Old Masters

"Женщины Амфиссы", 1887 Лоуренс Альма-Тадема Исторический сюжет о женской солидарности, описанный римским автором Плутархом в трактате "О доблести женской".  События происходили в середине IV века до н. э. во время Третьей Священной войны в Греции. Группа вакханок-фиад (служительниц бога Диониса), участвуя в ночных священных обрядах, впала в ритуальный экстаз и незаметно для себя забрела в город Амфисса. Обессиленные женщины уснули прямо на рыночной площади. В это время в Амфиссе находилось множество вражеских наемных воинов. Горожанки Амфиссы, боясь, что воины могут обесчестить или обидеть спящих, добровольно окружили их живым кольцом и охраняли до самого утра. Когда вакханки проснулись, женщины Амфиссы накормили их и, получив разрешение у своих мужей, проводили до границы, обеспечив безопасность.  Альма-Тадема использовал этот античный эпизод, чтобы показать викторианской публике тогдашней Англии, пример милосердия и защиты слабых, выходящий за рамки политических конфликтов. Old Masters

"Портрет Омаи", 1776 Джошуа Рейнольдс Знаковое полотно британской живописи, изображающее Май (Омаи), первого жителя Полинезии, посетившего Великобританию. Рейнольдс изобразил его в полный рост, босиком, в экзотических белых одеждах, напоминающих античные драпировки. Поза вдохновлена Аполлоном Бельведерским, чтобы придать образу достоинство и величие. На руках Омаи детально прорисованы традиционные татуировки. Омаи прибыл в Лондон в 1774 году со 2-й экспедицией Джеймса Кука и стал настоящей знаменитостью. Он поразил британское общество своей грацией и умением вести себя в высшем свете. Его представляли королю Георгу III. Философы эпоха Просвещения видели в нем - "благородного дикаря", живое доказательство теории Руссо о том, что человек в естественном состоянии чист и благороден. Омаи отправился в Англию с конкретной целью. Его родной остров Раиатеа близ Таити, был захвачен воинами с Бора-Бора. Омаи надеялся получить в Англии огнестрельное оружие и помощь, чтобы отвоевать свои земли. В 1776 году Джеймс Кук лично отвез Омаи обратно. Его высадили на острове Хуахине, построили ему дом в европейском стиле и оставили сад, лошадей и мушкеты. Однако без поддержки британцев, он ничего не смог предпринять и умер спустя два года, от болезни. В 2023 году "портрет Омаи" был выкуплен в совместную собственность Национальной портретной галереей (Лондон) и Музеем Гетти (Лос-Анджелес) за 50 миллионов фунтов стерлингов (топ-5 самых дорогих британских картин). Old Masters

"Извлечение камня глупости", 1494 Иероним Босх (1450 - 1516) Одна из самых известных сатирических работ Иеронима Босха, высмеивающая человеческое невежество и шарлатанство.  В центре картины — сцена мнимой хирургической операции под открытым небом. Средневековое поверье гласило, что безумие вызвано наличием в голове лишних камней, которые можно удалить.  Из головы пациента врач извлекает не камень, а тюльпан. В голландском языке слово "kei" означало и "камень", и "луковицу", а сам тюльпан символизировал глупую доверчивость или "шальные деньги". На голове хирурга надета перевернутая воронка - символ хитрости, обмана, указывающий на то, что "врач" является мошенником. Кошелек с ножом, на поясе - указывает на то, что цель "лекаря" — деньги пациента. Монах стоит рядом с шарлатаном-хирургом, держа в руке кувшин с вином. Это подчеркивает, что духовенство не только не препятствует надувательству, но и благословляет его, потакая человеческой глупости ради наживы. На голове стоящей рядом монахини лежит закрытая книга. Это сатира на бесполезные знания: даже если книга на голове, она не дает ума, если ее не читают. Надпись на картине называет пациента Люббертом. В голландском фольклоре это имя было нарицательным для сказочных дураков.  Картина Босха — это ироничное предупреждение о том, что вера в легкое исцеление делает людей жертвами шарлатанов. Old Masters

"Утренняя прогулка", 1785 Томас Гейнсборо Картина Гейнсборо не просто портрет супружеской пары, а один из самых лучших примеров стиля "grand manner" в английской живописи XVIII века. На полотне изображены Уильям Халлетт и Элизабет Стивенс. Им обоим по 21 году, и портрет был заказан в честь их свадьбы. В отличие от своего главного соперника Джошуа Рейнольдса, который предпочитал строгие академические позы, Гейнсборо привнес в портрет динамику. Фигуры не просто стоят на фоне леса, они словно "вписаны" в него. Кажется, что легкий ветерок шевелит перья на шляпе Элизабет, и тонкую ткань её модного муслинового платья.Если подойти к картине ближе, видно, что она написана очень быстрыми, "перьевыми" мазками. Это создает эффект вибрации воздуха и света. Каждая деталь на картине подчеркивает гармонию. Собака (здесь шпиц) в живописи классический символ верности, подчеркивает преданность супругов друг другу. То, как Элизабет держит Уильяма под руку, демонстрирует неформальную близость, которая была довольно смелой для официальных портретов того времени. Гейнсборо мастерски использует освещение: Свет падает слева, акцентируя внимание на лице и платье Элизабет, делая её центральной фигурой. В цветовой палитре преобладают холодные серебристые, голубые и зеленые тона создающие атмосферу свежего утра. Сегодня картина является одним из главных шедевров Лондонской Национальной галереи. Old Masters

- "Ариадна", 1898 Джон Уильям Уотерхаус; - "Тесей с Ариадной", 1640 Дженнари Бенедетто; - "Афиняне, отданные Минотавру",1855 Гюстав Моро; - "Тесей и Минотавр", 1861 Эдвард Бёрн-Джонс; - "Тесей и Минотавр", 1506 Чимо да Конельяно; - "Тесей победитель Минотавра", 1791 Шарль-Эдуар Шёз; - "Ариадна покинутая Тесеем", 1774 Ангелика Кауфман; - "Тесей и Минотавр" (фрагмент), 1515 Мастер Таварнеля. По древнегреческому мифу чудовище Минотавр, рожденный царицей Крита Пасифаей, по приказу её мужа царя Миноса был заключен в Лабиринт, построенный Дедалом. Афины, проигравшие войну критянам вынуждены были платить страшную "живую дань" - 7 юношей и 7 девушек каждые 9 лет, отправлялись на съедение Минотавру. Тесей, сын афинского царя Эгея, решил прекратить позорную дань. Он добровольно вызвался поехать на Крит в качестве жертвы, пообещав отцу: если он победит, корабль вернется под белыми парусами вместо черных. На Крите в Тесея влюбилась дочь Миноса - царевна Ариадна. Она понимала, что из Лабиринта почти невозможно найти выход. Поэтому Ариадна тайно передала Тесею меч, чтобы убить Минотавра, и знаменитый клубок ниток ("нить Ариадны"). Закрепив конец нити у входа, Тесей прошел вглубь, убил чудовище в схватке и по нити нашел дорогу назад, выведя остальных пленников. По пути домой Тесей, по велению богов, оставил Ариадну на Наксосе. Потому что она была обещана богу Дионису. Опечаленный потерей Ариадны, Тесей забыл сменить черные паруса на белые. Его отец Эгей, увидев черный парус, решил, что сын погиб, и в отчаяние бросился в море, которое с тех пор называют Эгейским.  Этот миф символизирует победу афинян над критским влиянием, вероятно, является отражением исторических реалий эпохи позднего Бронзового века. Old Masters

"Портрет Александры Струйской", 1772 Фёдор Рокотов (1736 - 1808) Картина признана одной из жемчужин русской живописи XVIII века и главным символом загадочного женского образа в отечественном искусстве. Рокотов использует технику мягких переходов — лицо Струйской словно окутано золотистой дымкой, что придает образу таинственность. Взгляд Александры называют ускользающим. Картина выполнена в изысканной гамме розовых, жемчужных и золотистых тонов, характерных для стиля рококо. Модель изображена почти фронтально, но легкий поворот головы и мерцание тканей создают ощущение внутренней изменчивости и жизни.  Портрет был написан вскоре после свадьбы Александры Петровны с Николаем Струйским, страстным библиофилом и поэтом-любителем. Портрет стал символом женского идеала эпохи Просвещения, где внешняя красота неотделима от богатства внутреннего мира. Заболоцкий в 1953 году посвятил этой картине знаменитые строки: "Её глаза — как два тумана, полуулыбка, полуплач...". Картина хранится в Третьяковской галерее в Москве. Old Masters

Последние картины Винсента Ван Гога (1853-1890) "Пшеничное поле с воронами" (10 июля 1890) - долгое время считалось последней работой из-за своего тревожного сюжета: мрачное грозовое небо, стая черных птиц и три дороги, ведущие в никуда. Картину часто воспринимали как "предсмертную записку", символизирующую одиночество и приближающийся конец. "Корни деревьев" (июль 1890) - согласно современным исследованиям Музея Ван Гога, именно эта картина официально признана его последней работой. Она выглядит иначе: полотно наполнено светом и яркими красками - синим, желтым, зеленым. Композиция кажется почти абстрактной и запутанной.  В 2020 году исследователи нашли точное место в Овер-сюр-Уаз, где были написаны "Корни". Было установлено, что Ван Гог работал над этой картиной буквально за несколько часов до рокового выстрела 27 июля 1890 года. Таким образом, полотно "Пшеничное поле" было написано примерно за две недели до смерти художника, а "Корни деревьев" стали его финальным, хотя и незаконченным этюдом. Обе картины хранятся в Музее Ван Гога в Амстердаме. Old Masters

Портрет Джузеппе Верди (1-й); Портрет Джузеппе Верди (2-й). Джованни Больдини (1842-1931) Портрет знаменитого оперного композитора Джузеппе Верди, написанный итальянским художником-импрессионистом Джованни Больдини в 1886 году, считается одним из самых энергичных и психологически точных образов созданных мастером. Работа проходила в два этапа.  Первая попытка (март 1886). Верди приехал в Париж для прослушивания баритона Мореля на роль Яго в своей новой опере "Отелло". Поддавшись уговорам своего друга Эмануэле Муцио, композитор согласился позировать Больдини в его мастерской на площади Пигаль. После длительных сеансов Больдини закончил портрет маслом. Однако результат не устроил ни художника, ни Верди: композитор постоянно отвлекался на разговоры с ассистентом, мастеру не смог уловить его истинный характер. Спустя месяц 9 апреля Больдини попросил композитора о повторном сеансе. На этот раз он сменил технику на пастель. Портрет был завершен менее чем за пять часов. Именно в этом варианте Больдини удалось передать "живой" взгляд и внутреннюю энергию маэстро. Экспрессивная манера Больдини подчеркнула характерные черты лица, пышные усы и пронзительный взгляд серых глаз.  Первый вариант сейчас хранится в "Доме отдыха для музыкантов" в Милане. Второй стал знаменитым. Больдини долго не расставался с ним, экспонируя на выставках по всей Европе. В 1918 году художник подарил его Национальной галерее современного искусства в Риме, где портрет находится и сегодня.  Old Masters

"Триумф Нептуна", 1634 Николя Пуссен "Нептун и Афитрита": - Якоб де Гейн, 1600; - Питер Пауль Рубенс, 1615; - Фердинанд Бол, 1663. В древнегреческой мифологии Посейдон (римский Нептун) и Амфитрита божественная чета, правящая мировым океаном. По легенде Посейдон (Нептун) впервые увидел Амфитриту, одну из пятидесяти дочерей морского старца Нерея, когда она танцевала со своими сёстрами на берегу острова Наксос. Бог морей мгновенно влюбился и пожелал взять её в жёны. Однако Амфитрита, испугалась грозного бога и сбежала на край света — к титану Атласу, который держал на плечах небесный свод. Она спряталась в глубокой пещере в океане, где её долго не могли найти. Посейдон разослал гонцов по всем морям. Успеха добился лишь дельфин. Он нашёл скрывавшуюся нимфу и заговорил с ней не силой, а красноречием. Дельфин расписывал величие Посейдона и то, какой прекрасной будет их совместная жизнь в подводном дворце, где она станет полноправной царицей. Дельфин сумел убедить Амфитриту, что Посейдон — достойный супруг и сам доставил её к богу. В благодарность за помощь Посейдон поместил дельфина на небо, превратив его в созвездие Дельфина. Амфитрита стала владычицей морей и часто изображалась на колеснице рядом с мужем. Амфитриту почитали как богиню, способную усмирять волны и оберегать моряков. Old Masters

Начало портретной живописи и роль Джотто ди Бандоне Джотто ди Бондоне (1267–1337) знаменитый флорентийский живописец, считается ключевой фигурой, положившей начало портретному жанру в европейской живописи. Он первым стал придавать персонажам черты реальных людей и передавать живые человеческие эмоции через мимику. Художник начал рисовать с натуры, соблюдая пропорции и объем, что сделало его фигуры трехмерными и осязаемыми. Новаторством было и введение в религиозные сцены изображений реальных заказчиков (донаторов) это стало важным шагом к выделению портрета в самостоятельный жанр.   В работах Джотто можно встретить одни из первых попыток портретного сходства в западном искусстве, знаковыми можно назвать портреты: Данте Алигьери: Джотто приписывают старейший прижизненный портрет его друга знаменитого создателя "Божественной комедии" Данте Алигьери во фреске капеллы палаццо Барджелло во Флоренции (1315). Папа Бонифаций VIII: фрагмент фрески с его изображением (провозглашение юбилейного 1300 года) сохранился в соборе Сан-Джованни-ин-Латерано (1305) Энрико Скровеньи: В сцене "Страшного суда" капеллы дель Арена (Падуя, 1310) заказчик банкир Скровеньи  изображен коленопреклоненным, подносящим модель храма Деве Марии. Его лицо наделено индивидуальными чертами. Кардинал Стефанески: На полиптихе Стефанески (музеи Ватикана, 1320) кардинал изображен как реальный человек, участвующий в священном событии. Old Masters

1 февраля — родился —   Николай Александрович Тархов (1871–1930) — заметный представитель "русского зарубежья", чей стиль сформировался на стыке позднего импрессионизма, постимпрессионизма и фовизма. Родился в Москве в купеческой семье. Провалил экзамены в Московское училище живописи, ваяния и зодчества (1894), после чего брал уроки у Константина Коровина. В 1899 году уехал в Париж. Обучался в Академии Жюлиана и Школе изящных искусств. Его продвигал знаменитый Амбруаз Воллар (дилер Ван Гога и Сезанна), организовавший в 1906 году его персональную выставку. Был одним из учредителей объединения "Мир искусства". С 1911 года жил уединенно в Орсе, посвятив себя семье. Умер в бедности в 1930 году.  Визитной карточкой Тархова стали длинные, нервные, часто косые "запятые", пунктирные мазки. Александр Бенуа называл его манеру "судорожной"  и "звонкой". Использовал чистые, яркие, "горячие" цвета. Несмотря на французские сюжеты (бульвары, кафе, быт), критики часто отмечали в его работах "русский свет" и особую северную сдержанность колорита. В его работах прослеживается влияние Клода Моне и Винсента Ван Гога. Малевич считал Тархова одним из тех, кто превратил живопись в "стихию движения цветовых элементов".  Сегодня его работы находятся в Женеве (Пти-Пале), Третьяковской галереи, Русском музее и т.д. Некоторые известные работы: "Автопортрет", 1918; "Козы на солнце", 1904; "Материнство",1902; "Улица в Сен-Мартен",1901; "Натюрморт с цветами", 1907; "Ребёнок и кошка",1907; "За завтраком",1906; "Груша в цвету",1911; "Под ветвями", 1913. Old Masters

31 января — родился — Луи Каравак (1684–1754) — французский живописец, ставший одной из ключевых фигур в процессе "европеизации" русского искусства при Петре I и его преемниках. Родился в Марселе в семье художника-декоратора. В 1715 году в Париже подписал контракт с Петром Лефортом на три года, но в итоге остался в России до конца жизни. Служил придворным художником при императоре Петре I и императрицах Анне Иоанновне и Елизавете Петровне. Работал в жанре портрета (включая коронационные), создавал плафоны, панно и даже православные иконы. Каравак сыграл решающую роль в становлении русской светской живописи, передавая европейские художественные каноны русским мастерам. С 1718 года возглавил живописную команду в Канцелярии от строений. Под его руководством работали будущие классики русской живописи: Иван Вишняков, Алексей Антропов, Михаил Захаров и другие. Он познакомил русских художников с французским стилем барокко и рококо, обучил их технике нарядного колорита и композиции светского портрета, что предопределило развитие жанра в середине XVIII века.  Некоторые известные работы: "Луи Каравак",1715(гравюра); "Петр I",1717; "Анна Петровна",1725; "Петр II",1723; "Анна Иоанновна",1730; "Анна Леопольдовна", 1733; "Елизавета Петровна, в мужском костюме",1744; "Елизавета Петровна, в черном",1750; "Екатерина Алексеевна",1746 (Екатерина II в юности). Old Masters

"Тантал", 1640 Джоаккино Ассерето (1600-1649) Согласно древнегреческим мифам Тантал — сын Зевса и царь города Сипила. Будучи любимцем богов, он был допущен к их трапезам на Олимпе, но злоупотребил этим доверием и стал совершать кощунства. Тантал крал нектар и амброзию, чтобы раздавать их своим смертным друзьям. Он рассказывал людям секреты, которые услышал на советах Зевса. Наконец, чтобы проверить всеведение богов, Тантал убил своего сына Пелопса и подал блюдо из его мяса на пиру. Боги сразу распознали обман, лишь Деметра, которая была в горе по Персефоне, съела плечико мальчика. Зевс воскресил Пелопса, заменив съеденную кость слоновой.   За свои грехи Тантал был поражён молнией и низвергнут в Тартар, где его подвергли изощренной пытке. В подземном мире Тантал стоит по горло в воде, но как только наклоняется, чтобы напиться, вода уходит в землю. Над его головой свисают ветви с сочными фруктами - грушами, гранатами, яблоками, но стоит ему протянуть руку, как ветер уносит их прочь. Кроме того над ним постоянно нависает огромная скала, готовая рухнуть в любую секунду, держа его в вечном ужасе. Отсюда пошло выражение "танталовы муки". Old Masters

"Мавзолей Тадж-Махал в Агре", 1876 Василий Васильевич Верещагин (1842 - 1904) На полотне изображен знаменитый памятник со стороны реки Джамна. Художник мастерски передал белизну мрамора и его отражение в воде. Работа входит в "Индийскую серию" Верещагина, включающую около 150 картин и этюдов. Верещагин работал над этими полотнами под открытым небом, стремясь к реализму в передаче света. Третьяков приобрел для своей галереи значительную часть индийских этюдов Верещагина, включая вид Тадж-Махала, на аукционе в 1880 году.  Тадж-Махал в Агре — это грандиозный мавзолей из белого мрамора, ставший мировым символом вечной любви. Построен по приказу падишаха империи Великих Моголов Шах-Джахана в память о его супруге Мумтаз-Махал (имя переводится как "Жемчужина дворца"), которая умерла в 1631 году при родах их 14-го ребенка. По легенде, перед смертью она попросила мужа построить мавзолей, достойный их любви. Строительство велось более 20 лет, примерно с 1632 по 1653 год. В возведении комплекса участвовало 20 тысяч человек. Здание сочетает в себе элементы персидского, индийского и исламского стилей. Главный купол достигает высоты 74 метров. После смерти Шах-Джахан был похоронен в том же мавзолее рядом со своей супругой.  Old Masters

Великолепные придворные портреты Франса Пурбуса Младшего (1569 - 1622): - "Мария Медичи, королева Франции", 1610; - "Альберт Австрийский", 1600; - "Изабелла Клара Евгения Австрийская", 1600; - "Винченцо Гонзага", 1601; - "Маргарита Гонзага", 1605; - "Елизавета Французская", 1616; - "Анна Австрийская", 1616; - "Людовик XIII, король Франции"; - "Марганита Савойская",1609. Франс Пурбус Младший, наследник династии художников Пурбусов,  заслужил репутацию одного из ведущих придворных портретистов Европы благодаря уникальному сочетанию фламандского реализма и торжественной парадности. Пурбус с исключительной точностью передавал фактуру дорогих тканей: блеск атласа, тяжесть бархата, жесткость накрахмаленных кружевных воротников-фрез и манжет. Он мастерски прописывал мельчайшие узоры золотого и серебряного шитья, а также драгоценные камни и жемчуг, подчеркивая баснословную стоимость нарядов заказчиков. Его кисть передавала "телесность" вещей — от перламутровой прозрачности жемчужин до пластики меха и тяжелых драпировок.  Его портреты подчеркивают официальный статус и достоинство модели через торжественные позы и величественные жесты. Несмотря на строгий этикет парадного портрета, художник умел передать характер и "умный взгляд" модели, что выделяло его работы на фоне более декоративных современников.  Old Masters

Алжирские пейзажи Пьера Огюста Ренуара Ренуар посещал Алжир дважды — весной 1881 и 1882 годов. Эти поездки стали для него временем творческих поисков и открытий, кардинально повлиявших на его палитру. Ренуар отправился в Алжир "по стопам" Эжена Делакруа в поисках яркого южного света и экзотики. Он писал сыну Жану: "В Алжире я открыл для себя белый. Все белое — бурнусы, стены, минареты, дороги".  В Алжире Ренуар довел импрессионистическую манеру до предела. Он использовал технику "цветных теней" и сопоставление чистых цветов, чтобы передать слепящее солнце. Самые известные работы созданные в тот период: - "Сад Эссе в Алжире" (1881), где он запечатлел аллеи пальм с "пиротехническим" эффектом света и цвета. - "Ущелье диких женщин" (1881), буйство красок передает  "неукротимость" южной природы. - "Мечеть в Алжире" (1881) — пейзаж с архитектурными элементами, передающий атмосферу восточного города. - "Поле банановых деревьев" (1881) — этюд, фокусирующийся на тропических экзотических растениях. - "Сад в Алжире" (1882) — еще один пример яркого, наполненного светом, импрессионистического пейзажа, написанного во время второй поездки.  Алжирский период помог Ренуару отойти от строгого импрессионизма. Его манера работы становится более свободной, эскизной.  Old Masters

- "Дедал и Икар", 1625 Антонис ван Дейк; - "Дедал прикрепляет крылья Икару", 1777 Пётр Иванович Соколов; - "Падение Икара", 1637 Якоб Питер Гоуи; - "Падение Икара", 1558 Питер Брейгель Старший; - "Плач по Икару", 1898 Герберт Джеймс Дрейпер. По древнегреческим мифам Дедал, величайший изобретатель и архитектор (создатель Лабиринта), разгневал царя Крита Миноса тем, что помог Пасифае. И был заключен вместе с сыном Икаром в Лабиринт. Тогда Дедал сделал крылья, чтобы улететь с острова, он скрепил птичьи перья льняными нитками и воском. Перед полетом Дедал дал сыну Икару четкую установку — держать в полете "золотую середину". Нельзя было лететь слишком низко, чтобы брызги моря не намочили перья, и слишком высоко, чтобы жар солнца не растопил воск. Икар не послушал отца. Опьяненный чувством полета, забыл об осторожности и поднялся слишком высоко. Солнечные лучи растопили воск, перья разлетелись, и юноша упал в море. В память о сыне Дедал назвал остров, у которого Икар упал, Икарией, а окружающие воды — Икарийским морем. Таким образом, Икар стал символом стремления человека к невозможному, несмотря на риск.  Old Masters

"Апофеоз Святого Игнатия", 1694 Андреа дель Поццо (1642 - 1709) Иллюзионистская роспись потолка в римской церкви Сант-Иньяцио —шедевр барокко, созданный иезуитом Андреа Поццо в 1685–1694 годах. Поццо использовал технику quadratura (архитектурная перспектива), чтобы создать иллюзию бесконечного пространства на плоской поверхности. Из-за нехватки средств на строительство настоящего купола Поццо нарисовал "Фальшивый" купол на холсте диаметром 17 метров. С определенной точки он кажется абсолютно объемным. Главная фреска нефа называется "Апофеоз святого Игнатия" (или "Триумф святого Игнатия"). Она изображает святого Игнатия Лойолу, возносящегося к Христу. Вокруг центральной сцены расположены аллегории Европы, Азии, Африки и Америки, символизирующие распространение иезуитской миссии по всему миру. Свои художественные идеи Андреа Поццо впоследствии сформулировал в известном теоретическом труде под названием "Живописная и архитектурная перспектива" (1700) . В трактате Поццо привёл инструкции по созданию архитектурных перспектив и декораций. Труд Поццо многократно переиздавался на протяжении 200 лет. Церковь Сант-Иньяцио находится недалеко от Пантеона, вход свободный.  Old Masters

"Смерть Леонардо да Винчи", 1818 Жан Огюст Доминик Энгр Художник запечатлел легендарный момент — смерть великого мастера в замке Кло-Люсе 2 мая 1519 года на руках у французского короля Франциска I. Энгр, будучи поклонником Высокого Ренессанса, наполнил сцену драматизмом. Леонардо да Винчи действииельно провел во Франции последние три года своей жизни (1516–1519) по приглашению молодого короля Франциска I. Король подарил художнику замок Кло-Люсе в городе Амбуазе. Леонардо получил почетный титул "Первого королевского художника, инженера и архитектора". В этот период он почти не писал картин, а занимался организацией придворных праздников и проектированием идеального города Роморантена. Пересекая Альпы в возрасте 64 лет, он взял с собой свои главные шедевры, включая "Мону Лизу", "Святую Анну" и "Иоанна Крестителя". Именно поэтому эти картины сегодня хранятся в Лувре. Франциск I относился к Леонардо с огромным почтением, называл его "отцом" и часто навещал для долгих бесед. Однако, легенда, о том что да Винчи умер на руках у короля, не подтверждается свидетельствами современников. Прах Леонардо покоится в часовне Святого Губерта в замке Амбуаз.  Подписывайтесь на канал: Old Masters

- "Пасифая залезает в корову, созданную Дедалом", 1528 Джулио Романо; - "Дедал и Пасифая", 1675 Жан Лемар; - "Пасифая", 1867 Гюстав Моро; - "Минотавр", 1885 Джордж Фредерик Уоттс Согласно древнегреческому мифу царь Минос сын Европы, утверждая свою власть на Крите, похвалялся вниманием богов к своим молитвам и обратился к богу Посейдону, чтобы тот послал ему быка для совершения жертвоприношения. Бог внял его просьбе, и из моря на берег явился белоснежный бык. Поражённый его великолепием, Минос отправил его в собственные стада, а вместо него принес в жертву другого быка. В отместку бог внушил жене Миноса, царице Пасифае ("Сияющей"), неестественную страсть к этому животному. Пасифая обратилась за помощью к искусному механику Дедалу, который находился в изгнании на Крите. Дедал изготовил полую деревянную корову, обтянул её шкурой и поместил внутрь царицу. Благодаря этой хитрости Пасифая смогла сблизиться с быком (по одной из версий в быка вселился сам Посейдон). В результате этого порочного союза родился Минотавр  — чудовище с телом человека и головой быка. Он обладал свирепым нравом и питался человеческой плотью. Чтобы скрыть позор своей жены и обезопасить жителей острова, Минос приказал Дедалу построить сооружение, из которого невозможно найти выход - Лабиринт. Old Masters