...and Action!

Зрозумів, що люблю багато технічних і візуальних ідей в Alien: Romulus. Але як цілісний твір це скоріш схоже на безпечний та прямолінійний студійний музей із красивою вивіскою з перших двох частин (+ Resurrection). Я великий шанувальник серії ще з дитинства, коли Чужий лякав як дуже сильний образ і бачився в будь-якому темному кутку. Колись у мене навіть була ідея зробити велику серію відеоесе за кожним фільмом квадрології (сподіваюся, що колись зможу втілити ці плани, бо відео по першому фільму досі люблю). І Alien: Romulus чудово оформлений розважальний фільм, адже це такий crowd pleasing movie, який рано чи пізно трапляється з кожною великою франшизою — багато фан-сервісу і максимальний прорахунок на великі збори з боку студії. Ось тільки особисто я не дуже хотів, щоб цей фільм так сильно намагався себе продати. Бо після дуже сильного початку з величезними обіцянками, мрачною індустріальною візуальною естетикою та абсолютно чудовим ворлдбілдінгом (серйозно, я б хотів більше погуляти по вулицях колонії) ти помічаєш, що замість Чужого в тебе на екрані прямолінійна інтертекстуальність, паузи для оплесків фанатів та відеоігрова логіка екшену, в якому значно менше загрози для героїв. Наприклад, сцена з антигравітацією неймовірна з візуальної точки зору, але в промо вона виглядає набагато напруженішою, ніж є у самому фільмі. А деякі цитати-пасхалки зовсім не мають сенсу, бо Romulus не дає достатньо свого контексту, щоб фан-сервіс міг спрацювати як щось органічне для світу конкретно цього фільму! Ютубер Патрік Томассо абсолютно правильно зауважив ось що: уявіть, якби Кей, персонаж Раяна Ґослінґа, промовив уголос знамениту цитату Роя Батті про «сльози під дощем» у Blade Runner 2049. І в фільмі ще б була пауза для реакції глядачів. Наскільки це б відчувалося неправильно? Чи було б це органічним конкретно для цього персонажа і контексту цього фільму? Так ось, Alien: Romulus робить «сльози під дощем» кожні 20-30 хвилин і на мене це не працює 👀 Загалом є враження, що над режисером Феде Альварезом, який відомий за дуже страшними хорорами з ультранасильством і диким саспенсом, нависла Disney, яка постійно нашептувала йому на вухо більш передбачувані творчі рішення, наслідки яких було б набагато простіше прогнозувати з боку студії. Це здорово, коли легасі сиквели акуратно і з повагою відтворюють світ оригінальних фільмів — хоча б на базовому рівні це все має працювати. Але водночас ще крутіше, коли автори по дорозі створюють багато свого і вкладають нові контексти. І знаєте... от там, де Alien: Romulus намагається бути чимось своїм — фільм по-справжньому починає сяяти! (1/2)

Максимальний рівень непорушної аури Рідлі Скотта! Напевно ви бачили, що Letterboxd вже давно опитує акторів і режисерів з метою з'ясувати їхні Топ 4. У 99,9% відсотків люди щиро діляться своїми найулюбленішими фільмами і розповідають короткі історії про те, як той чи інший тайтл змінив їхнє життя. Нещодавно вони спіймали Рідлі Скотта на прем'єрі Alien: Romulus, і той видав базовану базу, включивши в цей топ свій Blade Runner! Які ж все-таки неймовірні енергії від нього, ні секунди не сумнівається в тому що говорить. Плюс бонусом згадав, що коли він побачив оригінальні Star Wars то після сеансу був три місяці в депресії через те, наскільки це був для нього крутий експірієнс. Напевно з часом саме зйомки Alien повернули його до життя. (Нещодавно знову переглянув і все ще як уперше — абсолютно неймовірний фільм і здається, що у своєму відеоесе я якось мало розповів). Маю відчуття, що через скору прем'єру Alien: Romulus у мене знову арка великої любові до цієї франшизи.

Подобається, як у твіттері знову став популярний цей фрагмент з Aliens, коли Ріплі їде в ліфті, попутно збираючи своє спорядження для врятування Ньют. Уривок почали помічати через абсолютно прекрасну рір-проекцію — якщо придивитеся, то помітите за решітками великий екран, завдяки якому створюється ілюзія спуску по шахті ліфта. У той час як сама кабінка з Сігурні Вівер насправді не рухається. Плюс нервова камера, дим, мерехтливе світло і прекрасний скор від Джеймса Хорнера створюють відчуття напруженого спуску і продають ефект. Трохи нагадує знамениту проходку Тома Круза вулицею з Eyes Wide Shut. Окремо відзначу ще два моменти: - Те, як Ріплі збирається силами, заплющуючи очі — для мене цей короткий момент говорить абсолютно все про стан героїні і я тут же підключаюся до неї емоційно. Скільки б разів не дивився фільм, все одно переживаю за успіх її місії як вперше. - Те, як відкриваються створки ліфта наприкінці фрагмента. Я щоразу думаю, що в цей момент камера починає рухатися, створюючи тим самим дуже складний паралакс. Але ні, вона статична, а рух у кадрі все такий же насичений і неймовірно динамічний, через накладення різних шарів створки, диму і мерехтливого світла. Обожнюю цей кадр — він чудово завершує сегмент у ліфті, емоційно закріплює його для глядача, і візуально це хороший розділ між локаціями. Ну і звісно ж Ріплі наприкінці фрагменту ❤️ А ще я прикріплюю уривок зі своєї улюбленої версії фільму — це скан з 35mm Eastman 5384.

1. Концепт-арт великої небесної медузи, намальований самим Джеймсом Кемероном наприкінці 70-х. 2. Найновіший концепт-арт небесного корабля який, як я розумію, зібрали з цієї небесної медузи (насправді я не знаю, мені просто подобається, що дивлячись на ці зображення мені хочеться фантазувати). І цей новий арт для Avatar: Fire and Ash (офіційна назва третьої частини). Не секрет, що ідея Avatar займала думки Кемерона вже наприкінці 70-х. І те що він надзвичайно талановитий художник це теж відомо. Просто дивлячись на ці два концепти і порівнюючи їх ось так side by side розумієш, що старі ідеї навіть через більш ніж 40 років можуть ожити з шаленою силою. І це неймовірний процес! Насправді решта концептів для третьої частини теж з абсолютно why is this so insanely cool аурою.

Я все думав, чому читаючи опис сюжету TRON: Ares всередині мене нічого не клацає? Тобто так, там буквально про те, як людство зіткнеться з AI-істотами в реальному світі... fine, whatever. Але справа ж не тільки в цьому. Ares ставить у центр персонажа Джареда Лето — саме через його призму ми будемо досліджувати реальний світ і все, що з ним пов'язано. І як шкода, що не через призму Кворри, з якою у глядача вже є зв'язок з подій Legacy. Тобто бачити те, як вона відкриває для себе наш світ потенційно набагато цікавіша стартова точка, справді? Думаю що так, але можливо тільки на папері. Дивіться, підтверджено що у фільм повертається Джефф Бріджес в образі Кевіна Флінна. Але, судячи з усього, Гаррета Хедлунда та Олівії Вайлд (Сема Флінна та Кворри) ми так і не побачимо. І відсутність їхніх персонажів може бути свідомим рішенням. У підсумку залишається герой Лето, який, найімовірніше, переслідує ті ж самі цілі, що й КЛУ. І ось тут я починаю краще розуміти вибір арт-дирекшена і стилю фільму. Весь цей злий і грубий зовнішній вигляд зі щільного червоного обумовлений виключно вибором протагоніста. TRON завжди був про стиль, вайб та ритм > сюжет. І сам Арес вийшов не з Системи Флінна, а з Системи Ділленджера (лиходій першого TRON у якого ще була програма Майстер Контроль, яка, до речі, теж вся червоного кольору). На папері Кворра та її шлях як точка входу набагато цікавіша, але з позиції СТИЛЮ, вигадати окремого персонажа, щоб дати фільму дуже конкретне і невипадкове візуальне оформлення, мені не здається поганою ідеєю. Навпаки, це максимально кіношна послідовність думок і часто саме такий вигляд має результат великої творчої роботи. Кіно це не книжка, та і в такому всесвіті як TRON необхідно думати насиченими образами і розкадровкою, які породжують ще більше ідей і способів їх втілення. Авжеж, поки не подивлюся фільм я не дізнаюся, як воно насправді. Я загалом досі відчуваю багато напруги щодо триквела, тому цим постом я прямо кажу, що хочу вірити в краще. Ті ж новини про саундтрек дуже допомагають. P.S. Daft Punk у 2010 році пишуть величний і мерехтливий скор до холодного та меланхолійного Legacy, на екрані буквально тех-нуар ісекай з божевільною кінетикою, а сам фільм побудовано навколо месседжа "як вилікуватися від помилок минулого?" . А новий фільм такий: взагалі-то, дітки, Арес це давньогрецький бог війни, Nine Inch Nails відомі своєю великою і злою музикою що пробирає до кісток, головний герой скоріш за все лиходій і взагалі у нас тепер УСЕ ЧЕРВОНЕ. Що ж, який час, такі й розваги.

Згадую абсолютно неймовірний скор к Challengers від Трента Резнора и Аттікуса Росса (так, це Nine Inch Nails) і розумію, що в мене нарешті є надія на тріквел TRON. Чесно, від анонсу в мене мурашки ✨

Згадую абсолютно неймовірний скор к Challengers від Трента Резнора и Аттікуса Росса (так, це Nine Inch Nails) і розумію, що в мене нарешті є надія на тріквел ТРОНу.Чесно, від анонсу в мене мурашки ✨

От би мені такі ж швидкості, як у цих машин 😭

Достойне продовження теми цього поста — реальні машини роблять врум врум на великій швидкості, а кінематографісти ризикують усім що в них є, щоб зробити захопливий кадр. А якщо трохи серйозніше, то це відео від Патріка Вільямса чудово розповідає про те, як катастрофічно недооцінені фільми з погонями та й взагалі сам процес зйомки автомобілів.

Новий фільм Джозефа Косінскі виглядає неперевершено! ❤️ Тут легко можна було б написати про те, що це Top Gun: Maverick тільки з машинами (зверніть ще увагу на ракурси камери в кабіні з пілотом), але це було б величезним спрощенням. Я дійсно дуже радий, що режисер продовжує втілювати свою неймовірну любов до швидкості. Просто нагадаю, що окрім відомого архітектурного контексту, майже всі фільми Косінскі про неймовірне відчуття швидкості під час їзди або польоту. Він щоразу вигадує якесь незвичне середовище навколо або додає унікальний транспортний засіб, щоб помістити глядача у свої світи — просто згадайте розмаїття транспорту TRON: Legacy або Oblivion та їх сетинг, і ви зрозумієте про що я. Top Gun: Maverick став найчистішим втіленням цього прагнення, але фільм про Формулу 1, здається, не хоче відставати. Абсолютно неймовірне відчуття кінетики в трейлері. Fun fact: оригінальний Top Gun з машинами теж існує. Називається Days of Thunder. Навіть пара "режисер + актор" однакова — Тоні Скотт та Том Круз.

Подобається візуальний мотив води в Thief. (1, 2) Головний герой неймовірно успішний у крадіжці і фільм не втрачає ні хвилини, щоб із самого початку показати успішно виконану справу. Протагоніст працює на себе, ні перед ким не звітується і світ навколо зрозумілий і передбачуваний. І після справи на екрані безтурботний ранковий берег. Навколо майже ні душі, місто спить і світ у порядку. (3, 4) Через деякий час герой береться за нову справу. Небезпечну та підозрілу, але куш занадто великий, щоб його ігнорувати. І світ навколо стає менш передбачуваним. Замість спокійного причалу тепер гостре каміння, а вода шумить і б'ється об берег. Начебто все знайоме, і взагалі поряд рідні, але всеодно щось не те. (5, 6) Наприкінці, коли напарника головного героя вбивають, а його самого підставляють, на екрані тепер зовсім неспокійна вода, в яку скидають мертве тіло товариша. Тепер назад дороги немає. І це набагато темніший і жорсткіший образ, який чудово підкреслює, як світ навколо перестав бути передбачуваним і зрозумілим. Дуже простий, але ефективний спосіб показати через навколишнє середовище стан головного героя, який вже навряд чи буде таким, як раніше.

Thief від Майкла Манна — прекрасний! Маю величезну повагу перед цим фільмом за те, як сильно заздалегідь він сформулював для нас смертних Drive Ніколаса Віндінґ Рефна. Настільки заздалегідь, що між Thief та Drive різниця аж в 30 років! Просто здогадайтеся який з них я зараз описую? На екрані загадковий професіонал з непорушним набором принципів, який розгулює серед нуарного міста в пошуках чи то нової "останньої справи", чи то справжнього життя, яке колись втратив. А синтетичний мерехтливий саундтрек, що пронизує наскрізь як холодний дощ, буде вірним попутником у цьому сюжеті. Є щось дуже тихе, недосяжне, практично абстрактне в тому, як детально і поступово відбуваються події фільму. За сюжетом усе просто — профі береться за дуже небезпечну роботу, виконує її, та ось, нарешті, можна зажити так, як завжди хотілося. Поряд ще й жінка, яка може прийняти героя таким, який він є насправді. І начебто все на своїх місцях. Так? Зрозуміло, що ні. Завжди буде одна велика обставина, яка все поламає. Неймовірно, як усе, що описано вище, підходить обом фільмам. Так, мільйон разів бачили таке. Але справа у виконанні, бо все, що є на екрані Манн перетворює на результат неймовірно серйозної роботи — прямо уявляю як під час зйомок у його голові могло бути щось схоже на "ну, якщо на екрані такий профі, то і я маю бути не гіршим". І викручує кожен аспект на максимум: - У головного героя мають бути дуже специфічні принципи, які ніщо не зможе змінити? Ок, буду створювати КОЖЕН РАЗ обставини, де ці принципи зможуть себе проявити. І ще сотню разів перевірені на міцність. - У головного героя має бути класна куртка яка підкреслюватиме його характер і стане тим самим "костюмом для справи"? Авжеж, знайду найкрутішу серед курток, але ту, що не стане сильно привертати увагу. - Місто має бути не просто привабливим і загадковим, а ще й складним окремим героєм? Уфф, ну добре, тоді у кадрі не буде чіткої географії, щоб створити відчуття нескінченного мегаполісу, навколо буде стільки віддзеркалень і текстур матеріалів, що вистачить на окрему арт-виставку, а музика від Tangerine Dream створюватиме таке враження, що Чикаго просто не може звучати інакше. Взагалі враження, що саме місто створюватиме обставини і життя, а не люди навколо. У цьому світі всі стіни, поверхні та навіть повітря пронизані сигаретним димом, бензином і дощем. Я от ніколи не був у Чикаго. Але після цього фільму відчуття, що колись у мене там були справи та є надійні люди, з якими я колись працював. Це самотній, повільний і не супер насичений подіями фільм, що типово для Манна. Але якщо ви фанат Drive, що ж, ви точно маєте дізнатися, з якої cinema все почалося.

Challengers dir. Luca Guadagnino

Вам варто звернути увагу на Hit Man від Річарда Лінклейтера. Глен Пауелл видає свій, мабуть, найкращий перфоманс за всю свою кар'єру (вибачте, перфоманси, бо ви точно не готові до його версії Патріка Бейтмана), а його хімія з Адрією Архоною — дивовижна. Так, конвенційно красиві люди на екрані мають конвенційно красивий вигляд, нічого дивного і нічого проти не маю. Але саме тут це чудово працює. Hit Man розповідає історію слабохарактерного та тихого професора, який підробляє на пів ставки в поліції. Чергова робота, де йому потрібно було «перевтілитися» в кілера для запису свідчень не просто розкриває його особистість з несподіваного боку, а ще й запускає ланцюгову реакцію неприємностей. Бо він закохується в клієнтку. Так, все настільки просто, а ви про що подумали? Лінклейтер і сам Пауелл розганяють концепт «ситуація виходить з-під контролю»... не на максимальні оберти, але в цьому і поінт, цей фільм дуже акуратний і не поспішає завчасно. Кожен діалог, кожна нова інформація або локація — просувають глядача уперед. Hit Man дуже гарний приклад такого кіно, яке на 99% складається з діалогів і в пейсингу практично нічого не ламається. Усе тримається на хімії акторів, якомусь привабливо-вигаданому вайбі і, ви здивуєтеся, на «Так, але», про яке я говорив у тексті про Speed. Тільки мова тепер зовсім не про екшен. Зазвичай я не дуже люблю, коли фільм складається тільки з гарних акторів та їхніх розмов, бо ще один крок і це вже схоже на театр (мені, будь ласка, 100 кілограм кіномови, кінетики та графічності). І тут треба віддати належне, саме завдяки Глену Пауеллу розумієш, наскільки особистість його героя нещадно дробиться. Межі того, що він вважав своїм поступово зникають. Але ніякої драми, бо як я і казав у Hit Man є привабливий вайб який нагадує атмосферу вихідного дня. Те, наскільки вам підходить фільм, який більше тримається на вайбі, велика абстракція, яка дуже індивідуальна і скоріше ґрунтується на тому, чи подобаються вам у данному випадку фільми Річарда Лінклейтера. І якщо динамічний діапазон, який тут показує Пауелл чомусь недостатній селінг поінт, то довіртесь діапазону Лінклейтера, за плечима якого Boyhood, School of Rock та трилогія Before Sunrise/Sunset/Midnight. Так, це не зовсім той фільм, який виразно показуватиме свою прогресію або даруватиме дуже яскраві емоції після перегляду. Наприклад, здається, що герою Пауелла варто показово переживати свої трансформації, але насправді все буде ховатися в дрібницях — жестах героя, його реакціях або навіть у тексті на екрані телефону. Фільм не дає глядачеві 4, але дозволяє самому зробити 2+2, навіть якщо воно дуже просте. І шкода, що фільм опинився тільки на Нетфліксі, бо за межами фестивалів (80-й Венеційський міжнародний кінофестиваль та Міжнародний кінофестиваль у Торонто) у нього не було кінотеатральної прем'єри у Штатах. Сподіваюся, що він не потоне в нескінченній стрічці сервіса і отримає заслужену увагу. Тому що it's definitely a hit, man!

Мабуть про це вже неодноразово писали, але я всеодно багато думаю про вбрання принцеси Ірулан у Dune: Part Two. Така візуальна прогресія чудово передає, як вона все більше стає заручницею політичних ігор та втрачає свою агентність. Вільньов в інтерв'ю згадував, що одяг у фільмі прямо демонструє соціальний статус персонажа, а у героїні Флоренс П'ю зовсім небагато екранного часу. Тому це рішення зі зміною вбрання не просто чудова деталь візуальної мови, а повноцінна арка персонажа, що розказана всього в декількох сценах. Додатково прикріплюю невеличке відео з художницею по костюмах Жаклін Вест (дурненький жарт про те, що ми не родичі, я залишаю за собою).

Okay... that's actually kinda cool! Я нещодавно думав, чи є у SnorriCam розвиток в екшен сегменті. І ось це відео зі зйомок Bad Boys 4 показує, що є. Тут дуже багато потенціалу.

Деталь, яка мені завжди дуже подобалася це те, як Ян де Бонт використовує віддзеркалення, щоб посилити видовищність вибуху. На телефонних будках, на склі та металі... навіть обличчя акторів і їхні реакції це теж свого роду віддзеркалення. Ти реально відчуваєш, що середовище реагує на щось дуже сильне і неконтрольоване. Це все дуже класно підсилює момент і дає змогу мені як глядачеві відчути його потужність та фізичність. Плюс режисер часто поміщає самих акторів в екшен. В одному з інтерв'ю він згадує вибух автобуса над плечем Кіану Рівза та розфокусоване полум'я за спиною Денніса Хоппера — «Що б не сталося, у вас виникає відчуття, що в кадрі є щось більше, ніж просто ефект». А ще ось це: «Автобусу теж потрібна була кінцівка, оскільки кожному головному герою потрібна арка. Тому знімальна група купила старий вантажний літак за 80000 доларів і підірвала їх разом», — сказав Ян де Бонт. Cinema!