Victoria Barazzoni | Коды моды и искусства для стилистов и творцов
رفتن به کانال در Telegram
Аналитик моды Виктория Бараццони. Помогаю стилистам и творческим профессионалам развивать вкус, разбирать коды стилей и находить вдохновение в моде, искусстве и трендах. Практика, философия, методики для создания уникальных образов.
نمایش بیشتر2 099
مشترکین
+224 ساعت
+87 روز
+730 روز
در حال بارگیری داده...
کانالهای مشابه
ابر برچسبها
اشارات ورودی و خروجی
---
---
---
---
---
---
جذب مشترکین
اوت '26
اوت '26
+45
در 0 کانالها
ژوئیه '26
+71
در 1 کانالها
Get PRO
ژوئن '26
+37
در 0 کانالها
Get PRO
مه '26
+20
در 1 کانالها
Get PRO
آوریل '26
+23
در 0 کانالها
Get PRO
مارس '26
+27
در 0 کانالها
Get PRO
فوریه '26
+45
در 0 کانالها
Get PRO
ژانویه '26
+41
در 0 کانالها
Get PRO
دسامبر '25
+46
در 1 کانالها
Get PRO
نوامبر '25
+91
در 0 کانالها
Get PRO
اکتبر '25
+94
در 0 کانالها
Get PRO
سپتامبر '25
+62
در 0 کانالها
Get PRO
اوت '25
+52
در 0 کانالها
Get PRO
ژوئیه '25
+82
در 0 کانالها
Get PRO
ژوئن '25
+121
در 0 کانالها
Get PRO
مه '25
+63
در 0 کانالها
Get PRO
آوریل '25
+140
در 0 کانالها
Get PRO
مارس '25
+89
در 0 کانالها
Get PRO
فوریه '25
+27
در 0 کانالها
Get PRO
ژانویه '25
+51
در 0 کانالها
Get PRO
دسامبر '24
+14
در 0 کانالها
Get PRO
نوامبر '24
+10
در 0 کانالها
Get PRO
اکتبر '24
+10
در 0 کانالها
Get PRO
سپتامبر '24
+30
در 0 کانالها
Get PRO
اوت '24
+11
در 0 کانالها
Get PRO
ژوئیه '24
+9
در 0 کانالها
Get PRO
ژوئن '24
+7
در 0 کانالها
Get PRO
مه '24
+6
در 0 کانالها
Get PRO
آوریل '24
+18
در 0 کانالها
Get PRO
مارس '24
+10
در 0 کانالها
Get PRO
فوریه '24
+14
در 0 کانالها
Get PRO
ژانویه '24
+11
در 0 کانالها
Get PRO
دسامبر '23
+6
در 0 کانالها
Get PRO
نوامبر '23
+79
در 0 کانالها
Get PRO
اکتبر '23
+15
در 0 کانالها
Get PRO
سپتامبر '23
+37
در 0 کانالها
Get PRO
اوت '23
+1 577
در 0 کانالها
| تاریخ | رشد مشترکین | اشارات | کانالها | |
| 27 اوت | +1 | |||
| 26 اوت | +3 | |||
| 25 اوت | +1 | |||
| 24 اوت | +4 | |||
| 23 اوت | +7 | |||
| 22 اوت | +3 | |||
| 21 اوت | 0 | |||
| 20 اوت | +2 | |||
| 19 اوت | +1 | |||
| 18 اوت | 0 | |||
| 17 اوت | +1 | |||
| 16 اوت | +1 | |||
| 15 اوت | 0 | |||
| 14 اوت | +1 | |||
| 13 اوت | +2 | |||
| 12 اوت | +1 | |||
| 11 اوت | +1 | |||
| 10 اوت | +1 | |||
| 09 اوت | +2 | |||
| 08 اوت | +1 | |||
| 07 اوت | +2 | |||
| 06 اوت | +2 | |||
| 05 اوت | +5 | |||
| 04 اوت | 0 | |||
| 03 اوت | +2 | |||
| 02 اوت | 0 | |||
| 01 اوت | +1 |
پستهای کانال
+1Что общего в изображениях Древнего Египта и Византии?
Вы мне скажете: что вообще может быть общего? Это как солнце и луна, две абсолютно разные эстетики. И действительно, визуально они очень разные. Но одна важная связь есть.
Первое, что бросается в глаза, это плоскостность изображения. И Древний Египет, и Византия работают с плоскостью.
Про Древний Египет человек, который не разбирается в искусстве, может сказать: ну понятно, просто ещё не умели изображать объём. Но это не совсем так. Дело не в том, что не умели, а в том, что такой задачи перед искусством не стояло, поэтому этот способ изображения и не развивался.
А про Византию так вообще уже сложно сказать. Византия наследовала античной культуре, где объём прекрасно умели передавать. Но он снова уходит. Почему?
Потому что и в Древнем Египте, и в Византии мы имеем дело прежде всего с сакральным пространством. Это не попытка показать нам обычный материальный мир таким, каким его видит глаз. Здесь важнее духовное, вечное, вневременное. Поэтому и телесность становится менее важной, а изображение уходит в плоскость.
И вы мне сейчас скажете: Виктория, хорошо, это интересно, если человек увлекается искусством. Но зачем это прикладному стилисту?
А затем, друзья, что стилист должен постепенно научиться мыслить такими же категориями.
Плоскостность есть не только в искусстве. Она есть в вещах. Она есть во внешности человека. И когда ваше мышление переходит с предметного уровня «эта вещь похожа вот на эту» на уровень принципов, работать становится в разы проще. Вы видите перед собой плоскость и уже можете искать аналоги, соединять совершенно разные источники, считывать и создавать нужные смыслы.
То есть это уже не просто знания об искусстве. Это способ видеть.
Мы сегодня как раз стартовали со Styling Art, и в первом цикле изучаем и Древний Египет, и Византию, и их основные коды. Причём Византия для нас особенно интересна ещё и потому, что её наследие стало одной из важнейших основ дальнейшей православной, в том числе восточнославянской, визуальной культуры.
К нам ещё можно присоединиться.
| 2 |  Древний Египет как шизоидная эстетика
Когда вы хорошо знаете эстетику, вы можете связывать её и с психотипами, и с архетипами. Почему? Потому, что визуальный язык един - средства выразительности + смыслы.
Например, посмотреть на культуру Древнего Египта через шизоидный психотип, возникает очень интересная связь.
Одна из ключевых особенностей шизоидного типа в том, что он смотрит на мир через идею. Ему недостаточно просто увидеть человека, предмет или событие и воспроизвести его таким, какой он есть. У него возникает своя внутренняя концепция того, что это значит и каким должно быть, и уже реальность начинает подчиняться этой концепции.
А теперь посмотрите на искусство Древнего Египта. Оно делает практически то же самое. Египетское искусство не стремится показать человека таким, каким его случайно увидел глаз. Тело подчиняется канону. Голова и ноги преимущественно изображаются в профиль, плечи фронтально, глаз фронтально. Размер фигуры может зависеть не от того, насколько далеко человек находится от зрителя, а от его положения в иерархии. Поза, атрибуты, цвет, символы помогают определить, кто перед нами и какое место он занимает.
То есть художник не говорит: «Я вижу человека вот так и поэтому так его изображаю». Он как будто говорит: «Я знаю, каким должен быть образ человека внутри моей системы мира». И вот здесь начинается самое интересное. Перед нами не столько воспроизведение реальности, сколько реальность, подчинённая идее.
Почему вообще возникает такая система?
Потому что значительная часть древнеегипетского искусства была связана с сакральным миром: богами, властью фараона, храмом, погребальным культом, смертью и продолжением существования после неё. Изображение не существовало просто для красоты. Оно было частью религиозного порядка.
Отсюда появляется ещё один важнейший код Египта: минимум случайности.
Случайный жест проходит. Эмоция меняется. Конкретное мгновение заканчивается. А египетская культура постоянно работает с идеей вечности.
Поэтому вместо мгновения появляется канон. Вместо эмоциональной мимики устойчивость. Вместо случайного ракурса система изображения. Вместо индивидуального жеста - знак.
И посмотрите, как интересно эта же логика переходит в костюм.
Мы привыкли сводить египетский костюм к белому льну, складкам, золоту и большим украшениям. Но если смотреть глубже, становится интереснее другое: естественное тело постоянно организуется. Гофрировка создаёт ритм, драпировки подчиняют тело определённой форме, сложные складки меняют его естественную пластику. Парики, макияж, украшения ещё сильнее формируют внешний образ человека. А индивидуальное начинает выражаться не столько через естественность, сколько через систему знаков. Цвет, украшения, скарабеи, религиозные эмблемы, атрибуты власти, оплечья могут не просто украшать человека, а сообщать о статусе и сакральных смыслах.
И снова возникает одна и та же логика: не естественность, а организация; не случайность, а система; не просто украшение, а знак; не мгновение, а вечность. Это способ мыслить, который раскрывается в одежде и искусстве. И это очень по шизоидному.
Почему это полезно? Потому, что ведущие психотипы есть у клиентов, умея связывать, вы получаете мощный инструмент для индивидуализации и создания интересных решений.
Стартуем завтра - первая часть Styling art начинается как раз с кодов Древнего Египта. | 268 |
| 3 |  Тема: Styling art – сегодня последний день скидки
Последние дни мы с вами много говорим про Египет, античность, романику, готику, я показывала вам Сиенский собор и разбирала, почему мы чувствуем в нём одновременно устойчивость романской традиции и движение готики. До этого мы разбирали съёмку Ким Кардашьян в образе Клеопатры и смотрели, почему наличие золота, бирюзы, чёрного каре и кошки ещё не означает, что человек действительно умеет работать с эстетикой.
И я подумала, что это, пожалуй, лучший способ объяснить, что вообще такое Styling Art и зачем я сделала этот курс.
Потому что изучать историю искусства можно совершенно по-разному.
Можно знать, что в Древнем Египте была такая одежда, в Греции такая, потом пришло Средневековье, романика сменилась готикой. Можно выучить названия, даты, художников, посмотреть сотни картинок. Всё это прекрасно расширяет кругозор, но само по себе ещё не делает вас сильнее как стилиста.
Мне гораздо интереснее другой вопрос: что вы сможете со всем этим сделать?
Допустим, вам нужно создать образ с отсылкой к Древнему Египту. Самый простой путь: золото, бирюза, геометричные украшения, чёрное каре. И вот уже перед нами двадцать пятая Клеопатра.
А можно понять, что египетская эстетика строилась на совершенно определённом способе видеть мир: сакральности, плоскостности, строгой геометрии, иерархии, устойчивости, повторяемости канона. И тогда вам вообще не обязательно делать «египетский костюм». Вы можете взять принцип, по которому эта эстетика создаёт впечатление, и перенести его в совершенно современный образ.
Вот здесь для меня начинается Styling Art.
Это не курс по истории костюма и не курс, после которого вы будете лучше реконструировать эпохи. Наоборот, мы будем учиться не копировать эпоху, а вытаскивать из неё инструменты для собственной работы. История искусства здесь становится огромной библиотекой способов выражать идеи.
И постепенно происходит очень интересная вещь. Вы начинаете смотреть на современную моду иначе. Вы видите коллекцию и уже не просто думаете: «Красиво. Сохраню себе в Pinterest». Вы начинаете понимать, откуда дизайнер достал эту идею, какой культурный код он использовал, что именно изменил и почему это работает. А главное, вы сами получаете гораздо больше вариантов, откуда брать собственные идеи. Именно этот переход от референсов к самостоятельному чтению эстетик заложен в методику курса.
И поэтому первый цикл Styling Art я специально начинаю с самого основания нашей визуальной культуры: от Древнего Египта до Готики.
Мы пойдём через Древний Египет, Древнюю Грецию, Древний Рим, Византию, романский и готический периоды. Но не в формате «посмотрите, что тогда носили». У каждого периода будем разбирать его атмосферу и смыслы, искусство, архитектуру, цвет, форму, линию, а потом смотреть, куда всё это исчезло или, наоборот, никуда не исчезло в современной моде. Будут современные дизайнеры и коллекции, fashion-съёмки, фильмы, вещи, коллажи и идеи для собственных стилизаций.
И уже внутри первого цикла мы увидим очень разные миры: строгую геометрию Египта, греческую гармонию и работу с телом, совсем другой по характеру Древний Рим, закрытую роскошь Византии, тяжесть и устойчивость романики и совершенно особенный мир готики.
В первом модуле:
· 25 уроков
· Уроки уже записаны и будут выходить 2 раза в неделю
· Вы можете проходить самостоятельно, а можете с проверкой
Мы начинаем 24 августа.
Можно войти только в первый цикл или сразу взять всю программу из пяти модулей. А дальше мы постепенно пройдём путь от Древнего мира до конца XX века.
➡️ Иду на курс | 305 |
| 4 |  +6Недавно я была в Сиене, чтобы увидеть их знаменитое Палио (традиционные скачки).
В результате на Палио мы не попали, так как его перенесли из-за погоды на 2 дня, а нам нужно было уезжать, билеты сгорели 🙈, но я, наконец, увидела знаменитый Сиенский собор. И это было невероятно ❤️.
Данный собор - это прекрасный пример того, как две эстетики могут существовать внутри одного объекта и не спорить друг с другом. Собор романико-готический, и это очень хорошо считывается даже не в отдельных деталях, а в том ощущении, которое он создаёт.
Когда вы подходите к нему, нет той тяжести, которую даёт чистая романика. Романская церковь часто ощущается почти как монолит: масса, мощная стена, устойчивость, земля. Но нет здесь и того трепета чистой готики, когда архитектура дробится, тянется вверх и как будто начинает вибрировать, как пламя. Здесь вы смотрите на невероятно сложный фасад и почему-то успокаиваетесь. Чувствуете основу, порядок, гармонию.
Рядом со мной стояла пара, которая посмотрела на собор и сказала: «О, это Ренессанс». Конечно, исторически это не ренессансный фасад. Но мне стало интересно, почему они так решили. Потому что они считали ощущение: симметрию, уравновешенность, ясность общей композиции, гармонию. Всё то, что мы действительно очень сильно связываем с Ренессансом.
Откуда здесь такое ощущение?
Эта устойчивость во многом идёт ещё от романской традиции. Посмотрите на нижнюю часть фасада: ощущается масса стены, мощное основание, горизонтальная организация, центральная полуциркульная арка. Даже чёрно-белые полосы постоянно возвращают глаз к горизонтали. Романика здесь как будто держит здание.
А поверх этой основы начинает работать готика. Тонкие колонки, острые завершения, пинакли, скульптура, растительный декор. Фасад дробится, появляется движение вверх, невероятная декоративность и почти ажурность. И, конечно, привет Notre-Dame de Paris: гаргульи, фантастические существа, буквально вырастающие из архитектуры.
Получается, романика даёт массу, горизонталь, устойчивость, а готика добавляет вертикальное движение, дробность, ажурность и декоративность.
И поэтому Сиенский собор так интересно ощущается: в нём нет ни романской тяжести в чистом виде, ни чисто готического трепета. Есть очень красивый баланс между устойчивостью и движением.
И вот вам практически готовый урок по смешению эстетик. Мы изучаем романику и готику отдельно не для того, чтобы понять, как работает язык каждой, и только тогда становится видно, как их можно соединять.
Именно эти две эстетики мы будем в том числе изучать на первом цикле Styling art, который стартует 24 августа. Сегодня последний день скидки.
➡️ Хочу на курс | 304 |
| 5 | Неужели стилисты в культовых журналах не умеют классно стилизовать на уровне концепций?
Вы часто задаете этот вопрос и он отличный! Например, касаемо вчерашнего поста про Ким Кардашьян в образе Клеопатры. Это журнал Harper’s Bazaar, один из ключевых. Почему такая съемка?
Я не думаю, что стилисты Harper’s Bazaar не знали кодов Египта. Скорее всего, перед ними стояла другая задача. Это 2011 год, Ким в тот момент прежде всего огромная звезда поп-культуры, а сама съёмка отсылает к Клеопатре Элизабет Тейлор. Им нужно было мгновенное считывание: Ким + Клеопатра + роскошь + сексуальность. Поэтому они пошли через самые узнаваемые массовые коды.
Но здесь есть принципиальная для меня вещь. Одно дело, когда вы сознательно выбираете простое решение, потому что оно лучше всего решает задачу. И совсем другое, когда простое решение является единственным, которое вы способны придумать.
Вот ради этой разницы мы и изучаем эстетику так глубоко. Профессионализм не в том, чтобы всегда делать сложно (!!). Профессионализм в том, чтобы видеть десять возможных решений там, где человек без подготовки видит одно, и осознанно выбирать лучшее.
И вот это как раз тот уровень мышления, который мне хочется вам дать. | 312 |
| 6 | Что не так с Клеопатрой Ким Кардашьян?
Это фотосессия Ким Кардашьян для Bazaar, gеред нами Ким в образе Клеопатры. И здесь есть важный нюанс? сама съёмка отсылает не столько к исторической Клеопатре, сколько к знаменитой Клеопатре Элизабет Тейлор. То есть мы уже имеем дело не с Древним Египтом напрямую, а с образом Древнего Египта, который когда-то создала массовая культура.
Но даже если забыть об этом и посмотреть просто на стилизацию, что мы видим?
Чёрное каре с прямой чёлкой, золото, бирюза, египетские орнаменты, трон, кошка, псевдоегипетский интерьер. Всё настолько очевидно, что нам требуется примерно секунда, чтобы сказать: Египет, Клеопатра.
И вот здесь возникает вопрос: а где, собственно, работа стилиста?
Потому что такую стилизацию сегодня может сделать практически любой человек. Открываете Pinterest, пишете «Cleopatra» и получаете десятки похожих образов. Скорее всего, среди первых референсов окажется Элизабет Тейлор в роли Клеопатры, то есть уже не историческая Клеопатра и даже не непосредственно Древний Египет, а образ Египта, однажды созданный массовой культурой. Дальше всё довольно просто: чёрное каре с прямой чёлкой, золото, бирюза, массивные украшения, египетские орнаменты, кошка. Собрали вместе, и зритель за секунду понял: Клеопатра.
Но для этого не нужно быть стилистом. Здесь не требуется глубокого знания эстетики, умения её анализировать или способности создать собственную идею. Вы просто берёте самые известные визуальные клише и воспроизводите их. И здесь начинается очень важный профессиональный вопрос. Если клиент способен собрать примерно тот же набор ассоциаций в Pinterest, за что он платит стилисту?
А теперь давайте посмотрим глубже? что с этой съёмкой не так, помимо того, что перед нами набор абсолютных клише?
Начнём с самого главного. Искусство Древнего Египта было прежде всего сакральным искусством. Значительная часть того, что дошло до нас, связана с религией, храмом, погребальным культом, представлениями о богах, царской власти, смерти и продолжении существования после неё. Изображение не было просто украшением или способом сделать человека красивым. Оно выполняло функцию внутри определённого религиозного порядка. Именно поэтому египетское искусство настолько устойчиво, канонично и символично.
И вот если вы это понимаете, совершенно иначе начинаете смотреть на эту фотографию.
Возьмём тело Ким. Оно построено по всем законам современной глянцевой сексуальности: подчёркнутая грудь, декольте, открытые ноги, объём, изгибы, демонстративная телесность. А древнеегипетское искусство мыслит тело принципиально иначе. И здесь важно не сказать примитивно, что «у египтян женщины были плоскогрудыми». Нет. Женская грудь изображалась. Но сама фигура не строилась вокруг натуралистического объёма и сексуальной демонстрации тела. Египетское изображение соединяет разные точки зрения: голова и ноги преимущественно в профиль, плечи фронтально, глаз фронтально. Фигура подчиняется канону и системе пропорций. Это не попытка поймать человека таким, каким он случайно оказался перед нашим глазом. Плоскостность - очень важный код Древнего Египта. То есть тело здесь становится не просто телом.
А теперь снова смотрим на Ким. На неё надели визуальные признаки Египта, но само тело оставили современным. Более того, оно построено практически на противоположном принципе: объём, чувственность, индивидуальная сексуальность, эффектная поза.
Получается очень интересная вещь: Египет находится вокруг тела, но не внутри способа его изображения.
И с кошкой происходит примерно то же самое. Кошки были связаны прежде всего с богиней Бастет и имели религиозное значение, поэтому кошка в египетской культуре не просто милый декоративный знак, который сообщает зрителю «мы сейчас в Египте». А что происходит здесь? Ким буквально сидит верхом на огромной декоративной кошке. Сакральный символ лишили его содержания и превратили в декорацию.
И вот теперь становится понятно, почему эта съёмка так хорошо объясняет разницу между двумя совершенно разными способами работы.
Можно стилизовать под эстетику. А можно мыслить внутри эстетики.
В первом случае вы спрашиваете: «Как выглядит Древний Египет?» И получаете каре, золото, бирюзу, кошку и Клеопатру.
Во втором вопрос совершенно другой: «Как Древний Египет выражал идею?»
И тогда зритель, возможно, даже не скажет сразу: «О, Клеопатра».
Зато перед ним будет новая идея, созданная вами, а не двадцать пятая вариация картинки, которую Pinterest уже показывал ему тысячу раз.
Вот здесь и проходит граница профессионализма. Не в количестве референсов. Не в способности правильно воспроизвести узнаваемые признаки эпохи. И даже не в том, сколько фактов по истории костюма вы знаете. А в способности понять, как эстетика мыслит, разобрать этот язык на инструменты и с их помощью сказать что-то своё.
И именно поэтому история искусства нужна стилисту не ради историзма.
Это огромная библиотека способов выражать идеи.
➡️ Именно этому мы учимся на Styling art, генерить новые идеи, работать со стилем глубоко, стартуем 24 августа. | 360 |
| 7 |  +1Что не так с Клеопатрой Ким Кардашьян, текст ниже | 338 |
| 8 | Что вообще такое глубина в профессии?
Иногда кажется, что глубокий специалист - это тот, кто очень много знает. Чем больше книг прочитал, чем больше курсов прошёл, чем больше художников, эпох, дизайнеров и коллекций может назвать, тем он профессиональнее. И я совершенно не против знаний. Знать много действительно полезно. Но в какой-то момент я поняла одну важную вещь: количество знаний само по себе ещё не создаёт глубины. Глубина начинается с того, как вы умеете этими знаниями пользоваться.
И вот здесь для меня проходит очень важная граница между просто стилизацией и концептуальной работой.
Возьмём любую эстетику. Например, античность. Можно стилизовать под античность. Мы знаем её самые узнаваемые элементы: хитон, драпировки, сандалии, золото, открытое тело. Берём эти элементы, немного осовремениваем, соединяем между собой и получаем образ, который зритель моментально считывает: ага, Древняя Греция. И это не плохо. Это один из способов работы. Но есть проблема: вы работаете с тем, что уже было придумано до вас. Хитон придумали не мы с вами, и за много десятков лет он успел прогуляться по такому количеству коллекций, съёмок и красных дорожек, что ещё одним платьем с драпировкой удивить кого-то довольно сложно.
То же самое происходит с любой эстетикой. Готика превращается в чёрный цвет, кресты и вытянутые формы. Сюрреализм в зеркала, странные позы и предметы не на своих местах. 1970-е в клёш, замшу и платформу. Вы вроде бы всё сделали правильно, зритель всё узнал, но ничего нового не произошло.
Потому что вы взяли результат чужого мышления, а не само мышление.
И вот здесь начинается второй уровень, который мне гораздо интереснее: не стилизовать под эстетику, а мыслить внутри эстетики. Что это значит?
Вместо вопроса «как выглядит сюрреализм?» я задаю другой: а что сюрреализм вообще делает с реальностью? Он нарушает привычную логику вещей, соединяет то, что в рациональном мире не должно соединяться, заставляет знакомый предмет потерять своё очевидное значение. И тогда мне уже необязательно брать зеркало или буквально цитировать Дали или Магритта. Можно взять этот принцип и придумать совершенно современный образ, в котором не будет ни одного очевидного «сюрреалистического» предмета, но будет работать сюрреалистическая логика.
То же самое с античностью. Можно взять хитон, а можно пойти глубже и спросить: какая идея тела существовала в Древней Греции? Как через пластику, движение, пропорции строилось представление о красоте? А если мне нужен не греческий, а римский код, меня уже может интересовать совсем другое: монументальность, статус, вес формы, идея матроны, тело не как объект демонстрации, а как носитель социального положения.
И тогда я могу вообще не использовать исторический костюм. Но связь с эстетикой будет гораздо глубже.
И, наверное, именно здесь я наконец для себя сформулировала, чем работа стилиста отличается от буквального воссоздания исторического или театрального костюма. Наша задача не обязательно в том, чтобы зритель посмотрел и сказал: «О, это Древняя Греция». Гораздо интереснее взять логику, которая когда-то породила определённые формы, и с её помощью создать новую форму уже для своего времени.
Поэтому я бы разделила работу с эстетикой на несколько уровней. Сначала мы видим её коды: цвет, форму, линию, фактуру, силуэт, предметы, композицию. Потом начинаем понимать, почему эти коды появились, какую идею человека, тела, красоты, власти, свободы, женственности или общества они выражали. А дальше происходит самое интересное: мы понимаем принцип мышления эстетики и начинаем пользоваться им сами.
И вот здесь знания наконец превращаются в инструмент.
Потому что знать двадцать эстетик и уметь воспроизвести их внешние признаки - это насмотренность и эрудиция. А уметь взять одну эстетику, разобрать её до принципа и на его основе придумать решение, которого раньше не существовало, это уже совсем другой уровень профессиональной работы. И именно переход от цитирования к авторству для меня и есть настоящая глубина.
На курсе Styling art мы учимся работать со всеми уровнями стилизаций для любого клиента. Старт 24 августа.
➡️ Иду на курс | 519 |
| 9 |  Самое главное, что вам важно сделать для рывка в профессии, уверенности в себе как специалисте, развития и выхода на новый уровень – это не выучить что-то новое, а изменить мышление. Научиться мыслить как творец, уйти от шаблонов и копирования.
Именно про это курс Styling art: когда стиль встречает искусство. Запись на новый цикл открыта. Старт курса 24 августа.
Почему я решила создать данный курс? И о чем он?
Я много говорю об эстетиках и чем глубже я в этой теме (которая со мной уже больше 10 лет), тем больше я вижу практическое применение данных знаний. Понимание эстетик – это важный инструмент и для тех, кто работает с визуалом (стилисты, контент-мейкеры, дизайнеры, сет-дизайнеры, художники, графические дизайнеры), и для тех из вас, кто хочет раскрыться при помощи стиля и получать удовольствие не только от невероятной красоты и эстетичности, но и от полного кайфа от собственной аутентичности.
Что мы будем изучать?
Курс состоит из 5 циклов, мы изучаем все невероятное богатство эстетик до Древнего мира до современности и я рекомендую идти именно поступательно.
24 августа стартует 1 цикл курса. Эстетики, которые определили формирование основных мировых стилей. Древний Египет, Античность, Средневековье. Эпохи, к которым любят обращаться дизайнеры, от Альберта Ферретти до Chanel.
В чем особенность подхода?
Я дам Вам систему, которая объединяет коды искусства, моды и характеров. Добавляю архетипы. И в результате это будет мощный имиджевый инструмент как для построения личного стиля, так и бренда.
Вам не нужно будет отдельно долго изучать искусство, потом отдельно историю моды, образы, а далее это как-то объединять. Это всё Вы найдете в одном курсе.
И в результате
· Вы сможете стилизовать на уровне идеи, линий, образов
· В обычном свитере увидите эстетику и сможете создать свежий образ
· Подберете инструменты для своей эстетики
· Усилите насмотренность, выведете вкус на новый уровень
· Научитесь действительно грамотно анализировать подиум, понимать ДНК дизайнеров, их коллекций
· Научитесь свежо и интересно показывать свои работы в соц сетях
Структура цикла:
· 25 уроков
· Уроки в записи на учебной платформе, открываются 2 раза в неделю
· Вебинар ответы на вопросы
· Самостоятельный формат или с проверкой домашних заданий
До 20 августа действует скидка. Старт 24 августа.
➡️ Иду выходить на новый уровень | 498 |
| 10 | Виктория , добрый день. Я уже прошла обучение по Древнему Египту отдельным курсом и это было Вау. 🤩 | 561 |
| 11 |  Синий, черный, золотой?
Только ли данные цвета относятся к эстетике Древнего Египта?
Нет, их больше. Сняла для студентов видео с оттенками Древнего Египта в нашем египетском музее в Турине, который второй по значимости в мире.
Уже в то время различали оттенки и нюансы цвета.
Как с работать с данными цветами, рассказываю на курсе Styling art, там же будут рисунки, сочетания и многое другое. Старт записи уже совсем скоро. | 573 |
| 12 |  +4Эстетика на подиуме
Стиль эпохи / субкультуры / другой эстетики может раскрываться "открыто". Мы её узнаем, видим яркие примеры костюма, цвета, сочетания.
А может разговаривать с нами шепотом, то есть смешиваться с другой и даже не быть на первом плане. Быть, как сейчас можно, в коллаборации).
Второй вариант узнавать сложнее, потому что, когда явного нет, нужна глубина знаний и натренированный взгляд. И тогда простая вещь может становиться "магической" или говоря простым языком, более интересной в стилизации.
Такие загадки и задачки мы сейчас решаем со студентами.
Пример второго варианта - недавняя коллекция Courrèges SS 2025. Молодой дизайнер бренда Николя де Феличе "космичность" бренда передает через минималистичные обтекаемые формы, плоскостность, чистую линию, образ "гостьи и будущего", иногда эстетику "верхнего мира" киберпанка.
Древнего Египта здесь нет, но он может быть. Он где-то сзади, подкрадывается. Через отсылки к древнему схенти, которые носили мужчины, символику треугольников, плоскостность, тонкую плиссировку, отрешенность и закрытость. Образ модели в черном кожаном пальто как мумия в саркофаге.
Чтобы Египет зазвучал и чтобы сказать, да Египет, нужно добавлять другие, явные коды эстетики. Иначе это не Египет.
Но, это даёт возможность как раз стилизовать. Есть крутой современный костяк, в котором есть визуальные коды эстетики. И далее уже добавлять те же аксессуары, детали.
А ещё интересный момент: полезно для тренд-аналитиков и всех любителей смыслов. Эстетика несет своё настроение и когда мы её узнаем, картина становится глубже.
Старт долгожданного цикла Styling art уже совсем скоро. Начнем как раз с Древнего Египта. | 555 |
| 13 |  +1Буквально на днях я объясняла мужу, почему это поло с данными шортами лучше всё-таки не надевать вместе. И здесь важно слово «лучше не надо», потому что в стилистике очень редко бывает категоричное «нельзя». Всё зависит от задачи, человека и того впечатления, которое мы хотим создать.
Но пока я это объясняла, в очередной раз поймала себя на мысли, что вкус, друзья, это не только какое-то внутреннее чувство из серии «мне так нравится». Вкус очень часто строится на знаниях. Чем больше вы понимаете про вещи, тем точнее начинаете видеть, почему одно сочетание работает, а другое, вроде бы вполне логичное, всё-таки не складывается.
Я смотрю на любую вещь через три уровня.
Первый уровень: визуальный.
Это цвет, форма, силуэт, фактура, пропорции. Именно на этом уровне остаётся большинство людей. Подобрали по цвету, посмотрели на длину, оценили посадку, вспомнили тренды - всё. Но это только начало.
Второй уровень: происхождение вещи.
Для кого она была создана? Зачем? Какую задачу решала?
Возьмём поло. Многие думают, что оно пришло из игры в поло. На самом деле современная трикотажная футболка-поло появилась благодаря теннисисту Рене Лакосту, который в 1920-х годах хотел сделать форму удобнее для игры. Он заменил жёсткую рубашку на мягкий трикотаж с короткими рукавами и воротником. Так появилась вещь, которая соединила спортивную функциональность и аккуратный, собранный внешний вид.
Есть ещё третий уровень: мифология вещи, опираясь на идеи Ролана Барта. Это уже не про то, откуда вещь появилась, а про то, какое значение она приобрела со временем.
Поло давно перестало быть просто одеждой для тенниса. Оно стало частью эстетики преппи, университетской культуры, гольфа, яхтинга, закрытых клубов. Оно стало символом определённого образа жизни. И сегодня, когда мы смотрим на поло, мы считываем уже не только спортивную вещь мы считываем расслабленный статус. Поло находится где-то между двумя мирами. С одной стороны, это спорт, движение, комфорт, трикотаж. С другой, воротник, пуговицы, аккуратность, ощущение дисциплины и принадлежности к определённой культурной среде.
Именно поэтому поло - это совсем не просто «футболка с воротником».
Когда вы начинаете видеть все три уровня одновременно, многое становится понятнее. Вы уже не говорите: «Мне кажется, эти брюки сюда не подходят». Вы понимаете почему.
На первом уровне вы быстро проверяете цвет, форму и пропорции. А дальше начинаете смотреть глубже. Какой характер у поло? Какие смыслы оно несёт? Какая эстетика стоит за этими брюками? Разговаривают ли они друг с другом или каждый говорит на своём языке?
Студенты иногда спрашивают меня: «Но ведь сегодня можно смешать всё?» Теоретически можно. Притянуть за уши можно вообще что угодно.
Но если мы говорим о действительно тонкой работе, то далеко не всё соединяется одинаково убедительно. Как и в кулинарии: продукты могут лежать на одной тарелке, но это ещё не значит, что вместе они дадут хороший вкус.
Именно поэтому я всегда говорю, что стилисту недостаточно знать только цвет и форму. Нужно понимать происхождение вещей, их эстетику и ту культурную историю, которую они несут. Именно тогда исчезает ощущение «мне так кажется» и появляется уверенность, которую чувствует и клиент.
И именно поэтому на Styling Art мы разбираем каждую вещь настолько глубоко, не для того, чтобы вы запомнили ещё один исторический факт, а для того, чтобы вы научились видеть вещи совсем на другом уровне. Именно это потом и становится настоящим вкусом.
Запись на новый цикл открываем уже совсем скоро. | 514 |
| 14 |  +8Сильный образ начинается не с красивого референса, он начинается с идеи.
И новая кампания Chloé fw2026 очень хорошо это показывает.
На поверхности здесь всё, что мы уже много раз видели в модной съёмке: цветочные поля, ветер, длинные волосы, летящие платья, море, романтическая женственность. Можно сказать: красиво. Можно вспомнить boho. Можно вспомнить прерафаэлитов. И эта ассоциация действительно возникает почти сразу. Но если остановиться только на уровне “похоже на прерафаэлитов”, мы увидим лишь верхний слой. Гораздо интереснее другое: почему эта съёмка кажется такой цельной? Почему цветы, волосы, платья, ветер и пейзаж не выглядят набором красивых деталей?
Потому что у кампании есть ясная идея. Женщина здесь не просто находится на природе, она сама становится природой. И именно из этой идеи рождается весь визуальный язык съёмки.
Волосы здесь не просто распущены. Они не выглядят как аккуратно сделанная укладка для рекламного кадра. Они живут, спутываются, разлетаются от ветра, продолжают линии травы, фактуру сухих стеблей, полевых растений. Они работают не как beauty-деталь, а как часть ландшафта. Как будто между волосами и травой нет жёсткой границы, и то, и другое движется, колышется, подчиняется воздуху.
Платья тоже перестают быть просто одеждой. Они ведут себя как природные формы. Белая ткань раскрывается как облако или огромный цветок. Голубое платье вступает в диалог с небом и морем. Красное становится вспышкой мака среди зелени. Рюши и воланы повторяют избыточность цветочного поля, где всё растёт, наслаивается, распускается, движется не по строгой геометрии, а по живому природному ритму. Ткань летит, распластывается, собирается в волны, выходит за пределы тела, подхватывается ветром. Одежда перестаёт быть вещью и становится движением.
Именно поэтому природа в этой кампании не выглядит фоном. Она не просто “красивая локация”, куда привезли моделей и платья. Она участвует в образе. Трава, цветы, ветер, волосы, ткань, тело и свет существуют как один живой организм.
Вот здесь и появляется связь с прерафаэлитами. Не потому что Chloé буквально копирует Россетти, Милле или Ханта. Нет. Здесь нет прямой реконструкции XIX века, нет исторического костюма, нет попытки снять современную “Офелию”. Связь глубже. У прерафаэлитов природа тоже не была декорацией. Она была языком внутреннего состояния. Цветы, вода, волосы, ткань, свет, лицо, всё работало вместе, создавая не просто красивую сцену, а эмоциональный мир. Женщина у них часто существовала не отдельно от природы, а внутри неё, как часть большого поэтического пространства.
Но у Chloé есть важное отличие. У прерафаэлитов больше статики. Их женские образы часто кажутся остановленными во времени. Женщина не столько движется, сколько пребывает в состоянии: сна, тоски, ожидания, любви, утраты, внутреннего напряжения. Даже когда вокруг неё вода, цветы, волосы, складки ткани, всё будто замедлено, чтобы мы могли рассматривать и расшифровывать каждый знак.
У Chloé всё иначе. Здесь красота не остановлена. Она запущена в движение, ветер, ткань, волосы. Женщина не превращается в икону состояния, она существует как стихия. Chloé берёт не трагическую тяжесть прерафаэлитов, не их викторианскую драму, не образ женщины-жертвы или роковой музы. Камали (дизайнер бренда) берёт другое, их способ чувствовать связь женщины, природы, ткани, цвета и внутреннего состояния. А дальше переводит это на современный язык. Это женщина, которая принадлежит не зрителю, а самой себе. И природе, с которой она находится в одном ритме.
И в этом смысле кампания очень точно попадает в ДНК Chloé, которая всегда была не про жёсткую конструкцию, не про холодную власть, не про женщину в броне. Это бренд про свободную женственность, движение, лёгкость, естественность, романтичность без чрезмерной сладости. И безусловно, есть связь с глобальными трендами: ремесло, женское коммьюнити, свобода, эмоция, тактильность.
Сильная стилизация начинается не с Pinterest. Не с желания повторить красивую картинку. Не с фразы “хочу что-то в стиле Chloé” или “давайте сделаем прерафаэлитов”. Сильная стилизация начинается с | 669 |
| 15 |  +2Где здесь Средневековье?
Посмотрите на этот образ JW Anderson. Жёлтый джемпер, красная юбка, синяя накидка, зелёные сапоги. На первый взгляд кажется, что это просто очень яркая современная стилизация. Возможно, немного странная, немного театральная, но причём здесь Средневековье?
И вот здесь начинается самое интересное. Потому что Средневековье в этом образе действительно есть. Только Андерсон не даёт нам очевидных подсказок. Здесь нет 100% очевидных отсылок, дизайнер работает не с буквальным историческим костюмом, а с тем, как средневековая культура вообще строила изображение и одежду.
Первой мы замечаем палитру.
Большинство людей представляет Средневековье серым, коричневым или почти чёрным. Но эта мрачная картинка во многом создана позднейшей культурой и современной готической субкультурой. Реальное средневековое искусство было невероятно ярким. Посмотрите на витражи или книжные миниатюры. Там рядом существуют чистый синий, алый, зелёный и золотой. Цвета не смешиваются в сложные оттенки, а сталкиваются друг с другом крупными, почти плоскими пятнами. Именно это происходит в образе Андерсона. Жёлтый, синий, красный и зелёный не образуют привычную гармоничную палитру. Они существуют как отдельные локальные цвета. Практически так же, как цветные фрагменты витража, соединённые тёмными границами.
Но цвет здесь только первый слой. Посмотрите внимательнее на сам силуэт. Жёлтая часть напоминает простую туникообразную основу. Сверху на неё наброшена синяя деталь, похожая одновременно на плащ, накидку и большой прямоугольный отрез ткани. Образ не скроен как единая форма, повторяющая тело. Он словно собран из нескольких самостоятельных частей.И вот это уже действительно роднит его с принципами раннесредневековой одежды. Одежда тогда часто строилась из простых геометрических деталей: туника, плащ, прямоугольные полотнища ткани, которые надевались друг на друга, оборачивались вокруг тела или закреплялись застёжками. Сложного моделирования фигуры, к которому мы привыкли сегодня, ещё не было.
Андерсон, конечно, не воспроизводит исторический костюм. Красная асимметричная юбка, открытые ноги и смятые сапоги полностью современны. Но сам принцип остаётся: тело закрывается не одной выстроенной конструкцией, а несколькими крупными цветными плоскостями.
Поэтому фигура здесь воспринимается немного необычно. Мы не видим талию, бёдра, естественные пропорции тела. Сначала мы видим жёлтый прямоугольник, синюю диагональ, красный объём и зелёное основание. Человеческая фигура как будто превращается в композицию.
И это тоже очень важный средневековый код. Средневекового художника гораздо меньше интересовало анатомически достоверное тело, чем смысл изображения. Фигура могла быть вытянутой, условной, непропорциональной. Главное было не показать человека таким, каким он выглядит в реальности, а передать его роль, значение и место в общей композиции.
Посмотрите теперь на красную юбку. Она не струится вслед за телом и не подчёркивает его пластику, как античная драпировка. Ткань ломается, собирается в тяжёлые угловатые складки и образует собственную форму. Она живёт почти независимо от фигуры. В этом образе вообще почти нет привычного нам диалога одежды с телом. Одежда не украшает фигуру и не стремится сделать её более привлекательной. Она перестраивает её.
И именно поэтому я бы не сказала, что перед нами просто «средневековая палитра». Андерсон соединяет сразу несколько уровней эстетики: чистые локальные цвета витражей и миниатюр, простую туникообразную основу, принцип многослойного костюма, плоскостное построение фигуры и почти полное отсутствие интереса к естественной анатомии.Получается очень современный образ, который при этом собран из глубинных кодов Средневековья.
И вот здесь, на мой взгляд, проходит разница между цитатой и настоящей работой с эстетикой.
Можно надеть на модель длинное платье, добавить готические рукава и назвать это Средневековьем. Все сразу поймут отсылку, но в ней не будет ничего нового. А можно сделать то, что делает Андерсон: не копировать костюм, а взять сам принцип мышления эпохи и перевести его на современный язык. | 438 |
| 16 | Скажите честно, когда я произношу слово «античность», что первым приходит вам в голову? Наверное, белые драпировки, хитоны, сандалии, лавровые венки, колонны… И кажется, что всё понятно. Ну античность и античность. Что там ещё изучать?
Но вот здесь и начинается разница между человеком, который просто знает историю искусства, и человеком, который умеет работать с эстетикой. Потому что если для вас античность - это просто «белые драпировки», то и использовать её вы будете так же шаблонно. Как тысячи других стилистов, как миллионы изображений в Pinterest, как искусственный интеллект.
А любой клиент приходит к вам совсем не за этим. Он не хочет выглядеть как все, он хочет получить что-то своё. И дать это можно только тогда, когда вы сами видите эстетику глубже.
И именно поэтому первый большой блок курса Styling art посвящён Древнему миру. Именно там закладывается навык видеть эстетику не шаблонами, а системой кодов. Подробности уже скоро. | 1 |
| 17 |  +3Все сейчас говорят про «Одиссею» Кристофера Нолана. Я пока ещё не успела сходить, но обязательно пойду.
И это отличный повод поговорить об античности.
Скажите честно, когда я произношу слово «античность», что первым приходит вам в голову? Наверное, белые драпировки, хитоны, сандалии, лавровые венки, колонны… И кажется, что всё понятно. Ну античность и античность. Что там ещё изучать?
Но вот здесь и начинается разница между человеком, который просто знает историю искусства, и человеком, который умеет работать с эстетикой. Потому что если для вас античность - это просто «белые драпировки», то и использовать её вы будете так же шаблонно. Как тысячи других стилистов, как миллионы изображений в Pinterest, как искусственный интеллект.
А любой клиент приходит к вам совсем не за этим. Он не хочет выглядеть как все, он хочет получить что-то своё. И дать это можно только тогда, когда вы сами видите эстетику глубже. Например, те же самые драпировки. Мало кто задумывается, что они тоже бывают разными. Есть знаменитые «мокрые» драпировки высокой классики, когда ткань словно прилипает к телу, подчёркивая пластику фигуры. Именно этот приём мы до сих пор регулярно видим в современной моде. Но если мы посмотрим на архаический период, то увидим совсем другую историю. Там драпировка ещё почти не работает как художественный язык. А если заглянуть ещё раньше, в крито-микенскую культуру, которая тоже относится к древнему миру, то привычных античных драпировок вообще не будет.
Или другой пример.
Мы часто говорим «античность», как будто это единая эстетика. Но Древняя Греция и Древний Рим - это совершенно разные способы видеть человека. Греция - это движение, пластика, естественность, идеальное тело, которое существует в гармонии с пространством. Рим - это уже статус, власть, порядок, величие. Это совсем другая женщина. Не свободно движущаяся гречанка, а матрона, в которой читается достоинство, сила и социальное положение. А ведь есть ещё коры архаики с их почти прямоугольным силуэтом. И вдруг оказывается, что прямоугольная композиция - это тоже один из кодов античности.
И чем глубже начинаешь разбирать одну эстетику, тем больше понимаешь, что за одним словом скрываются десятки разных визуальных кодов.
Именно поэтому я всегда говорю, что изучать эстетику - это не значит запоминать даты или названия эпох. Это значит учиться видеть и анализировать. Потому что тогда на показе вы замечаете уже не просто «греческое платье», вы понимаете, какой именно пласт античной культуры сейчас цитирует дизайнер, вы начинаете собирать собственные идеи. Именно так рождается авторский взгляд, появляется глубина.
И именно поэтому первый большой блок курса Styling art посвящён Древнему миру. Именно там закладывается навык видеть эстетику не шаблонами, а системой кодов. И, как показывает практика, именно этот навык потом меняет то, как человек смотрит вообще на всю историю моды и искусства. | 384 |
| 18 |  +9Какие эстетики сегодня начинают формировать высокую моду - по следам прошедшей недели haute couture?
1. Эстетика тревожной сказки
Пожалуй, самая заметная тенденция сезона. Не просто сказка, а именно сказка, в которой всегда есть ощущение неизвестности. Chanel обращается к символам детства - золотым яйцам, стручкам гороха, цветам, животным-талисманам. Dior исследует мир через ботанику и скульптуру. Robert Wun, Ashi Studio уходят ещё дальше в лес, населённый призраками, волками, фарфоровыми куклами и фантастическими существами.
Это уже не романтическая эстетика принцесс. Это эстетика трансформации.
И если искать её истоки в искусстве, то вспоминаются не диснеевские сказки, а скорее символизм конца XIX века, где волшебство всегда соседствовало с тревогой, а красота никогда не существовала отдельно от тайны.
2. Эстетика повседневной роскоши
Очень интересный сдвиг произошёл в самом понимании couture. Balenciaga, Fendi, Armani Privé всё чаще работают не с бальными платьями, а с тем, что мы привыкли считать обычным гардеробом: белыми рубашками, брюками, футболками, пальто, комбинациями. Но именно здесь и рождается новая эстетика. Роскошь больше не строится вокруг декора. jна строится вокруг конструкции, материалов, ручной работы и ощущения вещи на теле.
Это уже эстетика тихой роскоши, которая за последние несколько лет стала одной из ключевых культурных тенденций.
3. Эстетика нового тела
Schiaparelli, Jean Paul Gaultier, Balenciaga, Rahul Mishra перестают воспринимать тело как неизменную форму. Силикон, корсеты, цифровое сканирование, экзоскелеты, гипертрофированные объёмы превращают одежду почти в продолжение анатомии. Если искать художественные параллели, то здесь встречаются сразу несколько направлений.
С одной стороны? сюрреализм с его изменённым человеческим телом. С другой биоморфизм, вдохновлённый природными формами.
И одновременно эстетика постгуманизма, которая задаёт вопрос: каким вообще может стать человеческое тело в будущем?
4. Эстетика технологичного ремесла
Наверное, один из самых интересных парадоксов сезона. Практически все Дома активно используют новые технологии: плазму, трёхмерное сканирование, выращенные в лаборатории материалы, инженерные конструкции. Но технологии здесь никогда не существуют сами по себе, их задача расширить возможности ремесла. Поэтому получается очень любопытная эстетика.
Не футуризм в привычном понимании, а ручная работа будущего. Именно поэтому Iris van Herpen, Schiaparelli, Balenciaga показывают, что технологии становятся частью ателье, а не заменой человеку.
5. Эстетика культурной памяти
Ещё одна очень сильная линия сезона. Rahul Mishra обращается к индийской храмовой скульптуре. Standing Ground к ирландским мегалитам и кружеву Carrickmacross. ArdAzAei соединяет персидскую поэзию, сады, миниатюру и вышивку zardozi.
Это важно, потому что дизайнеры всё меньше используют культуру как декоративную цитату. История становится способом мышления коллекции.
Она влияет на конструкцию, материалы, технику исполнения и саму философию Дома. Именно это отличает глубокую работу с эстетикой от простого использования национальных мотивов.
6. Эстетика невесомого монумента
Последняя тенденция, которая буквально объединяет многие коллекции. Объёмы становятся огромными, но при этом они перестают выглядеть тяжёлыми. Balenciaga создаёт гигантские формы из перьев и пузырей. Dior словно подвешивает скульптурные объёмы вокруг тела. Fendi и Chanel делают масштаб почти невесомым благодаря прозрачности и лёгкости тканей. Если посмотреть на это с точки зрения искусства, здесь возникает очень интересная связь. Монументальность перестаёт ассоциироваться с массой, она начинает существовать через воздух, свет и движение.
Это уже не архитектура XX века. Это скорее архитектура XXI века, где инженерия стремится сделать большие конструкции максимально лёгкими.
И мне кажется, именно это объединяет весь сезон.
Эстетик, в которых сказка становится способом говорить о взрослении, повседневность становится роскошью, тело превращается в художественный объект, технологии работают на ремесло, культурная память становит | 376 |
| 19 |  +2Когда вы хорошо знаете эстетику, вы не говорите "это готы", например. Вы понимаете, какой именно здесь аспект той же готической эстетики. Это углубляет понимание, дает связку с трендами и идеи для стилизации.
Работа моей студентки Ирины - анализ готической эстетики в современных коллекциях (в работе был ещё анализ).
#работыстудентов | 423 |
| 20 |  +2Уровни работы с эстетикой
Есть несколько уровней работы с художественными кодами. И именно эта работа позволяет нам профессионально выполнять то, что мы делаем, и выходить на высокий уровень.
Первый уровень - простое узнавание. Когда мы видим картину Ван Гога на футболке или узнаём рококо у Москино. Это лёгкий уровень, но он уже важен, потому что чтобы распознать картину Ван Гога или рококо на подиуме, нужно хотя бы базовое знание эстетики. Другой вопрос, что работать с этим сложно: если вы не костюмер, то прямое воспроизведение может быть довольно плоским. Даже в театре и кино костюмеры всё равно стилизуют, адаптируют под вкус современного зрителя. Так что первый уровень приятный, но не самый эффективный.
Второй уровень - работа с костюмом и модой периода. Например, вы узнаёте платье 20-х с заниженной талией и бахромой и понимаете, что это джазовый аспект 20-х. То есть у вас уже есть инструмент стилизации, вы можете адаптировать, цитировать. И это даёт больше возможностей.
Третий уровень - когда мы выходим за пределы предмета и начинаем работать с идеей. Не просто платье 20-х, а эстетика ар-деко как система линий и форм. Или, например, произведение Альфонса Мухи, из которого мы вытаскиваем ритмику линий, декоративность, образность и переносим это уже в современные стилизации. Здесь важно уметь разложить эстетику на коды, выделить её ДНК и собрать свой образ на уровне идей.
Следующий уровень - концептуальный. Это поиск собственной идентичности через искусство и моду, работа на уровне глубинных идей. И именно этот уровень сейчас особенно актуален, потому что мы живём в эпоху метамодерна, где ценится многослойность, глубина и работа с культурными кодами. Мы не изучаем просто искусство или просто моду, мы изучаем их пересечение, их взаимное отражение.
Попробуйте для себя понять: на каком уровне вы сейчас? И где вы хотите оказаться?
Все эти уровни мы проходим на нашем флагмане «Styling Art»
Новый запуск всего цикла уже в начале августа, наша команда доделывает лендинг. И я хочу, чтобы каждый из вас посмотрел на это не только как на курс, а как на возможность глубже понимать современную моду через искусство. Потому что именно в этом сейчас сила: не в трендах, не в быстрых цитатах, а в умении работать с кодами, вытаскивать из них смысл и собирать из этого свой язык. | 405 |
