На каблуках по мрамору

А вы когда-нибудь задумывались, кто вообще придумал названия картин, которые мы сегодня знаем наизусть? Кажется, что всё просто: художник написал картину, дал ей название. Но в истории искусства это работает далеко не всегда. Особенно если речь идёт о произведениях XV-XVII веков. Иногда художник не оставил названия вовсе. Иногда оно не сохранилось. А иногда картина на протяжении своей истории фигурировала под разными именами - в описях коллекций, документах владельцев, каталогах и музейных собраниях. Например, знаменитый «Ночной дозор» Рембрандта изначально вообще не имел этого названия. Название «Ночной дозор» впервые появляется только в документе 1797 года - более чем через полтора столетия после создания картины. У Босха ситуация ещё интереснее. Мы называем его знаменитый триптих «Садом земных наслаждений», но его первоначальное название неизвестно. Современное имя возникло значительно позже и связано с изображённым на центральной панели фантастическим садом. В разные периоды произведение могли описывать и воспринимать совершенно иначе. #искусство_нкпм

Самая известная картина Яна Вермеера - «Девушка с жемчужной серёжкой». И почти всё, что мы про неё знаем - неправда. Сама работа - не портрет конкретной девушки, а так называемая tronie: изображение вымышленного персонажа или определённого типа лица. Сегодня мы знаем её именно под этим названием. Но в описи имущества художника после его смерти в 1675 году исследователи связывают эту картину с одной из работ, описанных как «две головы, написанные в турецкой манере». Позже картина фигурировала под другими названиями, в том числе как «Девушка в тюрбане». И только значительно позднее закрепилось название «Девушка с жемчужной серёжкой» - по той самой знаменитой жемчужине, которая сегодня кажется нам главным визуальным ориентиром картины. Но даже жемчужная серёжка оказывается не совсем тем, чем кажется. Исследования показали, что «жемчужина» - это оптическая иллюзия: всего несколько мазков белой краски, которые создают ощущение огромной жемчужины. А крючка, на котором она должна была бы держаться, на картине вообще нет. Это блик, часть фона. И, пожалуй, именно в этом главный секрет картины Вермеера: мы так привыкли искать в ней историю, а никакой истории здесь и не было. Есть только взгляд, свет и образ, который вот уже несколько веков заставляет нас придумывать всё остальное. #искусство_нкпм

В рамках празднования 9-летия программы «Друзья Третьяковской галереи» побывала на встрече с кураторами выставок «Цветы. Символ красоты» и «Виктор Борисов-Мусатов. Гармония образа», а так же на фортепианном концерте Федора Кутузова. Возможность услышать кураторов непосредственно в музее даёт совершенно другой уровень понимания выставки - почему именно эти произведения включены, как строилась концепция, какие связи между работами они видят. Встреча не была похожа на лекцию, это скорее была возможность «подсмотреть за кухней музея». Федор Кутузов - очень интересный молодой пианист, ему сейчас 13 лет. При этом для своего возраста у него уже очень серьёзная концертная биография: он выступал с «Виртуозами Москвы» под управлением Владимира Спивакова и другими оркестрами. В 2021 году он стал финалистом телевизионного конкурса «Синяя птица», именно там его игру заметил Денис Мацуев и очень высоко её оценил. А в 2023-м Федор выступал уже на фестивале Дениса Мацуева как солист с концертом Моцарта. Именно сейчас было интересно его увидеть: это уже профессионально высокий уровень, но ещё совершенно юная энергия и техника. Интересен сам момент становления. #искусство_нкпм #музыка_нкпм

Современное искусство Занзибара 😍

Если окажетесь в Парке Горького и будете в шоке от идущей реконструкцией, то снять его вам помогут культурные программы: Музей Garage «Искусство на волне 1980-х»: Здесь можно увидеть работы, которые художники создавали с 1975 по 1991 год. Как андеграунд постепенно проникал в массовую культуру. Павильон «МТС АртВиток» «В городе мечтателей: Шагал, Пикассо, Матисс» На набережной Парка Горького, напротив причала «Горький-2» выставка с тиражными литографиями Шагала, Пикассо и Матисса из собрания галереи Altmans Gallery. Вход свободный. (Фото в комментариях) #искусство_нкпм

«Осколки» новый сериал Райана Мёрфи («Американская история ужасов», «Американская история любви», «Красота») Лос-Анджелес. 1981 год. Золотая молодёжь, безумные вечеринки, деньги - и серия жестоких убийств… Главный герой начинает подозревать, что за происходящим может стоять человек из его окружения. И чем дальше - тем более тревожной становится история. Отдельно хочется отметить картинку, эстетику 80-х, особняки, машины, одежду, музыку - сериал хочется буквально разбирать по кадрам. Во второй серии возникает отсылка к Чарльзу Мэнсону и его «семье» - одной из самых пугающих страниц истории Лос-Анджелеса. Мэнсон был лидером созданной им коммуны, получившей название «Семья Мэнсона». В 1969 году его последователи совершили серию убийств, самое известное из которых произошло в доме на Cielo Drive, принадлежавшем режиссёру Роману Полански и его жене, актрисе Шэрон Тейт. В ночь на 9 августа 1969 года Тейт, находившуюся на восьмом месяце беременности, и ещё четырёх человек убили члены «Семьи». Сам Полански в это время находился в Европе. Для Лос-Анджелеса 1981 года это была совсем недавняя история. Поэтому отсылка к Мэнсону в «Осколках» работает не просто как историческая справка, а как часть коллективной памяти города: страх перед тем, что за внешним блеском Голливуда может скрываться что-то гораздо более тёмное. И это добавляет еще больше интереса к сюжету. В «Осколках» вместе снимаются Кайя Гербер - дочь Синди Кроуфорд, и Хомер Гир - сын Ричарда Гира. А их родители когда-то были одной из самых известных пар Голливуда: Кроуфорд и Гир поженились в 1991 году, а в 1992-м вместе появились на обложке американского Vogue. И вот спустя 34 года история почти буквально повторяется. Кайя Гербер и Хомер Гир стали героями сентябрьской обложки Vogue 2026 - уже не как дети знаменитых родителей, а как молодые актёры, вместе играющие в «Осколках». Vogue даже сознательно проводит эту параллель между двумя поколениями. Получается удивительная конструкция: Лос-Анджелес 1981 года, реальная история Мэнсона, Роман Полански, Голливуд, дети двух людей, которые когда-то сами были частью этой голливудской мифологии. А вы уже начали смотреть? #кино_нкпм

На вчерашнем предпоказе инсталляции с распевом «Радость-свадьба с подменой невесты и другими происшествиями» и выставки Андрея Бартенева «Десерт футуриста, или Гвозди в сметане» в ТОН-ЦЕНТР. С 13 августа по 20 сентября в ТОН-ЦЕНТР пройдет показ инсталляции с распевом «Радость-свадьба с подменой невесты и другими происшествиями». Тотальная аудиовизуальная инсталляция обращает древние мотивы к внутреннему миру современного человека. В основе сюжета - история героини, рассказанная через традиционные обряды, сегодняшнюю интонацию и сказочный абсурд, ведь Бартенев - мастер абсурда. Первая версия инсталляции экспонировалась на выставке «Я иду искать! Современное искусство в традиционном музее». Я там была в феврале (видео в комментариях) и мне особенно было интересно увидеть спектакль в ТОН-ЦЕНТРЕ с дополнительными персонажами, вокальными партиями и сюжетными линиями. Очень зрелищно и весело, так что рекомендую! Параллельно в фойе открылась выставка «Андрей Бартенев. Десерт футуриста, или Гвозди в сметане», прослеживающая путь художника от легендарного «Ботанического балета» к многослойному проекту «Радость-свадьба». На выставке представлены коллажи, фото- и видеодокументация перформансов, редкие кадры постановок, в которых в разное время участвовали будущие звезды современного искусства. Оба проекта станут частью параллельной программы 14-го выпуска Международной ярмарки современного искусства Cosmoscow, представляющей ключевые культурные инициативы Москвы. Работы Андрея Бартенева выставлялись по всему миру: в Музее Виктории и Альберта, на ярмарке Art Basel, в крупнейших музеях России и других стран. @ton_center @bochavar @andreybartenev @n.caged #искусство_нкпм #музыка_нкпм

В основе сюжета - свадебный обряд, превращенный в современную сказку. По либретто писательницы жени Некрасовой героиня Ярина сталкивается с подменой невесты, ведьмой, русалкой и другими испытаниями, пытаясь отстоять право на собственное счастье. Инсталляция задумана как спектакль без живых актеров: действие создают поворотная сцена, движущиеся декорации, многоканальный распев и костюмы-скульптуры. Музыку написал композитор Владимир Раннев, а вокальные партии исполнил ансамбль N'Caged. Костюмы-скульптуры создал Андрей Бартенев, сценографию — Катя Бочавар. Одновременно с инсталляцией в фойе «Тон-центра» откроется выставка «Андрей Бартенев. Десерт футуриста, или Гвозди в сметане», посвященная творческому пути художника — от «Ботанического балета» до «Радости-свадьбы». В экспозицию войдут коллажи, фотографии, видеодокументация перформансов и архивные материалы.

«I Passi d’Oro» («Золотые шаги») во Флоренции Это работа современного итальянского скульптора Роберто Барни, установленная в 2013 году на стене здания галереи Уффици на улице Via dei Georgofili. Это мемориал жертвам теракта мафии 27 мая 1993 года, когда взрыв на Via dei Georgofili повредил часть исторического центра Флоренции и произведения искусства Уффици. Барни сделал не просто памятник трагедии, а символ движения вперёд: золотая фигура идёт, словно несёт в себе надежду и продолжение жизни. Очень флорентийская идея: в городе, где веками говорили о бессмертии искусства, современная скульптура напоминает, что искусство продолжает «делать шаги» даже после самых страшных событий. Мы переживаем о прошлом, которое уже невозможно изменить, или тревожимся о будущем, которого ещё нет. А вот здесь и сейчас нас бывает мало. Но ведь жизнь конечна. Мы никогда не знаем, где окажется тот самый обрыв, после которого следующий шаг уже невозможен. Поэтому, если уж идти - то с высоко поднятой головой. Дышать полной грудью. Смотреть по сторонам. Замечать красоту. Любить. Жить. Не откладывать жизнь на потом. И здесь особенно подходят слова Лоренцо Великолепного Медичи, который правил Флоренцией в эпоху её величайшего расцвета. В его знаменитой песне «Триумф Вакха и Ариадны» есть строки: «Как прекрасна юность, которая так быстротечна… Хочешь быть счастлив - будь счастлив сейчас.» #история_нкпм #искусство_нкпм

Подделывать старинные полотна или ювелирные изделия - это мелочи… Франко Малосса из провинции Виченца на северо-востоке Италии годами водил туристов смотреть на собственный древнеримский амфитеатр, который построил сам. Наивным посетителям Франко рассказывал красивую легенду, что в 2005 году после масштабного оползня он случайно обнаружил на своем участке уникальный античный памятник. Более того, в буклетах утверждалось, что этот театр посещал сам Юлий Цезарь. Экскурсии стоили 40 евро. Со временем амфитеатр попал в официальные туристические гиды и мобильные приложения, которые финансировал Евросоюз. При этом Малосса ловко обошел жесткие законы о лицензировании раскопок, так как древний памятник обнажил оползень. Однако у профессиональных археологов объект с самого начала вызывал недоверие. Знающие историю люди сразу обратили внимание на нестыковку, ведь Цезарь жил почти на 400 лет раньше, чем был якобы построен амфитеатр. Кроме того объект выглядит слишком идеально. А в исторических архивах региона о нем не было ни единого упоминания. В 2016 году обман полностью вскрылся, когда эксперты проанализировали спутниковые снимки прошлых лет. Малосса сравнял с землей один из местных холмов строительной техникой, а потом возвел античную постройку. В ход пошли современные штукатуренные блоки, стеклопластик и даже папье-маше. Судебные разбирательства тянулись с 2016 года, и недавно Верховный суд Италии приговорил к двум годам и четырем месяцам тюрьмы за незаконное строительство и подделку произведений искусства, а также компенсации 560 тысяч евро за ущерб ландшафту. Самое поразительное в этой истории – реакция обычных людей. Когда аферу раскрыли, а фальшивый памятник античности приговорили к сносу, местные жители встали на защиту Малосса. Они начали массово подписывать петиции с просьбой не уничтожать объект. За 20 лет амфитеатр стал настоящим сердцем коммуны. Наш герой, хоть и обманом, но создал потрясающее общественное пространство, которое привлекло тысячи туристов и оживило экономику провинции. Здесь регулярно проводились музыкальные концерты, театральные спектакли, благотворительные вечера и даже спортивные соревнования. Поэтому они считают, что постройка заслуживает права на жизнь, пусть и без статуса исторического памятника, а ее создателя некоторые всерьез называют гением. #история_нкпм

Игристый чай - это чай, похожий на вино. Его разливают в бутылки как для игристого, подают в винных бокалах и описывают «винным» языком, упоминая кислотность, структуру, послевкусие и предлагая к нему разные гастрономические сочетания. Но на самом деле это никакое не вино и даже не его безалкогольная версия, а разновидность чайного напитка. Обычно игристый чай делают на базе одного сорта или купажа нескольких видов чая - например, жасминового зеленого, улуна, дарджилинга или ходзитя. Причем этот купаж часто собирают по принципу винного - то есть смешивают разные чаи и добиваются нужного баланса вкуса. Играет роль и регион происхождения чая - как и в вине, здесь важен так называемый терруар: климат, почва, высота над уровнем моря и другие природные условия, в которых рос чайный лист. Чай часто заваривают холодным способом: считается, что так лучше сохраняются тонкие ароматические нюансы и в напитке появляется меньше горечи. Большинство производителей насыщают чай углекислым газом, чтобы получить ту самую «игристую» текстуру. Но некоторые используют легкую ферментацию, добавляя дрожжи. Чтобы вкус был сложнее, в состав нередко добавляют фруктовые соки и экстракты, цедру цитрусов, травы и специи, мед или сироп агавы в качестве подсластителей. Получается сложный, многослойный напиток, который хорошо работает и сам по себе, и в сочетании с едой. Последнее - вообще одна из главных причин популярности игристого чая. Первым придумал все это датский сомелье Якоб Коцемба. В 2010 году Коцемба, работая в мишленовском ресторане Herman в Копенгагене, не смог подобрать винную пару к десерту и в итоге смешал несколько разных сортов чая, добавил углекислоту для игристости и получил свой идеальный напиток. Коцемба долго экспериментировал с разными купажами и игристостью, в 2017-м объединился с экспертом по развитию бизнеса Бо Стеном Хансеном и запустил Copenhagen Sparkling Tea Company, одну из самых известных марок игристого чая. Примерно в то же время свою версию представил британский бренд Saicho, основанный Натали Чиу и Чарли Уинкворт-Смитом. В отличие от Коцембы, их отправной точкой стал не профессиональный, а личный опыт: Чиу не пьет алкоголь, и в ресторанах высокой кухни ей всегда приходилось ограничиваться водой, пока остальным подбирали винные пейринги. Именно это ощущение «выпадания» из общего гастрономического сценария, а еще вдохновение китайской чайной культурой (Чиу выросла в Гонконге) и стали толчком к созданию напитка, который мог бы конкурировать с вином по уровню вкуса и сложности. Игристый чай очень вовремя вписался в глобальный тренд на безалкогольные напитки. Он позволяет дать значительно большую комплексность вкуса, чем современные технологии безалкогольного вина, поэтому за рубежом его в основном выбирают экстрадорогие рестораны. В Москве можно продегустировать в KOJI. #вино_нкпм

Недавно рассказывала про новое пространство ТОН-ЦЕНТР и какие там будут ближайшие события. Сегодня немного подробнее. «Радость-свадьба с подменой невесты и другими происшествиями» - новая тотальная инсталляция и спектакль без актеров в ТОН-ЦЕНТРЕ, который объединит современное искусство, театр, музыку и русский фольклор. С 13 августа по 20 сентября на площадке будет разворачиваться уникальный спектакль, включающий архаический свадебный обряд с костюмами Андрея Бартенева, сценографией Кати Бочавар, партитурой Владимира Раннева в исполнении ансамбля N’Caged. Спектакль дополнит выставка Андрея Бартенева, посвященная творческому пути художника. Узнать подробности и выбрать сеанс можно здесь.

Кандинский внимательно изучал современное искусство, в том числе импрессионизм. Он признавал, что импрессионисты сделали важный шаг вперед, отказавшись от академической живописи и стремясь передать впечатление от увиденного. Однако, по его мнению, они по-прежнему оставались зависимыми от внешнего мира, тогда как искусство должно идти дальше - выражать внутреннее состояние человека, а не только впечатление от природы. В первых своих экспериментах хорошо видно, как Кандинский подходит к границе между предметной живописью и абстракцией. Пейзаж еще узнаваем, но художника уже интересует не столько изображение города, сколько эмоциональное воздействие цвета. Пространство становится условным, формы упрощаются, яркие цветовые пятна начинают жить собственной жизнью. Это уже не описание реальности, а попытка передать ее внутреннее звучание. (Фото 1-2) После первых опытов Кандинский окончательно приходит к мысли, что живопись должна действовать на человека так же, как музыка. В своих теоретических работах он предлагает собственую систему и разделяет произведения на импрессии, импровизации и композиции. Импрессии рождаются под впечатлением от внешнего мира. Это отклик художника на увиденное или услышанное событие. Импровизации (фото 5-6), по словам Кандинского, возникают почти бессознательно. Это непосредственное выражение внутреннего переживания художника, не связанное с конкретным внешним событием. Предметные мотивы практически растворяются, уступая место динамике линий, цветовых пятен и эмоциональному напряжению. Композицией Кандинский считал вершиной своего творчества. В отличие от импровизаций, они создавались долго и тщательно продумывались. Это наиболее сложные произведения, в которых каждая линия, форма и цвет подчинены единому замыслу.«Композиция VII» (1913) (фото 4), демонстрирующая уже зрелую систему художественного языка Кандинского. Для Кандинского цвет и форма никогда не были случайными. Он считал, что они обладают собственной духовной выразительностью. • Круг символизирует гармонию, духовность и бесконечность. Он воспринимался художником как наиболее совершенная форма. • Треугольник выражает движение вверх, развитие, духовный рост и устремленность. • Квадрат ассоциируется со стабильностью, материальностью и равновесием. Не менее важную роль играют и линии. Горизонтальная линия передает спокойствие и устойчивость, вертикальная - внутреннюю силу и стремление вверх, а диагональная создает ощущение движения, напряжения и энергии. Особое значение Кандинский придавал цвету. В книге «О духовном в искусстве» он подробно описывает психологическое воздействие каждого цвета. • Синий - цвет духовности, глубины, созерцания и внутреннего покоя. • Жёлтый - активный, энергичный • Красный - воплощение жизненной силы, энергии, уверенности и внутренней мощи. • Чёрный символизирует завершение, молчание и отсутствие движения. • Белый, напротив, означает потенциал, начало и наполненную возможностями тишину. Таким образом, в произведениях Кандинского цвет, линия и геометрическая форма становятся самостоятельным языком искусства. Они напрямую передают внутреннее состояние человека. #искусство_нкпм

«Сакральное и радикальное. Красная нить русского искусства» Атриум, музей-заповедник «Коломенское» Вчера была на кураторской экскурсии. На выставке представлены работы Натальи Гончаровой, Михаила Ларионова, Николая Рериха, Василия Кандинского, Владимира Татлина. Выставка произвела сильное впечатление, отдельно хочется отметить глубокую кураторскую работу и архитектуру пространства. Уже в самом названии заложена главная идея. «Сакральное» - это иконопись, а «радикальное» - авангард. На первый взгляд эти два мира кажутся абсолютно противоположными. Но выставка предлагает посмотреть на них как на две части одной художественной традиции. Красная нить - не просто метафора, а один из ключевых образов экспозиции. Красный - важнейший цвет древнерусского искусства: он связан, в частности, с одеждой Христа. Но в XX веке этот же цвет приобретает совершенно новое значение - становится цветом революции, новой культуры и радикальных перемен. Так один визуальный образ оказывается связующим звеном между разными эпохами. Особенно интересно наблюдать, как внимательно художники русского авангарда обращались к древнерусскому искусству. Они выросли в православной культурной среде, поэтому древнерусское искусство не могло не повлиять на их визуальное мышление даже тогда, когда они сознательно отказывались от привычных художественных правил. Сходство предлагается искать на разных уровнях: от очевидных визуальных перекличек до более глубоких принципов построения изображения. Получается интересный парадокс: авангард, который воспринимается как разрыв с традицией, во многом оказывается её продолжением. Традиция не исчезает - она трансформируется. Иконопись, как и сам русский авангард, впоследствии оказалась убрана в архив советской властью. Выставка интересна не только как сопоставление двух художественных направлений. Она показывает непрерывность русской художественной традиции там, где мы привыкли видеть разрыв: между иконой и авангардом, между сакральным и радикальным, между древней культурой и искусством нового мира. Как думаете, какая работа завершала выставку?) #искусство_нкпм

«Вавилон» Конкуренции нет. Человек может повторить за вами всё, но не вашу энергетику.

Любители искусства, мы создали для вас папку, куда собрали классные арт-каналы. Здесь вы найдете интересные факты, анонсы событий, полезные статьи и много познавательного и увлекательного. Добавляйте к себе ПАПКУ, чтобы оставаться на связи!🫶

Любители искусства, мы создали для вас папку, куда собрали классные арт-каналы. Здесь вы найдете интересные факты, анонсы событий, полезные статьи и много познавательного и увлекательного. Добавляйте к себе ПАПКУ, чтобы оставаться на связи!🫶

  Почему на Rolex написано Oyster?   Устрица - это способ герметизации часового механизма, запатентованный швейцарской часовой компанией Rolex. Он предусматривает уникальную конструкцию корпуса - плотное прилегание деталей друг к другу. Такое устройство надежно защищает механизм от проникновения воды и пыли. Название «Oyster» придумал основатель компании Rolex Ганс Вильсдорф. Считается, что он был вдохновлен на создание водонепроницаемого корпуса трудностью открытия устрицы во время обеда. Rolex запатентовал разработки и зарегистрировал дизайн корпуса под названием «Oyster» 29 июля 1926 года.   В 1927 году началась масштабная рекламная кампания уникальной конструкции. Особый вклад внесло сотрудничество бренда со спортсменкой Мерседес Гляйтце. Она доказала водонепроницаемость часов на практике, переплыв Ла-Манш с Rolex на руке. Заплыв длился более десяти часов, но пребывание в воде не отразилось на работе механизма. Сегодня, благодаря герметичной конструкции корпуса, все часы линейки Oyster гарантируют водонепроницаемость на глубине до 100 метров или до 3900 метров для моделей Rolex Deepsea. #fashion_нкпм #история_нкпм

ТОН-ЦЕНТР - паровозы ушли, искусство пришло Главное открытие лета - на Комсомольской площади заработало новое культурное пространство. ТОН-ЦЕНТР расположился в историческом Круговом депо, построенном в 1851 году по проекту архитектора Константина Тона - того самого, что создал Храм Христа Спасителя и Большой Кремлевский дворец. 13 лет назад его чудом уберегли от сноса. А теперь уникальный памятник промышленной архитектуры с куполом, похожим на римский Пантеон, зажил новой жизнью. Благодаря купольной архитектуре звук распространяется так, что посетитель оказывается внутри звукового поля, «как внутри колокола». «Искусство в движении» - не просто слоган, а философия. Близость железной дороги и вечное движение составов здесь не мешают, а гармонично сосуществуют с искусством и даже усиливают восприятие. Раньше депо задавало движение поездам, теперь - идеям и культурным процессам. Поворотный круг для паровозов стал вращающейся сценой для артистов. Программа объединяет современное искусство, музыку, театр и архитектуру. А вокруг планируется целый арт-кластер с галереями и мастерскими. С 13 августа по 20 сентября - выставка-опера «Радость-свадьба с подменой невесты и другими происшествиями» без участия живых актеров. 25 и 26 сентября «Мастерская Брусникина» и театр «Практика» представят документальный спектакль «Транссиб» о двухнедельной поездке по маршруту Москва - Владивосток. #искусство_нкпм #музыка_нкпм