(не)Культурные заметки Ди

Книжный клуб октября — «Грозовой перевал» Эмили Бронте «Грозовой перевал» — это единственный роман Эмили Бронте, который рассказывает довольно мрачную, но страстную историю любви двух людей. Действие разворачивается в суровой английской пустоши, где старинное поместье становится ареной человеческих чувств, гордости и мести (идеально для осени!). Но это не обычный любовный роман. Герои Бронте неоднозначны: им можно сочувствовать и одновременно испытывать к ним неприязнь. А вся история показывает, что любовь — это не только хорошее. Она может возвысить и разрушить все вокруг, породить ненависть, сделать человека неукротимым зверем и в итоге стать проклятьем. Погружаться в готическую английскую атмосферу будем на встречах клуба: 🌼12 октября я расскажу про жизнь Эмили Бронте и историю создания «Грозового перевала». К этой встрече книгу читать не нужно — книга будет ждать вас на лекции; 🌼26 октября мы соберемся, чтобы обсудить прочитанное и порассуждать о человеческой природе. Стоимость участия в клубе: 3500 руб. В стоимость входит печатная книга, две встречи в Москве, дополнительные материалы по книге и отдельный чат с участниками клуба. Чтобы записаться или задать вопрос, напишите мне @diananizhnik Посмотреть, как проходили наши прошлые встречи, можно по хештегу #книжный_клуб@discultnotes

И продолжая про Леонардо. Мы в основном знаем его, как художника. Но начал он свою карьеру, как военный инженер. А его навыкам составления «резюме» можно только позавидовать! Как внебрачный сын деревенского нотариуса и служанки стал Великим Леонардо, читайте тут.

Посмотрев на картины из прошлой «свечной» подборки, можно еще вспомнить картины Леонардо да Винчи и подумать, что он был прадедушкой таких темных сцен. Ведь многие его работы тоже довольно темные, особенно если их сравнивать с работами современников Леонардо. Но все не так просто. Дело в том, что многие работы мастера со временем темнеют, изначально они не были такими. Связно это по сути с характером самого Леонардо — он, как великий экспериментатор и творец, все время искал и пробовал новое. И одной из таких новелл стала техника сфуматто. Буквальный перевод сфуматто — туманный или дымный. А на практике это значит, что на картине нет четких границ и линий, контуры расплывчаты, а все переходы очень плавные. Чтобы добиться такого эффекта, Леонардо наносил очень-очень тонкие мазки на картины. Рентген его картин в 2010 году показал, что толщина мазка была тоньше человеческого волоса! Техника потрясающая и дает ту самую дымку и загадочность на картинах Леонардо. Вот только со временем проявилась проблема. Дело в том, что Леонардо, как и все художники, использовал свинцовые белила. Ими рисовали светлые участки картины, а потом наносили остальные цвета. Но другие художники делали это толстыми слоями краски. А у Леонардо все было тоненьким. Поэтому свинец начал активно вступать в химические реакции с воздухом и темнеть. Добавить к этому лак, который всегда темнеет со временем, и вот уже работы да Винчи традиционно воспринимаются как темно-коричневые, хотя изначально они были в других цветах. Как пример на фото, это «Мона Лиза» Леонардо и копия картины, которую отреставрировали в музее Прадо. Есть версия, что копию писал один из учеников Леонардо одновременно с работой художника. Другой пример такого эксперимента да Винчи — это «Тайная вечеря». Леонардо хотел на этой росписи тоже сделать свое фирменное сфуматто, но существующая в то время техника росписи стен не позволяла этого. Тогда художник решил придумать свой состав грунта для стены. Но вышло не очень — смесь Леонардо не выдерживала влажности в комнате, где была роспись, и картина начала разрушаться еще во время работы. Что ей предстояло пережить потом — это просто ужас и заслуживает отдельного поста) #кто_это_нарисовал

Небольшой факт про меня — я люблю все, что связано с огнем. Я всегда радовалась, когда дома выключали свет и можно было долго жечь свечи. Я люблю стоять у костра (при этом не особо умею его разводить) и в целом что-то жечь. Эти выходные я провела у камина, и с тех пор меня не отпускает это изображение огня и ощущение тепла и уюта от него. Так что сегодня у нас тематическая подборка, которая отлично подходит для уютного осеннего вечера и заодно показывает мастерство художников и их умение работать со светом. Некоторые перечисленные тут мастера прямо специализировались на таких ночных сценах, и у них можно найти много подобных работ. А зажег эти огоньки в ночи во многом Караваджо — именно он одним из первых стал использовать сильный контраст между светом и тенью. В подборке: 1️⃣«Молодая женщина с прялкой в руках перед зажженной свечой», Адам де Костер, 1625-35 (одна из моих любимых в подборке: красивое лицо, наряд и очень мягкий свет) 🔟«Кающаяся Мария Магдалина», Жорж де Латур, 1638-40 3️⃣«Святой Иосиф-плотник», Жорж де Латур, 1652 4️⃣«Вечерняя школа», Герард Доу, 1660-65 5️⃣«Молодая девушка со свечой», Годфрид Схалкен, 1670-75 (посмотрите, как рука буквально впитывает в себя свет от свечи! Очень красиво!) 6️⃣«Портрет Вильгельма III, принца Оранского», Годфрид Схалкен, 1692-97 (не видела, наверно, еще таких темных портретов первых лиц государства, а еще и со свечой) 7️⃣«Гадающая Светлана», Карл Брюллов, 1836 (видела ее вживую на выставке в Русском музее — картина просто волшебная!) #кто_это_нарисовал

Целая библиотека в подарок от авторов культурных каналов. Решили с коллегами этой осенью порадовать вас новыми книгами. Семь админов выбрали по два произведения на свой вкус и с нетерпением ждут, чтобы отправить их счастливчикам. Может быть, они окажутся именно в ваших руках и помогут ответить на вопросы, дать подсказку, найти вдохновение. Для участия подпишитесь на: Модных кровей Гедония Просекко в антракте Саша Суралмаша Ноктюрн в чёрном и золотом (не)Культурные заметки Ди Ноги Ван Гога 8 октября в 12:00 бот выберет 7 победителей, которым мы отправим подарки. Удачи 🧡

Я рассказывала вам про разные достопримечательности Парижа, а до самой главной так и не дошла. Речь, конечно же, про Эйфелеву башню. Про нее можно много рассказать, но сегодня остановлюсь на удивительной истории удивительного человека. Итак, 1925 год, Париж. Бизнесмен Андре Пуассон вот-вот будет пить шампанское — он скоро закроет сделку и купит Эйфелеву башню за 4,2 млн евро по сегодняшним ценам. Продает ненавистную всем парижанам железную палку само Правительство. А точнее заместитель генерального директора Министерства почты и телеграфа. Зовут его Виктор Люстиг. Он рассказал Пуассону, что городские власти планируют избавиться от этой страшной башни и хотят продать ее на металлолом. Был бы Пуассон серьезным современным бизнесменом, то нанял бы кучу юристов, чтобы проверить этого заместителя и что за актив он покупает. Но это не тот случай. Никто не рассказал Пуассону, что Люстиг раньше был богатым немецким графом, который просил у обеспеченных старушек «в долг до завтра». Долг, конечно же, никто не возвращал, а драгоценности оставленные в залог оказывались подделкой с позолотой. А еще у Люстига была на удивление богатая коллекция писем и других документов Марии Кюри и Авраама Линкольна, тайные и нигде не опубликованные рассказы Марка Твена и много подобных вещичек. У этого заместителя отлично получалось все это продавать разным доверчивым людям. Поэтому он решил замахнуться на что-то посерьезнее. Подружился с этим несчастным Пуассоном и буквально втюхал ему Эйфелеву башню. Предложение о покупке кстати рассылали очень многим богатым людям. Стороны уже подписали контракт, дело оставалось за малым — надо было дать взятку. Все это выглядело очень правдоподобно. Так, Люстиг получил 200 тысяч евро «взятки» наличными и еще чек на 4,2 млн евро за «продажу» башни. Когда Пуассон понял, что вообще произошло, Люстиг был уже в Вене. Бизнесмен в полицию не пошел, слишком уж стыдно было. А Люстиг посмотрел на это и решил — гулять так гулять и нашел еще одного покупателя на Эйфелеву башню. Но этот оказался посмышленее, заподозрил неладное и обратился в полицию. Тогда Люстиг сбежал в США, где стал фальшивомонетчиком. Там он недолго был на свободе — его вскоре арестовали и приговорили к 20 годам в Алькатрасе. Провел бы Люстиг хоть минимальный предварительный анализ, то узнал бы, что Эйфелева башня, которая должна была недолго простоять во время Всемирной выставки 1889 года, останется в Париже надолго. Дело в том, что строительство башни обошлось в баснословную сумму — почти 30 млн евро на современные деньги. А окупилась она уже за время работы той самой выставки. Недовольство недовольством, но кто будет отказываться от такого источника дохода) Сейчас Эйфелеву башню ежегодно посещает больше четверти миллиарда человек. В этом году я оказалась среди них) Как туристу, впервые посетившему Париж, считаю, что простительно) #история_из_истории

Несколько дней мы с вами возмущались, удивлялись и поражались Пикассо и его работам. Но у меня есть еще одно направление, которое я пока не пониманию — это абстракционизм. Вот, например, картина Ротко «Оранжевый, красный, жёлтый», которую в 2012 году продали за почти $87 млн! Картина входит в топ самых дорогих работ. И, кстати, второе место занимает Пикассо, уступая только да Винчи. Смотря на это, понимаю, что тут надо разбираться, идти вглубь и пытаться понять, в чем «соль» этих работ. Для такого непростого путешествия я выбрала основательный курс — «Как стать искусствоведом» от Синхронизации. Мне он понравился тем, что лекторы не просто рассказывают про знаменитые картины, а учат смотреть на них, как профессионал. А сколько неизвестных бриллиантов незаслуженно остаются без внимания! Про них тоже есть на курсе. Мне еще важно, чтобы я могла смотреть на работы в музеях без экскурсоводов и сама понимать картины. Ну и всегда просто приятно поддержать культурный разговор и смело вступать в дискуссии, понимая, что у тебя есть хорошая база знаний. Курс Синхронизации точно ее дает, потому что лекции охватывают все главные этапы в развитии искусства — от наскальных рисунков в пещерах до digital art. У программы гибкий формат онлайн-обучения, нет изнуряющих дедлайнов и страшных экзаменов. Зато есть возможность сделать паузу, спокойно переварить полученные знания и в удобное время пересматривать записи уроков. И самое главное — студенты получат диплом о профессиональной переподготовке, чтобы официально работать по специальности в области искусства. А чтобы обучение было еще приятнее, используйте промокод NOTES и получайте дополнительную скидку 10 000 руб. При оплате до 2 октября вы получите итоговую скидку 45 000 руб. Доступна оплата в рассрочку, иностранной картой или Сплитом. Записывайтесь! Курс стартует 11 ноября. Реклама. ООО «Культурная платформа «Синхронизация». ИНН 9721220961. Erid: 2W5zFJmhTyA

Возвращаюсь к Пикассо и сегодня расскажу про #культурный_визит в его музей в Париже. Первое, что меня впечатлило, — это здание, в котором находится музей. Это особняк Сале, который построили еще в 17 веке! Хороший такой контраст был: классические интерьеры в сочетании с совсем не классической живописью Пикассо. Первым собственником особняка был некий Пьер Обер де Фонтеней, который сколотил себе состояние благодаря налогу на соль. Собственно, отсюда и название особняка: Salé значит соленый. Потом тут было посольство Венеции, затем зданием владели другие люди, а после Французской Революции оно перешло в собственность государства. Сначала в особняке сделали школу, в которой учился Бальзак. А в 1829 году открылась Центральная школа искусств и ремесел, которую посещал Густав Эйфель. Но в итоге здание осталось пустым, и в 1985 году тут открылся музей Пикассо. Произошло это снова из-за налогов. Дело в том, что во Франции есть налог на наследство. То есть после смерти Пикассо его наследникам надо было заплатить просто гигантскую сумму за все предметы искусства, которые они получили после смерти художника. А получили они много, потому что многие работы Пикассо хранились у него самого. Чтобы заплатить налоги, наследникам пришлось бы распродавать предметы искусства — на руках таких денег просто не было. И чтобы не размывать коллекцию, решили использовать механизм dation. Это значит, что вместо денег налог можно заплатить искусством. В итоге государству перешло 200 картин, 160 скульптур, более 3000 рисунков и гравюр. Это работы самого Пикассо разных периодов его творчества и картины других мастеров из его коллекции. Вот так и образовался музей Пикассо. Мне удалось посмотреть только один этаж, потому что я ходила в музей в тот день, когда во Франции была национальная забастовка. Музей поддерживал бастующих и потому закрыл для посещения остальные этажи. Но я, честно говоря, не сильно расстроилась, потому что пока творчество Пикассо мне не близко. Из всего увиденного мне больше всего запомнилась работа «Купальщица» (фото 9 справа). Обычно этот сюжет изображают так: обнаженные девушки, которые резвятся в воде. Но у Пикассо это какая-то кракозябра) И этим она и привлекла внимание, потому что сразу вспомнилось купание в волнах или в небольшой шторм, когда море буквально так же крутит-вертит тебя вместе с камнями и песком. И ты уже никакая не изящная дама, прикрывающаяся полотенчиком, а эта самая краказябра. Программа минимум на следующее посещение Парижа — узнать поглубже творчество Пикассо и вернуться в музей не во время забастовки, чтобы посмотреть все собрание.

Услышала пару дней назад в интервью Евгения Жаринова фразу о том, что книги дают нам возможность прожить сотни разных жизней и эмоций, узнать себя и поговорить с внутренним Я, которое мы очень часто не знаем. И этот список книг создан как раз для того, чтобы мы могли почувствовать чуть больше и чуть глубже. Может быть больно, но иногда это именно то, что нужно.

Думаю, что каждая из них в какой-то момент была счастлива с художником. А может они только думали, что счастливы. Но что точно хорошего некоторых из них получили от Пикассо — это деньги. Фернанда Оливье и Франсуаза Жило написали мемуары про жизнь с художником. Первая договорилась с Пикассо не рассказывать то, что ему не хочется, и получила пожизненное содержание. Вторая написала все, ничего не скрывая, и получила кучу денег от публикации книги — в свое время продали больше 1 млн экземпляров. Жаклин Рок после смерти Пикассо стала управлять его огромным состоянием и коллекцией искусства и строила козни детям художника от других женщин. В итоге, чтобы прийти к какому-то общему знаменателю и не платить кучу налогов, наследники решили сделать музей Пикассо в Париже. Про него уже расскажу попозже)

7 женщин Пикассо Художник говорил:

Женщины — либо богини, либо тряпки

И так получалось, что сначала вроде все были богинями, а потом некоторые как-то становились тряпками. 1️⃣Фернанда Оливье (фото 1) Фернанда жила на Монмартре с разными художниками, позировала им, а потом ее нашел Пикассо. Она была той, кто узнал художника еще до его славы и денег. Им было по 23 года, оба бедствовали. Вместе с Пикассо она прожила 7 лет. В ее бытность художник переходит от мрачных голубых оттенков к нежно-розовым, а одна из Авиньонских девиц художника списана как раз с Фернанды. Именно в отношениях с ней Пикассо начинает получать славу, как художник. И одновременно начинает задумываться, что ему нужна другая женщина — эта слишком буйная, резкая и напоминает о трудных временах. 🔟Марсель Умбер Они познакомились в 1911 году в парижском кафе. Она была тоненькой, изящной, летящей. Пикассо сразу стал называть ее Евой, Ma Jolie и изображал в виде музыкальных инструментов. Марсель посвящена, например, картина «Моя прекрасная. Женщина с гитарой» (фото 2), где художник за грудой треугольников и не самого приятного коричневого цвета спрятал ее силуэт. С Марсель они были недолго: девушка умерла от туберкулеза. 3️⃣Ольга Хохлова В 1917 году Пикассо занимался декорациями для балета «Парад» Дягилева и познакомился с русской балериной Ольгой. Она его так пленила, что в 1918 они обвенчались. Пикассо был на седьмом небе от счастья и даже обещал отказаться от богемного образа жизни ради семейного гнездышка. Потом Ольга забеременела и у художника открылось новое дыхание: он начал чаще обращаться к образам Ренессанса и рисовать мать с ребенком. Но потом что-то пошло не так и вместо красивой девушки, которую Пикассо рисовал на своих картинах в первые годы их совместной жизни, начали появляться какие-то изуродованные портреты (фото 3). Ну а их творец нашел себе другую музу. 4️⃣Мария-Тереза Вальтер С Вальтер Пикассо познакомился на Французской Ривьере. Ей 17, ему 46. Так что надоевшая жена и маленький сын довольно быстро были брошены. Пикассо с Марией-Терезой будут вместе 13 лет. И именно этот период в жизни художника искусствоведы назовут вершиной его творчества. Но стоило Вальтер родить дочь, как Пикассо покинул ее ради нового увлечения. А в 1937 году он написал ее портрет «Женщине в берете» (фото 4), про который сказал: «Наверное, для девушки болезненно видеть на картине, что её время проходит». Вальтер в это время было 27 лет. 5️⃣Дора Маар Маар была художницей и фотографом. Пикассо запечатлел её на мрачной и страшноватой картине «Плачущая женщина» (фото 5). Встречаясь с Маар, художник не забывал и про Вальтер: по выходным он проводил время с ней, как примерный семьянин. И при этом Пикассо не развелся с Хохловой. Такая ситуация не нравилась Маар, она очень ревновала художника. В итоге они разошлись, а женщина попала в психбольницу. А Вальтер так и не дождалась художника обратно и повесилась. Пикассо же был увлечен уже другой. 6️⃣Мари Франсуаза Жило В 1943 году Пикассо уже 62 года. Но возраст не помешал ему начать отношения с 22-летней Мари (ее портрет на фото 6). Она была из обеспеченной семьи, училась на художницу и тоже рисовала в стиле кубизм. И это тот исключительный случай, когда два творческих человека смогли ужиться. Они провели вместе 10 лет, Мари родила Пикассо двоих детей, каждый занимался своим творчеством. Но Пикассо не был бы Пикассо, если бы он не изменил. Узнав про это, Мари забрала детей и сама ушла от художника. Не привыкший к такому, Пикассо пытался всячески мешать развитию творческой карьеры Жило. 7️⃣Жаклин Рок Последние 20 лет своей жизни Пикассо провел с Жаклин (портрет на фото 7). Она утешала его после ухода Жило, была его секретаршей, натурщицей и музой — за время их совместного проживания художник написал около 400 портретов Рок. Она же называла его великим маэстро и делала все для него. И в итоге Пикассо официально женился на ней в 1961 году (Хохлова умерла в 1955 и Пикассо официально стал свободен). #кто_это_нарисовал

Судя по погоде в Москве, осень решила, что ей пора вступать в свои законные права. И чтобы отвлечься от этого холода, серого неба и общей начинающейся недружелюбности природы, предлагаю посмотреть на работы чешского живописца Альфонса Муха. У него очень осенняя цветовая гамма практически на всех работах. Но только одна из картин в этой подборке — это аллегория осени (фото 5). Если присмотреться на другие работы, то можно заметить, что тут есть и рекламные плакаты (например, фото 4 — это реклама шоколада, а фото 9 — мыла), и театральные афиши, и туристические плакаты (фото 2). Именно с такой коммерческой живописи Муха и начинал: он писал рекламы, афиши, календари, ресторанные меню, приглашения, визитные карточки. Позже его приглашали иллюстрировать книги. А поворотным в судьбе художника стал заказ от театра «Ренессанс» — нужно было нарисовать афишу для постановки с Сарой Бернар. И так как заказ пришел под Рождество, все остальные художники были заняты, а Муха был готов взять заказ. Это стало началом творческого тандема Бернар и Муха. После этого у художника становилось все больше заказов, а картины с его узнаваемыми женщинами хотели получить себе эстеты, коллекционеры, богатые дамы, лучшие отели и рестораны. Я их понимаю — от такой красоты я бы тоже не отказалась) #кто_это_нарисовал

Такой роскоши я ещё не видела. Это опера Гарнье в Париже, которая по своему убранству, как мне показалось, выглядит величественнее многих замков. А появилась эта опера из-за неудавшегося убийства. В 1858 году Наполеон III пережил покушение на свою жизнь в опере Лепелетье. Такой экспириенс императору не понравился, поэтому он отказался ходить в этот театр и приказал построить новый. Объявили конкурс проектов, в котором победила идея Шарля Гарнье — неизвестного и довольно молодого архитектора в то время (ему тогда было 35 лет). Но Наполеон III так и не смог попасть в новый театр: император умер в 1873, а строительство оперы закончили только два года спустя (и то не все доделали). Несколько интересных фактов про оперу Гарнье: 🎵 В опере есть театральное фойе (фото 7). Это такой променад, где зрители проводят время до спектакля и во время антракта. И в это время можно почувствовать себя монаршей особой. Дело в том, что Гарнье проектировал фойе по подобию парадных галерей замков: там много золота, шикарные люстры, расписные потолки, зеркала. И везде, от потолка до решеток отопления, можно разглядеть лиру; 🎵 Специально для Наполеона III в опере спроектировали несколько пандусов, чтобы он мог подъезжать на своем экипаже максимально близко к опере и избегать лишнего внимания (скромняга). А так входы в оперу есть со всех сторон здания, отдельно для зрителей в ложах (то есть очень обеспеченных) и для всех остальных; 🎵 За сценой есть тайная комната — танцевальное фойе. Сначала это был зал для разминки артистов перед выходом на сцену, а потом туда стали пускать избранных посетителей. Так обычный балетный зал превратился в место для обсуждения насущных проблем в политике и бизнесе и в поле для поиска симпатичной девушки (на картинах Дега, кстати, можно частенько подобные сцены увидеть). Балерины так удачно находили себе там ухажеров, что когда они требовали повышения зарплат, руководство говорило: «Зачем вам это, если у вас есть Танцевальное фойе?». А когда зал хотели закрыть для посторонних, все эти дядечки очень возмущались. Но в 1935 году его все же закрыли для сторонних посетителей; 🎵 Потолок зрительного зала в свое время расписал Марк Шагал. Его выбрал сам министр культуры Франции. На своей работе Шагал изобразил сцены из известных балетных и оперных постановок, добавил туда достопримечательности Парижа, свой автопортрет и портрет того самого министра культуры. К сожалению, когда я посещала оперу, зал был закрыт, и роспись Шагала не удалось увидеть. Но это хороший повод купить билет на оперу или балет и сходить в оперу Гарнье, как полноценный посетитель; 🎵 Именно в опере Гарнье происходят действия романа «Призрак Оперы» Гастона Леру. И в этой книге автор упоминает некое подземное озеро. Оно есть на самом деле. Место, где стоит здание, изначально было заболочено, поэтому нужно было придумать, как изолировать воду. Так сделали отдельный резервуар для воды, которая сейчас хранится на случай пожара.

Я уже давно заметила за собой, что мне неинтересно просто смотреть на красивые картинки. Мне важно смысловое содержание. А это сейчас редкость на самом деле. У автора канала «Модных кровей» в этом смысле отличный баланс — стильному визуалу сопутствует достойное содержание. Мне очень близка стилистика и, например, такие истории: Обложка, из-за которой Фицджеральд изменил текст «Великого Гэтсби»; История женщины, благодаря которой в России оказалось больше 300 работ Матисса; Недооцененная «Квартира» с Моникой Белуччи или красивое кино на вечер; Есть и прекрасное музыкальное: Стинг, Элтон Джон и Уитни Хьюстон поют арию из «Риголетто» с Лучано Паваротти или вальс Энтони Хопкинса. В общем, все как в глянцевом журнале: с хорошими и интересными текстами, вдохновляющим историями и путешествиями и даже анекдотами. Проникаемся элегантной эстетикой и подписываемся! #культурная_рекомендация

Сегодня мы встречались с девушками из книжного клуба для обсуждения «Лолиты» Набокова. Я ожидала, что обсуждения будут жаркими, но чтобы настолько — 6 часов размышлений, высказываний разных точек зрения, разборов тех или иных ситуаций под разными углами. Наш абсолютный рекорд за все время! Мы так и не пришли к единому мнению, для каждой книга отозвалась по-своему. Но мне кажется, что это и есть самое важное в работе автора — зацепить в каждом что-то свое, раскрыть книгу для каждого по-своему. Набоков справился с этим идеально. Но все же кое в чем мы сошлись. Во время обсуждений мы примерили на себя роли присяжных, к которым все время обращается главный герой книги, Гумберт. И все его осудили. Но каждый за разные вещи: почти все за растление малолетней, кто-то ещё и за убийство (а кто-то наоборот оправдал его за это), другие за неспособность бороться со своими желаниями и страстями, но многие освободили его от ответственности за его психическое нездоровье. Еще одна вещь, в которой все сошлись: «Лолита» — это не просто роман о растлении маленькой девочки. Эта книга про разрушенное детство, про важность доверительных отношений в семье, про то, что никогда нельзя судить по внешней оболочке, про постепенное опускание человека к чему-то животному и про большую потребность в любви и в её выражении, которая есть в каждом из нас. Но которая, к сожалению, не всегда находит правильное применение. Эта книга про сильную личность, про сломанную личность, это психологический портрет маньяка, изобличение педофилии или наоборот ее романтизация (тут уже каждый остался при своем мнении). И я очень рада, что мы смогли рассмотреть эти разные грани «Лолиты» и отойти от общепринятого мнения, что это пошлая и грязная порнография. Да, там есть мерзкие описания, но они только усиливают понимание, что это трагическая, а не эротическая книга. #книжный_клуб@discultnotes

Перед вами самая большая картина Лувра (в ширину почти 10 метров), которую не могут поделить Италия и Франция. Это «Брак в Кане» Паоло Веронезе (1562). Сначала немного о сюжете картины. Веронезе изобразил больше 130 человек, которые находятся якобы на свадебном пиру. Но среди гостей у нас Иисус Христос, Дева Мария и Апостолы (фото 2), и прямо сейчас мы наблюдаем чудо превращения воды в вино. Среди других гостей Веронезе нарисовал Султана Сулеймана Великолепного (того самого из сериала), Императора Священной Римской Империи Карла V, короля Франции Франциска I и королеву Англии Марию I (фото 4). Ну то есть guest-list похлеще, чем на свадьбе у Безоса. Но на самом деле такой свадьбы, конечно же, не было. Это, скорее, картина-аллегория. С одной стороны, это социальный и политический портрет Венеции 16-го века. С другой стороны, это большая иллюстрация бренности жизни. В центре, на самых почетных местах — Иисус и Дева Мария, а не жених с невестой. Они сидят с края стола слева. И пока музыканты играют, а вино льется рекой, стремительно свой бег продолжает время — прозрачные песочные часы тоже расположены прямо в центре, возле музыкантов (которые кстати художники на самом деле: среди них есть и сам Веронезе, в белой одежде, и, например, Тициан). Эту картину Веронезе заказали монахи-бенедиктинцы. И особенно они попросили использовать побольше ультрамарина, который в то время стоил баснословных денег. Но монахи этого ордена могли себе позволить такую роскошь. И два века картина провисела в столовой монастыря Сан-Джорджо в Венеции. При этом её нижний край касался пола, и создавалось впечатление, будто картина продолжает комнату, и вы тоже присутствуете на этом пиршестве. Но в 1797 году в Италию вторгается Наполеон, который, судя по количеству вывезенного из разных стран искусства, был страстным любителем прекрасного. Так, «Брак в Кане» переезжает во Францию. Правда, приехала картина не в лучшем состоянии: по пути ее погрызли мыши, и в целом все полотно нуждалось в реставрации. Французы реставрировали картину, и не раз. И вот в начале 19-го века Италия начала требовать вернуть работу Веронезе. Франция сумела убедить итальянцев, что картина очень хрупкая, и перевозить её нельзя (считается, что можно на самом деле). И вместо «Брака в Кане» Лувр отдал Италии одну из картин Шарля Лебрена (тоже по-своему хороший мастер, но во Франции куча его работ, поэтому французы ничего и не потеряли). Этот обмен и то, что Веронезе остается а Лувре, закрепили договором. Но Италия не успокоилась, и до сих пор требует от Франции вернуть картину. В 2010 году местные активисты даже обращались к первой леди, Карле Бруни, итальянке, чтобы она повлияла на Лувр. Но учитывая, что «воз и ныне там», повлиять, видимо, не удалось) Сейчас самая большая картина Лувра висит прямо напротив самой популярной картины музея. Но музей борется за Веронезе с не меньшей пылкостью, чем, думаю, боролся бы за Джоконду. #кто_это_нарисовал

Кстати, на выставке Поля Пуаре были работы еще одной русской художницы — Натальи Гончаровой (так неожиданно приятно было видеть русские имена на выставке в Париже!). Гончарова тоже сильно была связана с миром моды и балета: делала эскизы для российских дизайнеров, сотрудничала с Шанель, а для Дягилева была ведущим художником. Но знали ли вы, что первая выставка Гончаровой закончилась ее арестом? Подробнее про это и про то, как Дягилев добивался расположения художницы, читайте тут. А после поста попробуйте отгадать, какой стиль основала Гончарова вместе со своим мужем) P.S. Предупреждение: с арт-викторинами в этом канале можно провести полдня! Настолько они интересные и нетривиальные

Начинаем утро с порции красоты💫 Сегодня расскажу про #культурный_визит на выставку костюмов Поля Пуаре, которая идет сейчас в Музее декоративно-прикладного искусства в Париже (буквально соседнее здание от Лувра). Её название, «Мода — это праздник», говорит само за себя. Пуаре использовал яркие ткани и восточные узоры, делал не утилитарную одежду, а произведение искусства. Но самое важное его достижение — он отказался от корсетов в женской одежде. С самого юношества он работал в сфере моды, а в 24 года уже основал свой модный дом! Пуаре дружил с современными ему художниками, делал вместе с фовистами модные коллаборации и заказывал у лучших мастеров по керамике уникальные пуговицы для своих изделий. А Бакст, Дюфи и Эрте рисовали для модных журналов девушек в нарядах Поля Пуаре. Его наряды носили светские дамы, актрисы, балерины и певицы. Танцоры «Русских сезонов» Дягилева выступали у Пуаре во время модных показов, а актрисы становились лицами его бренда. Кстати, была приятно удивлена, увидев на выставке довольно много мифических акварелей Леона Бакста, которые он писал для «Русских сезонов». Такой круг общения не мог не привести к новым творческим проявлениям Пуаре: после успеха русского балета«Шахерезада» в Париже он устроил свою костюмированную вечеринку в стиле «Тысячи и одной ночи», куда пригласил больше 300 гостей. Все костюмы для них Пуаре придумал сам. Потом были и другие вечеринки, которые в итоге привели к тому, что у дизайнера появился свой театр в саду его дома. На этом творческие проявления Пуаре не закончились. Он стал первым кутюрье, который сделал свои духи. При этом все производство было в рамках его модного дома, никакого аутсорса. Потом он занялся декоративно-прикладным искусством, издал книгу рецептов, сам выступал в театре и продавал картины своего авторства. Но за всеми этими увлечениями стоит вполне себе житейская нужда — денег на фантазии дизайнера, которые он хотел воплощать в одежде и в своей жизни, просто не хватало. Да и сменившаяся эпоха после Первой Мировой войны уже не принимала такую одежду, какую делал Пуаре. В 1927 году дизайнеру пришлось закрыть свой дом моды. Мне эта выставка показалась красивым воспоминанием бурной эпохи Пуаре. Кроме костюмов его дизайна там есть много фотографий, которые проносят посетителей по жизни дизайнера. Но главная звезда этих фото — это жена Пуаре (фото 8). Кажется, будто она лучше всех моделей могла показать наряды своего мужа, обыграть их и сделать из обычного прямого платья шикарный образ. И хоть самого бренда давно нет, «голос» Пуаре слышен до сих пор. На выставке кроме костюмов начала 20-го века есть и уже более современные наряды-оммажи на творчество дизайнера: тут и Dior времен Джона Гальяно, и Schiaparelli 2000-х, и многие другие. Выставка идет до 11 января 2026 года. Если будете в тех краях и любите моду, то обязательно сходите!

В моем путешествии по Франции меня сопровождал Набоков: я дочитывала «Лолиту» и для подготовки лекции об авторе читала автобиографию писателя «Другие берега». Первую книгу мы обсуждаем в книжном клубе, а про вторую очень хочется рассказать тут. «Другие берега» — это аристократичный, прекрасно непростой и заставляющий думать и представлять язык, детские воспоминания о семейных поездках, сожаления об упущенном наслаждении моментами и их ценности. Набоков писал эту книгу в 50-е годы, когда он уже жил в США. И в книгу уместились почти 40 лет жизни писателя буквально на другом берегу Атлантики и на другом полушарии — в России и в Европе. Но бОльшая часть посвящена все же России, проведенному в ней детству, любимой семье и горькому чувству потери родины. Когда я читала воспоминания Набокова о родителях и беззаботном детстве, меня просто обволакивало теплом! Настолько это написано с любовью, с трепетом, с нежностью. Но больше всего мне в душу запали вот эти строки-воспоминание о лете в загородном имении Набоковых:

Ощущение предельной беззаботности, благоденствия, густого летнего тепла затопляет память и образует такую сверкающую действительность, что по сравнению с нею паркерово перо в моей руке и самая рука с глянцем на уже веснущатой коже кажутся мне довольно аляповатым обманом. Зеркало насыщено июльским днем. Лиственная тень играет по белой с голубыми мельницами печке. Влетевший шмель, как шар на резинке, ударяется во все лепные углы потолка и удачно отскакивает обратно в окно. Все так, как должно быть, ничто никогда не изменится, никто никогда не умрет.

Через весь текст видно, как писатель любил своих родителей и как те любили своих детей. Это, кстати, передалось и самому Набокову. Первым годам жизни его сына Дмитрия посвящена отдельная глава. И она тоже полна любви, но уже другой, отеческой. Еще в книге можно познакомиться с непривычным для нас Набоковым — не писателем, а страстным энтомологом, бойким боксером, искусным шахматистом и отверженным вратарем. А еще, будем откровенны, снобом и беспощадным критиком со своим мнением по очень многим вещам. Но это не отталкивает, а наоборот притягивает. Возможно, потому, что одновременно с ним есть маленький мальчик, который вспоминает игры с матерью, розыгрыши учителей и многочисленные первые любови навек. В общем, мне книга очень понравилась. Я уверена, что её можно читать, как отдельное художественное произведение. Но если сначала ознакомитесь с биографией Набокова, то, мне кажется, эффект от чтения будет более полным. И ещё одно предупреждение: после прочтение книги может захотеться узнать свою родословную, позвонить своим близким и провести с ними время, погулять по родному городу, своим местам и понять, что счастье — оно не где-то там, оно прям здесь и сейчас. #время_на_книги

Город можно попробовать на вкус — если знать, где. #культурная_рекомендация на сегодня — это дневник гастроэнтузиаста, эстета и любителя хорошего вина — Евгении. На канале ABSOLUTIQUE собраны не только обзоры ресторанов Москвы, Питера, Парижа, Дубая и других городов мира, но и винные заметки, тематические подборки и новости ресторанного мира. Погружаться в бриллианты гастрономии (но только после завтрака!) можно, начав с этих постов: — Утренний кофе с рогаликом а-ля рус с ванильным кремом в атмосферном кафе на Петровке в Москве. — Разнообразие свежей рыбы в стиле омакасе в камерном, но при этом очень изысканном ресторане со звездой Мишлен. — Возможность не только посетить Зимний дворец в Петербурге, но и попробовать его на вкус. ABSOLUTIQUE — не про туристические маршруты. Здесь нет «топ-10 мест». Только те, которые стоят того, чтобы их запомнили. Подписывайтесь, чтобы не пропустить самое интересное - https://t.me/absolutique