Бикбаева 360: Феномен, эмоции, NPS

Instagram: как отказаться от всего, во что ты уже вложился, и попасть в точку. Более 2 миллиардов пользователей. Одно из самых скачиваемых приложений в мире. Миллионы фото и видео каждый день. Оценка на момент покупки Meta в 2012 году 1 миллиард долларов за приложение, которому было два года. Я думаю, что почти каждый, кто делает продукт, хочет одного - чтобы им пользовались, много и массово. Так же начинался и Instagram. Его создатели, включая Кевина Систрома, шли по очень понятному пути- сделать «крутое» приложение, добавить функции, возможности, сценарии, чтобы человек мог делать все. И они это сделали. Но люди не начали пользоваться. Почему? Потому что было сложно. И вот здесь начинается самое важное. У них не было идеи «сделать минимализм». У них была цель - сделать популярное приложение. И ради этой цели они начали внимательно смотреть на людей. Не на продукт, а на поведение. И увидели очень простую вещь. Люди делают фото и пытаются сделать его красивее. Всё! Не пользуются остальным. Вэтот момент появляется решение, которое почти всегда самое сложное. Отказаться. От функций, от времени, от денег, которые уже потрачены. Они убирают почти все и оставляют только: сделать фото сделать его красивее выложить. И здесь проявляется их настоящая идея - попасть в реальное состояние человека. Человек хочет делиться, но чувствует себя недостаточно хорошим. Фильтр дает не эффект - он даёт разрешение: Можно выложить. Можно показать. Можно быть увиденным. И в этот момент всё начинает работать. Потому что продукт совпал с внутренним ощущением человека. С точки зрения дизайн эмоций, здесь очень точная связка: Неуверенность → улучшение → действие. Человек сомневается - ему дают простой инструмент. Он делает шаг и возвращается. А где вы сейчас держитесь за то, во что уже вложились? Функции, идеи, решения, которые не работают, но жалко отпустить. И готовы ли вы это обрезать, чтобы попасть в реальную потребность человека? Instagram вырос, потому что решился оставить меньше. От чего вам нужно отказаться сегодня, чтобы ваш продукт наконец начали использовать?

Код популярности. Месси. Папуа Новая Гвинея. Один из самых изолированных уголков на планете. Люди здесь живут так же, как жили сотни лет назад. Другой язык, другой мир, другое время. И дети в майках Месси. Я смотрела на них и думала, как? Как человек из маленького аргентинского городка Росарио стал настолько своим для людей, которые никогда не были на футбольном стадионе? Месси не просто футболист. Он единственный в истории, кто выиграл восемь «Золотых мячей». Его Instagram 500 миллионов подписчиков. Это больше, чем население любой страны Европы. Майки с его именем продаются практически во всех странах мира. Но все началось не с рекордов. Отец Месси привез своего тихого, маленького сына в Барселону в 2000 году. Мальчику было 13. У него был диагноз - дефицит гормона роста. Директор молодёжной академии Барселоны был так впечатлён Месси на просмотре, что не хотел его отпускать. Клуб согласился оплатить лечение и  подписал с ним контракт. Мальчик, которому врачи сказали «не вырастешь», вырос. И стал лучшим в истории. Восемь «Золотых мячей». Чемпион мира. Это не требует объяснений ни в Барселоне, ни на островах Папуа. Маркетологи говорят про него так: нет рынка, где Месси не актуален. Нет континента, где его не знают. Ребенок на острове в Папуа носит майку с именем человека, которого никогда не видел. Знает его имя, хочет быть как он и играет в футбол на земле, где нет электричества. Возможно, среди этих мальчишек уже есть тот, чье имя однажды будет написано на майках по всему миру. Это и есть настоящая популярность. Когда история человека становится больше его самого. Как думаете, почему история про человека, которому сказали «не вырастешь», цепляет людей на всех континентах?

Сегодня в моем запрещенограме простая , но очень полезная и интересная игра . Подключаетесь - привезу из Папуа подарок самому внимательному и смелому ❤️ https://www.instagram.com/reel/DXk7LJmD4dk/?igsh=dzVqdzNucnhqdzgz

Schiaparelli: как найти свое и больше не соглашаться на «нормально». •Основан в 1927 году • Закрыт в 1954 • Возрождён в 2012 • Сегодня один из самых обсуждаемых домов высокой моды. Я долго не могла найти бренд, который будет отражать меня. Я вообще не покупала бренды, носила no name. Потому что все, что я видела, было одинаковым. Красиво, аккуратно, но как у всех. И мне это не откликалось. А потом я увидела Schiaparelli. Это была любовь с первого взгляда. Потому что это совпало со мной. С тех пор каждый год я возвращаюсь на Вандомскую площадь в Париже и покупаю, несмотря на стоимость. Потому что каждая покупка - это про ощущение себя. За этим стоит Эльза Скиапарелли. У нее не было задачи делать красиво. Ее бесила одинаковость. Одинаковые силуэты, одинаковая «правильная» мода. И у нее была очень четкая позиция: я не хочу быть как все. Она начала делать вещи, которые невозможно перепутать. Платье с омаром вместе с Сальвадором Дали, шляпы, которые выглядят как перевернутая обувь, одежду, которая больше похожа на искусство. Каждая вещь- это выражение. Сначала это вызывало шок, потом разговоры, а потом происходило главное: кто-то видел в этом себя. Бренд исчез на десятилетия, а потом вернулся. Даниэль Розберри не сделал «новую моду» - он вернул идею. Не быть удобным. Быть собой. И поэтому это снова работает. Ты либо не понимаешь, либо чувствуешь сразу. Здесь очень точная механика: Идентичность → узнавание → выбор. Ты не выбираешь вещь, а узнаешь себя. Если перевести это в практику, то вопрос очень простой. Вы делаете продукт, который нормальный для всех, или продукт, в котором кто-то скажет «это про меня»? Schiaparelli сегодня снова формирует визуальный язык высокой моды, а его образы становятся вирусными и обсуждаемыми по всему миру. Где вы в своей жизни все еще соглашаетесь на «нормально» вместо «это мое»?

Schiaparelli: как найти свое и больше не соглашаться на «нормально». •Основан в 1927 году • Закрыт в 1954 • Возрождён в 2012 • Сегодня один из самых обсуждаемых домов высокой моды. Я долго не могла найти бренд, который будет отражать меня. Я вообще не покупала бренды, носила no name. Потому что все, что я видела, было одинаковым. Красиво, аккуратно, но как у всех. И мне это не откликалось. А потом я увидела Schiaparelli. Это была любовь с первого взгляда. Потому что это совпало со мной. С тех пор каждый год я возвращаюсь на Вандомскую площадь в Париже и покупаю, несмотря на стоимость. Потому что каждая покупка - это про ощущение себя. За этим стоит Эльза Скиапарелли. У нее не было задачи делать красиво. Ее бесила одинаковость. Одинаковые силуэты, одинаковая «правильная» мода. И у нее была очень четкая позиция: я не хочу быть как все. Она начала делать вещи, которые невозможно перепутать. Платье с омаром вместе с Сальвадором Дали, шляпы, которые выглядят как перевернутая обувь, одежду, которая больше похожа на искусство. Каждая вещь- это выражение. Сначала это вызывало шок, потом разговоры, а потом происходило главное: кто-то видел в этом себя. Бренд исчез на десятилетия, а потом вернулся. Даниэль Розберри не сделал «новую моду» - он вернул идею. Не быть удобным. Быть собой. И поэтому это снова работает. Ты либо не понимаешь, либо чувствуешь сразу. Здесь очень точная механика: Идентичность → узнавание → выбор. Ты не выбираешь вещь, а узнаешь себя. Если перевести это в практику, то вопрос очень простой. Вы делаете продукт, который нормальный для всех, или продукт, в котором кто-то скажет «это про меня»? Schiaparelli сегодня снова формирует визуальный язык высокой моды, а его образы становятся вирусными и обсуждаемыми по всему миру. Где вы в своей жизни все еще соглашаетесь на «нормально» вместо «это мое»?

Hello Kitty: как один простой рисунок оказался буквально везде. Сегодня я в Папуа - Новая Гвинея. Мы приехали на остров к племени, где нет интернета, мобильных телефонов и электричества, почти нет связи, и вообще ощущение, что мир сюда доходит очень выборочно. И вот что меня по-настоящему удивило. Среди белья, которое сушится на веревках, на майке у девочки, еще где-то в мелочах я несколько раз увидела Hello Kitty. И ни одного другого персонажа. В месте, где, казалось бы, не должно быть ничего «глобального». И в этот момент я снова задала себе вопрос. КАК? Как персонаж без фильма, без громкой истории оказался буквально везде? В 70-е дизайнер Юко Симидзу в компании Sanrio рисует очень простого персонажа. Это не просто кошка. Это девочка-кошка, маленькая, с бантиком и без рта. Это решение выглядит странно, но в нем половина успеха. Потому что она не говорит, что чувствует. И человек сам достраивает эмоцию. Но дальше происходит то, что, на мой взгляд, и сделало масштаб. Они не остановились на «мы придумали персонажа», а начали думать, как он окажется в жизни человека. Первое, что они делают - ставят ее на самые простые и дешевые вещи: кошельки, ручки, блокноты. То, что покупается быстро и без раздумий. Персонаж не ждет любви, он просто попадает в руки. Дальше еще сильнее. Они начинают отдавать персонажа другим брендам бесплатно. Не закрывать его, а наоборот, распространять: одежда, аксессуары, разные категории. Чем больше точек контакта, тем быстрее рост. И еще одно важное решение. Они не делают один громкий запуск, они делают ставку на повседневность, чтобы человек видел ее утром, днем, вечером. И в какой-то момент ты уже не помнишь, где увидел ее впервые. Но она везде. Даже на острове, где нет интернета. Что здесь важно с точки зрения дизайна эмоций. Они соединили три вещи: простота образа, возможность проекции и частота контакта. Человек видит, чувствует «свое» и начинает привязываться. Подумайте не только о продукте. Подумайте о том, где и как часто человек с сталкивается в вами. В какие простые, повседневные точки вы можете встроиться. Где можно упростить первый контакт. С кем вы можете объединиться, чтобы быстрее распространиться. Иногда рост не в масштабе одного действия, а в количестве маленьких касаний. Hello Kitty - один из самых лицензируемых персонажей в мире: десятки тысяч продуктов, миллиарды долларов на лицензиях. Где сегодня ваш продукт может появиться так, чтобы человек начал встречать его снова и снова, даже там, где вы этого не ожидаете?

Guinness: как один спор превратился в глобальную игру. Мне очень нравятся истории, где все начинается с мелочи. Не с «мы хотим изменить мир», а с момента, который можно было просто пропустить. 1950-е. Ирландия. Guinness. Директор компании, Хью Бивер, сидит в баре. Разговор. Пиво. И вдруг спор: «Какая птица быстрее?» Никто не знает. Все уверены. И доказать невозможно. И в этот момент происходит то, что для меня ключевое. Он не просто участвует в споре. Он замечает сам факт. Люди постоянно спорят. И у них нет способа проверить. Можно было посмеяться и забыть. Но он идёт дальше. Он решает создать книгу, где будут собраны ответы на такие вопросы. И привлекает исследователей - Норриса Макуиртера и Росса Макуиртера. Они начинают собирать факты, проверять, фиксировать. В 1955 выходит Книга рекордов Гиннесса. И происходит неожиданный поворот. Люди начинают не просто читать. Они начинают хотеть попасть внутрь. Соревноваться. Доказывать. Придумывать. Книга становится не справочником, а частью поведения. ☝️Что здесь важно с точки зрения дизайна эмоций. Он заметил уже существующую эмоцию: желание быть правым, желание доказать, и превратил ее в систему. Эмоция → спор → желание доказать → действие. 💡Как это применить? Посмотрите на свою аудиторию. О чем они уже спорят? Чего хотят доказать? Где у них есть азарт? И подумайте, как это можно оформить в формат, где люди сами захотят участвовать. 📊Факты: Книга рекордов Гиннесса - один из самых продаваемых справочников в мире. Миллионы экземпляров ежегодно. Тысячи новых рекордов каждый год. ❓Вопрос: Какую уже существующую эмоцию своей аудитории вы можете превратить в действие?

Anyma — ещё один гений современности. Он не стал “ещё одним DJ”, он создал новое. Anyma — это тот случай, когда человек не заходит в индустрию, он её перепридумывает. Факты, после которых становится понятно, почему: 1. Это не просто DJ. Это альтер-эго Matteo Milleri, выстроенное как отдельная цифровая сущность. Не артист, а персонаж. 2. Он не “делает музыку”. Он строит вселенную, где каждый релиз — часть одной истории про человека и технологии. 3. Он первым сделал полноценный NFT-клип. Не как эксперимент, а как новый формат искусства. 4. Его шоу — это не выступление. Это иммерсивный sci-fi опыт, где визуал = смысл, а не декор. 5. Он работает с пространством, а не со сценой. Например, в Sphere — это экран на 360°, который полностью окружает тебя. Ты не смотришь шоу, ты находишься внутри него. 6. Его альбом Genesys — это не альбом. Это концепция о цифровом сознании и будущем человека. 7. Он работает не “в жанре”. А на пересечении: музыка, кино, digital-арт, AI. 8. Его визуалы синхронизированы с музыкой как код. Поэтому ты не смотришь, ты проживаешь. 9. Он собирает артистов из разных миров. И превращает это не в коллаборации, а в единый художественный язык. 10. Его рост — не из-за хитов. А из-за идеи, которая оказалась сильнее формата. И главный инсайт: он не пытался стать лучше других. Он сделал то, чего до него не существовало. Скажи честно, ты бы хотел оказаться внутри такого опыта или тебе всё-таки ближе классический формат концерта? Поставь реакцию или поделись постом , если тебе откликается идея не улучшать старое, а создавать новое.

Пикачу: как один человек вернул людям чувство игры Факты. Pokémon — самая прибыльная медиа-франшиза в мире. Более 90 миллиардов долларов совокупного дохода. Несколько поколений людей, которые выросли внутри этой системы. Я часто думаю о том, что сильные идеи рождаются не из амбиций, а из потери. У Сатоси Тадзири в детстве была простая радость. Он ловил насекомых. Ходил по полям, искал, находил, обменивался с друзьями. Это было про азарт. Про интерес. Про живое ощущение, что ты что-то открываешь. Потом он вырос. И этого мира не стало. Города, асфальт, экраны. Дети больше ничего не ищут. Они просто смотрят. И у него возникла мысль, которая, как мне кажется, всё и решила. А что если это чувство можно вернуть. Не объяснить. Не рассказать. А именно вернуть. Он не делал «персонажа». Он придумал систему, в которой человек снова начинает искать. И сделал игру, где: ты ловишь ты собираешь и ты не можешь пройти всё один Тебе нужно общаться. Меняться. Взаимодействовать. Когда вышли первые игры, случилось интересное. Дети начали делать ровно то же самое, что он делал в детстве. И уже внутри этой системы появился Пикачу. Простой, понятный, живой. Он стал лицом, но не был причиной. Причина была в действии. Потом всё выросло в огромную вселенную. Игры, карты, сериалы, миллионы людей. Но если убрать всё лишнее, останется одно. Он вернул людям поведение. Что здесь важно с точки зрения дизайна эмоций. Эмоция сама по себе ничего не делает. Работает связка: эмоция → действие. Он не пытался вызвать ностальгию. Он создал условия, где человек начинает действовать и через это чувствовать. Как это применить. Посмотри на свой продукт и задай себе вопрос. Какое действие должен совершить человек, чтобы почувствовать то, что ты хочешь ему дать. Не «что он должен понять», а именно «что сделать». И как ты можешь это действие встроить. Вопрос. Какое поведение ты можешь запустить в своей аудитории, вместо того чтобы просто пытаться вызвать эмоцию?

Here lies a woman/man who never even tried Это фраза на надгробии от гениальной Анны Радченко Это даже не про смерть. Это про жизнь, которую не прожили. Про идеи, которые были, но так и остались мыслями. Про решения, которые можно было принять, но их отложили. Про шаг, который хотелось сделать, но не сделали. Эта мысль пришла ко мне после большого количества откликов на мой пост про Иосифа Бродского. Про одну его сумасшедшую идею, которая продолжает жить даже после его смерти. И я вдруг очень чётко увидела разницу. Есть идеи, которые остаются в голове или на кладбище. А есть, которые выходят в мир и начинают жить своей жизнью. И вот это надгробие, как будто про первых. Про тех, кто так и не сделал первый шаг. Потому что почти у каждого есть что-то своё. Своя идея. Свой проект. Свой следующий шаг. И чаще всего разница не в таланте. Не в деньгах. И даже не в возможностях. Разница в том, что кто-то всё-таки делает. А кто-то нет. Я много наблюдаю за людьми, которые создают что-то заметное. И каждый раз вижу одну и ту же точку. Момент, где можно было не делать. Не рисковать. Отложить. Подождать. И именно в этот момент кто-то делает шаг. Я хочу начать здесь серию таких историй. Каждый день я буду рассказывать про одного человека. Про одну идею. И про конкретные действия, которые он / она сделали. Как это вообще рождается. Как это становится популярным. И почему люди начинают вовлекаться и хотеть. Это то, чем я занимаюсь. Я называю это дизайном эмоций. Когда ты создаёшь не просто продукт, а реакцию на него. И эта реакция приводит к действию. В каждом посте я буду показывать, что именно сработало и как это можно применить у себя. Потому что можно просто читать и вдохновляться. А можно взять и попробовать. Я, если честно, за второй вариант. Если тебе это откликается, напиши «я попробую». И давай посмотрим, что изменится, если начать делать.

Here lies a woman/man who never even tried Это фраза на надгробии от гениальной Анны Радченко Это даже не про смерть. Это про жизнь, которую не прожили. Про идеи, которые были, но так и остались мыслями. Про решения, которые можно было принять, но их отложили. Про шаг, который хотелось сделать, но не сделали. Эта мысль пришла ко мне после большого количества откликов на мой пост про Иосифа Бродского. Про одну его сумасшедшую идею, которая продолжает жить даже после его смерти. И я вдруг очень чётко увидела разницу. Есть идеи, которые остаются в голове или на кладбище. А есть, которые выходят в мир и начинают жить своей жизнью. И вот это надгробие, как будто про первых. Про тех, кто так и не сделал первый шаг. Потому что почти у каждого есть что-то своё. Своя идея. Свой проект. Свой следующий шаг. И чаще всего разница не в таланте. Не в деньгах. И даже не в возможностях. Разница в том, что кто-то всё-таки делает. А кто-то нет. Я много наблюдаю за людьми, которые создают что-то заметное. И каждый раз вижу одну и ту же точку. Момент, где можно было не делать. Не рисковать. Отложить. Подождать. И именно в этот момент кто-то делает шаг. Я хочу начать здесь серию таких историй. Каждый день я буду рассказывать про одного человека. Про одну идею. И про конкретные действия, которые он / она сделали. Как это вообще рождается. Как это становится популярным. И почему люди начинают вовлекаться и хотеть. Это то, чем я занимаюсь. Я называю это дизайном эмоций. Когда ты создаёшь не просто продукт, а реакцию на него. И эта реакция приводит к действию. В каждом посте я буду показывать, что именно сработало и как это можно применить у себя. Потому что можно просто читать и вдохновляться. А можно взять и попробовать. Я, если честно, за второй вариант. Если тебе это откликается, напиши «я попробую». И давай посмотрим, что изменится, если начать делать.

Его не пригласили. Его выгнали. Иосиф Бродский приехал в Америку без плана «как покорить мир». Без команды. Без стратегии. Без права на ошибку. И вот проходит несколько лет — и у него возникает идея, от которой любой нормальный человек отмахнулся бы. Сделать Америку самой читающей страной. Через поэзию! Звучит как плохой питч. Идея без шансов. Но дальше начинается интересное. Он не идёт в министерства. Не пишет манифесты. Не жалуется на «упадок культуры». Он задаёт один точный вопрос: А где вообще происходит встреча человека с текстом? И находит честный ответ: нигде. Потому что книга требует усилия. А человек — нет. И тогда он переворачивает игру. Поэзия должна не ждать. Поэзия должна лежать там , где есть люди. В номере отеля. На расстоянии вытянутой руки. Он идёт в отели: — Давайте положим книги в номера. Логично получить отказ. Он получает согласие. Идёт в издательства: — Дайте книги бесплатно. Он получает «Да» Абсурд? Согласились. Дальше больше. Поэзия переезжает в движение. В поезда. В дорогу. В жизнь. Автопроизводители начинают класть сборники в бардачки новых машин. Ты покупаешь автомобиль — и вместе с ключами получаешь стихи. Бренд Lancôme вкладывает деньги, чтобы поэзия распространялась вместе с ароматом Poême. Потому что внезапно становится понятно: эмоция — это тоже продукт. Компании начинают инвестировать. Сотни тысяч долларов. Не в рекламу. В строки. А потом государство подключается. Появляется Poetry in Motion — стихи в метро, в автобусах, в городе. И в этот момент происходит тихая революция. Человек едет на работу. Смотрит не в телефон. Читает строчку. Одну. Но её достаточно, чтобы что-то внутри сдвинулось. И вот главный поворот этой истории. Бродский сказал фразу за которую культурная элита не любит его до сих пор: Поэзия — не для избранных. поэзия — для водителя автобуса, для парня за рулём мусоровоза. И если она до них не доходит— проблема не в них. Проблема в маршруте. Он не улучшал стихи. Он перепрокладывал путь. И это, возможно, самая важная мысль: большие идеи не требуют разрешения - они требуют движения. Они приходят не к «особенным». Они приходят к тем, кто потом готов ходить с ними по рынку и получать десятки «нет» ради одного «да». И если повезёт — после тебя остаётся не просто результат. Остаётся система, которая живёт дальше. Для меня эта история - гениальная , пошаговая инструкция к действиям . А к вам вопрос простой и неприятный: У тебя есть идея, которую ты всё ещё не начал делать? ⬇️ Пиши ее в комментариях или по секрету в директ

✦ 8 приёмов Rosalía, из-за которых её шоу невозможно забыть. Я попала на её концерт без ожиданий, и в процессе поймала себя на том, что смотрю на это не просто как зритель, а как на идеально выстроенный дизайн эмоций. Разобрала, за счет чего это работает 👇 1. Разрушение ожиданий. Ты ждешь масштаб, свет, спецэффекты, а получаешь почти пустую сцену. Сначала растерянность, потом резкая фокусировка внимания. В этот момент ты уже внутри. 2. Камера как герой. На сцене есть оператор, и ты видишь одновременно реальность и её версию на экране. Возникает ощущение, что ты внутри клипа. Это дает эффект близости и вовлечённости. 3. Тело вместо декораций. Минимум сценографии, максимум пластики, поз и микро-жестов. В какой-то момент человек становится интереснее любых спецэффектов. Напряжение переходит в гипноз. 4. Ритмические качели. Громко, тихо, бит, голос без музыки, сила, уязвимость. Мозг не успевает адаптироваться, остается включенным. Это удерживает внимание сильнее любого «вау». 5. Архетипы. Католическая эстетика, уличная культура, контроль и уязвимость. Все вместе создаёт ощущение современного мифа, узнаваемого, но напряжённого. 6. Голос как драматургия. База Flamenco дает надрыв, резкие переходы и чистую эмоцию. Это не про «красиво», это про реакцию на уровне тела. 7. Контроль дистанции. То она недосягаемая, почти холодная, то максимально живая и близкая. Это создает сильную тягу и удерживает внимание на контрасте. 8. Финал без разрядки. Нет привычного «грандиозного завершения». Остается тишина, недосказанность и ощущение, которое не отпускает. Если перевести это на язык дизайна эмоций, формула простая: сломать ожидание → сфокусировать внимание → дать интимность → раскачать ритм → подключить архетипы → не дать полного закрытия. Большинство шоу работают по схеме «вау → насыщение → усталость». Здесь «дефицит → внимание → напряжение → личный опыт». Если хотите, разложу ваш бизнес или проект по этой же системе и покажу, где у вас теряется внимание и как сделать эффект «невозможно забыть». Напишите в комментариях, чем вы занимаетесь👇

Нигде. Никогда. До Китая. В конце 2000-х Китай принял решение о переходе от страны «сделано в Китае» к стране «создано Китаем»: от ассоциаций с копированием к стране, которая сама изобретает и создаёт совершенно новое 🇨🇳 Нигде я не встречала, что производители телефонов соревнуются автомобилями. В шоурумах телефонных брендов на первых этажах продаются машины. Каждую неделю выходит новая модель авто 😱 📍Xiaomi Home (phone & car showroom) Нигде я не ездила на беспилотном такси, причем их сотни, а не одна машина для показа 🚕 📍Shenzhen Нигде я не заказывала еду, которую приносит коптер через 15 минут 🔥 📍Shenzhen Talent Park Нигде меня не обслуживал робот. Уже абсолютная норма - доставка дронами еды в парки, роботами в номера любого заказа из города, роборуки и роботы, готовящие кофе в кафе 🤖 📍Shenzhen Нигде я не видела настоящий конный манеж на крыше торгового центра 🐎 📍MH Mall, No.8 Golf Avenue, Longhua District, Shenzhen Нигде не летала на рейсовом вертолёте в соседнюю страну и не садилась на крышу в центре города 🚁 📍Helipad, Futian CBD, 151 Mintian Road, Central Business District, Futian District, Shenzhen Постоянно в голове крутится один вопрос: как они это сделали?🤯 Как вам такой подход к инновациям? Поделитесь в комментариях 👇🏻

Архитектурное путешествие мечты с детьми! В этом году мы с Иман начали наше исследование современного искусства с Центра современного искусства, Алматы. Мы были поражены гармонией пространства, минимализмом и игрой света. Тогда мы ещё не знали, кто архитектор… Сейчас прилетели в Японию в Teshima Art Museum и Chichu Art Museum на Наосиме, Япония, Иман сразу узнала почерк архитектора: и спросила: «Мама, а это ведь тот же архитектор, что и музей в Алматы?» ✨ Теперь у нас родился  грандиозный план - посетить все шедевры студии SANAA по всему миру! Среди must-see:    •🏛 21st Century Museum of Contemporary Art, Канадзава, Япония - круглое прозрачное здание, отражения и минимализм.    •🏛 Sumida Hokusai Museum, Токио - стеклянные фасады, вертикальные линии, современная гармония с городом.    •🏞 Rokko Housing, Кобе – ступенчатый жилой комплекс на склоне горы, архитектура превращается в арт-объект.    • 🏙 New Museum, Нью-Йорк, США - белые кубы в «стопке», минимализм и городской контраст.    • 🏰 Louvre-Lens, Франция - низкая прозрачная постройка, интегрированная в бывшие угольные шахты. А вам интересно собирать такие архитектурные впечатления вместе с детьми? Они учатся видеть пространство, свет и форму, и влюбляются в архитектуру. А еще, в каждом музее Иман придумывает свой Арт и как она его создаст. #SANAA #архитектура #современноеискусство #музейнаяпутешествие #Almaty #Teshima #Naoshima #RokkoHousing #21stCenturyMuseum #HokusaiMuseum #NewMuseum #LouvreLens #travelwithkids #architecturelovers #instatravel #minimalism #artandarchitecture

😱 Этот музей заставил меня задуматься о переезде! MOCAUP - Museum of Contemporary Art & Urban Planning (Шэньчжэнь, Китай) Музей рассказывает историю города, который в 1980 году был рыбацкой деревней с населением 30 000 человек. За 45 лет - 17 миллионов жителей, штаб-квартиры Huawei, Tencent, DJI, BYD, звание «Город дизайна» от UNESCO. Внутри два музея в одном: современное искусство и история городского планирования. В атриуме мультимедийная инсталляция 15 метров в диаметре, уходящая на 50 метров вверх. На полу экраны с видом с птичьего полёта на разные этапы застройки города. Все это на незнакомом языке, но ты не можешь уйти. Зашла сделать пару снимков и пропала на 6 часов! 🙈 Вот он - дизайн эмоций высшего пилотажа🔥 📍 No. 184 Fuzhong Road, Futian District, Shenzhen А вам приходилось бывать в музеях, из которых не хотелось уходить? 👇