома Dior. Уже летом этого же года появилась новая коллекция Dior FW 2012 Haute Couture. В ней модельеру удалось показать свое видение жакетов Bar и моделей в стиле New Look. Осенью 2015 года прогремела коллекция SS 2016. В ее основу были положены идеи стиля юга Франции и викторианских

4/7

KMRII - РАБОТА ЭКСПЕРЕМЕНТАЛЬНОГО ПУТЕШЕСТВЕННИКА Экспериментальный модный бренд KMRii зародился в 2000 году в мире необузданного творчества в Японии. Его создал Японский дизайнер Луи Онозаки. KMRii работает в сегменте авангардной моды, сочетая элементы индустриального стиля, панка и этнических мотивов. Онозаки вырос в атмосфере, которую описывают как «богемный образ жизни, полный приключений». Основным источником его вдохновения стали не подиумы, а мировые культурные традиции и индустриальные элементы, которые он встречал в своих странствиях. Дизайнер провел годы, путешествуя и изучая артефакты коренных народов, антикварные индустриальные детали и этнические мотивы. Эти элементы позже легли в основу его «вневременной эстетики». В начале 2000-х Луи жил в Лондоне, где глубоко погрузился в культуру «грязных» клубов и сквотов. Именно этот период привил его бренду эстетику «dark pop» и влияние уличной культуры того времени. Его первые работы создавались специально для участников рейв-движения и вечеринок в Гоа. Вещи должны были быть не только стильными, но и функциональными для кочевого образа жизни — так появились знаменитые кожаные пояса с множеством карманов.

Название и эстетика марки зародились непосредственно на танцполах 1990-х годов — от рейвов в Европе и Японии до знаменитых вечеринок в Гоа и сквотов Лондона и Берлина.

Визитная карточка бренда — сложная ручная работа с кожей, использование заклепок, кристаллов и полудрагоценных камней. Ткани проходят уникальную обработку, чтобы придать им «поживший» вид и обеспечить комфорт. На сегодняшний день, спустя более 25 лет после основания, KMRii сохраняет верность своим корням, оставаясь символом «сложного уличного стиля» . Бренд представлен в концепт-сторах по всему миру. Например, в московском Leform. Дизайнер продолжает выпускать коллекции, включающие верхнюю одежду, обувь и аксессуары с узнаваемым брутальным и детализированным дизайном.

3/7

MAISON MARGIELA SPRING/SUMMER 1990 осенью 1989 года на заброшенной детской площадке на окраине Парижа, стал революционным перформансом: дети сидели в первом ряду, играли вокруг моделей, а приглашения рисовали сами малыши, что создало атмосферу искренней, неискусственной моды, изменив представление индустрии

CHANEL FALL/WINTER 2014 Недавно ушедший от нас Карл Лагерфельд каждый показ превращал в настоящий аттракцион, и выбрать один памятный – задача не из легких. Но мы всем ракетам, пляжам и пост-апокалиптическим мирам предпочитаем супермаркет. Гран-Пале натурально превратился в огромный рай для шоппинга, где модели разгуливали с металлическими корзинками между бесконечных рядов, уставленных всевозможными товарами с фирменным логом Chanel. А после показа гости, конечно, с разрешения кайзера, разобрали декорации и оставили себе памятные вещи с бессмертным лого.

JEAN PAUL GAULTIER FALL/WINTER 2002 В начале нулевых разговор о гендере только начинался, а Жан-Пол Готье был впереди всей модной планеты. Он умело обыграл идею дуализма природы женского и мужского начала. На подиум вышли не только девушки, одетые в платья и юбки, но и загримированные и одетые под мужчин манекенщицы. Мужчины галантно ухаживали за дамами и красиво курили. Тем временем в специальных наушниках, розданным гостям, женских томный голос зачитывал фрагменты эротической новеллы «История О».

ALEXANDER MCQUEEN SPRING/SUMMER 2010 "PLATO'S ATLANTIS" В октябре 2009 года Александр Маккуин показал коллекцию «Атлантида Платона», ставшей его последней. Зрелище было невиданное: модели в платьях с натуралистичными принтами гордо ходили на гигантских причудливых платформах, которые впоследствии не снимала Леди Гага, по подиуму, а на гигантском экране позади них крутили завораживающее видео о создании мира. Невозможно было оторвать глаз от вихрей воды, клубков змей и непонятных субстанций, давших начало жизни на Земле.

MUGLER FALL/WINTER 1995 В сезоне 1995 года Тьерри Мюглер отмечал двадцатилетие собственного бренда. Празднование-показ проходило в легендарном парижском цирке Cirque d’Hiver, что на задворках Парижа. На подиуме царил латекс, огромные футуристичные шляпы, мантии в пол, корсеты, которые с царственным видом выгуливали Типпи Хедрен и Верушка. Модели вышагивали под музыкальное сопровождение Джеймса Брауна. Чтоб вы понимали масштаб шоу лишь скажем, что его транслировали в прямом эфире на одном из главных французских каналов.

2/7

уличной моды, включая Comme des Garçons и Supreme, которые переосмыслили иллюстрации из аниме на своей одежде и аксессуарах. Это явное достижение, указывающее на сохраняющуюся популярность японской анимации, учитывая, что с момента её выхода прошло уже тридцать лет. Поскольку миры аниме и моды все больше переплетаются, возможно, стоит ожидать дальнейшего расширения сферы творческого сотрудничества модных домов с японской анимацией — особенно учитывая постоянно расширяющееся пространство для распространения визуального искусства на подиумах. В конце концов, в основе аниме лежит неограниченная площадка для проявления эклектичного искусства и стиля. Если монстры умеют говорить, то ярко-розовые волосы — неотъемлемая часть жанра, а одежда может быть настолько фантастической, насколько вам захочется. @10&09

СОЧИТАНИЕ АНИМЕ И МОДЫ Миры моды и аниме давно сосуществуют, даже охотно взаимодействуя друг с другом в виде недавней череды неожиданных коллабораций в мире моды или постоянно развивающейся культуры косплея. Трудно не заметить растущую популярность японской анимации среди люксовых брендов в последние несколько лет. От капсульной коллекции Gucci x Doraemon до коллекции Loewe «Унесённые призраками», ставшей забавным продолжением их предыдущей коллекции Studio Ghibli, посвящённой «Соседу Тоторо» в 2021 году, и недавнего сотрудничества Balmain с узнаваемым покемоном, ясно, что модные дома переключились на создание пространства для органичного мира аниме.

Однако утверждать, что пересечение аниме и моды — это лишь современное явление, было бы ложным заявлением. Хотя ранее малоизвестный мир аниме набирает огромную популярность у зрителей по всему миру благодаря своим фантастическим сюжетам и креативной визуальной составляющей, его взаимосвязь с миром моды гораздо глубже, чем может показаться на первый взгляд. Пожалуй, наиболее очевидным примером является культурный феномен косплея — когда фанаты наряжаются с головы до ног в костюмы своих любимых аниме-персонажей. Когда-то это сообщество обычно ассоциировалось с занудством или одержимостью, но с тех пор оно кардинально изменилось, превратившись в сообщество, которое прославляет индивидуальность и свободу самовыражения для всех полов.

Но если копнуть глубже, то, возможно, можно увидеть, как некоторые аниме-сериалы сыграли еще большую роль в формировании одежды, которую носили молодые люди. В частности, два сёдзё-аниме — «Сейлор Мун» и «Нана» — оказали на стиль молодых девушек-подростков большее влияние, чем можно было бы ожидать. «Сейлор Мун», словно вырванная из капсулы времени 90-х, появилась в западных СМИ еще в 1995 году, когда дублированная версия приключений Сейлор Воительниц впервые вышла в эфир. И между сражениями с монстрами, общением друг с другом и учебой, Сейлор Воительницы демонстрировали свой собственный стиль. Укороченные топы, яркие наряды и стильные свитера или жилеты с легкостью вписывались в повседневный гардероб Сейлор Мун — словно яркое воплощение тренда 90-х, который мы наблюдаем и сегодня. В начале 2000-х влияние Сейлор Мун было очевидным; другие западные анимационные сериалы, такие как «Totally Spies» и «Winx Club» — оба одинаково важные для девочек младшего возраста — заимствовали элементы популярной японской анимации, включая их культовые трансформации в одежде. Но создательница Наоко Такеучи также явно обращалась к высокой моде своего времени. От черного банта Сейлор Сатурн из коллекции Mugler F/W 1992 года до платья Palladium в стиле Dior, которое носила принцесса Серенити, Такеучи подчеркивала более потусторонние моменты сериала образами высокой моды, которые выглядели так, будто были созданы прямо на подиуме. И хотя группа Sailor, возможно, вдохновила эстетику сочетания кэжуал и преппи в 90-х, еще одна очень влиятельная личность — Нана Осаки, героиня манги Ай Ядзавы. Одна из двух главных героинь аниме-сериала «Нана», она была воплощением того, кем хотела быть каждая панк-готическая девушка. Наряды Наны часто копировали подиумные показы Вивьен Вествуд: склонность к корсетам-бюстье, рваные чулки под плиссированными клетчатыми блейзерами и фирменные платформы «Rocking Horse» от Вествуд составляли значительную часть ее гардероба, идеально сочетаясь с ее прохладными винно-красными губами и размазанными тенями для век, что придавало ей очарование неординарной художницы, ищущей свой путь в японском обществе. Эта эстетика вывела ее из тени: романтические мечтательницы, художницы с эмоциональной чувствительностью и непонятые девушки восхищались Наной и, в конечном итоге, ее чувством стиля. В других областях киберпанк-мода также набрала обороты после выхода в прокат фильма Кацухиро Отамо «Акира» — научно-фантастического боевика 1988 года, предвосхитившего блестящие апокалиптические идеи. Его характерный «красный» байкерский комбинезон не просто стал образцом для подражания, но и вскоре превратился в стилистический поворот для многих брендов