Медведиум

Вчера посмотрел «Драму» и весь день хожу и думаю о том, как очень простыми композиционными решениями оператор и режиссёр визуально изображают конфликт между героями. Сравните два кадра из начала фильма и второй половины. В первом герои вместе и одного размера — они тут любят друг друга. Во втором они разделены стеной, столом, обрамлениями окон и ещё и масштабы разные — здесь один явно доминирует в сцене, и угадайте кто. При этом Паттинсон и там, и там в трусах 👙 Такое простое решение и так хорошо работает. Иногда уж точно надо не усложнять.

Химия с cg-персонажем в «Проекте „Аве Мария”» Самое крутое в «Проекте „Аве Мария”» и что-то редкое в кино, в целом, — это химия реальных живых дружеских отношений между Гослингом и инопланетным существом по имени Рокки. Мы верим, что они подружились и подключаемся к ним. Химия между героями — это, то, что возникает в моменте. В одном дубле она может случиться, а в другом нет. Её нельзя прописать в сценарии. Это именно магия реальности взаимоотношений, которая возникает между живыми артистами. И возникает она только там, где есть много импровизаций, где они подкидывают друг другу шутки, где дурачатся исходя из своих характеров и т.д. Только импровизация и совместное проживание сценария создаёт химию на экране. Но чтобы случилась химия нужен живой объект, который будет двигаться, сшибать всё на пути, который будет отвечать и вызывать реакции. В общем, полноценный персонаж. И режиссёры «Проекта „Аве Мария”» нашли способ оживить Рокки и дать ему возможность импровизировать. Поэтому за Рокки стоит артист кукольного театра Джеймс Ортиз. А Рокки — это специально-сконструированная кукла, которой управляют пять человек под руководством Ортиза. Таким образом Гослинг взаимодействует не с теннисным мячиком или лежащим плюшевым зелёным мешком, а с полноразмерной куклой Рокки, которая живёт в кадре физически, потому что за ней стоит реальный актёр, который погрузился в роль Рокки и проработал его. Причём, Ортиз играет Рокки даже там, где нет куклы. Например, в сцене, где Рокки в шаре катается по кораблю (на видео). Таким образом, у Гослинга всегда был реальный партнёр-актёр на площадке. К Ортизу относились именно, как к полноценному артисту, а не к кукольнику, они вместе читали и разбирали сценарий, он предлагал идеи по персонажу и т.д. Такой и только такой подход дал им возможность импровизаций. Именно поэтому и родилась химия между персонажами. Яркая деталь фильма — жест пальцем вниз, как пальцем вверх появился как раз в ходе импровизаций. Кукла Рокки просто не могла поднять руку по-другому в ответ на действия Гослинга. И это стало эмоциональной смешной находкой. Если бы это был fullCG персонаж, то о таком решении никто бы не задумался, и на графике бы просто сделали палец вверх. И фильм бы очень многое потерял В итоге, Ортиз так вжился в роль, что его голос стал голосом Рокки. А решение с куклой оказалось настолько хорошим, что в половине кадров Рокки — это именно кукла с площадки без 3д-графики (ну, конечно, после клинапов 5 человек, которые ей управляют).

Джеймс так глубоко понял Рокки, что дошел до того, что он знал, что скажет Рокки, что он не скажет, и что он будет делать Райан Гослинг

То, что они сделали с Рокки — это шикарный урок режиссуры и работы с анимационными персонажами. И лучший бадди-дуэт этого года. А классное интервью с Ортизом рекомендую почитать, там про то, как происходили пробы, репетиции и т.д.

Все эти крупные планы из фильма «Иван Грозный» Сергея Эйзенштейна объединяет то, что в фильме у этих героев них нет ни единой строчки текста. Это актёры массовых сцен. При этом, оцените, какой крутой подбор лиц! Они как будто сошли с карикатур или шаржей. А сочетание света, костюма и угла съёмки усиливает эти образы на максимум, делая их очень графичными. Это не просто люди на фонах, а каждый из них становится образом, за которым прячется целый пласт характеров. Я не могу вспомнить тех, кто в современном кино так же детально, как Эйзенштейн, работает с массовкой. Помогите мне🗜

Только я написал что DFD (напечатать цифровой фильм на плёнку, а потом снова отсканировать) никогда не используют для всего фильма. И вот оказывается свежий «Проект „Аве Мария”» с Райаном Гослингом целиком прогнали через этот процесс. И не кто-то, а оператор Грег Фрейзер, который с этим больше всех остальных в Голливуде экспериментирует. Он уже гонял на плёнку и обратно фрагменты «Дюны» и «Бэтмена». В «Проекте „Аве Мария”» это сделано, не просто для красоты, а для усиления драматургии, чтобы визуально развести две ветки фильма — на земле и в космосе. Поэтому их не просто сняли на разную оптику с разным соотношением сторон, но и напечатали на разной плёнке, что даёт действительно разный характер изображения. В общем, у меня уже случился главный претендент на Оскар за операторскую работу.

Когда Джордж Миллер после съёмок первого «Безумного Макса» пожаловался культовому австралийскому режиссёру Питеру Уиру на все то дерьмо, что ему пришлось пережить во время создания дебютного фильма и поделился сомнениями насчёт съёмок второй части, то более опытный постановщик ответил ему:

Джордж, это неизбежно с каждым фильмом. Ты должен подходить к нему так, будто идешь патрулировать джунгли Вьетнама. Ты не знаешь, где снайперы и мины. Тебе следует сосредоточиться на главной цели и не терять никого из виду.

Эта универсальная цитата относится к любым съёмкам. А про то, почему у Миллера вообще появилось такое упадническое настроение я писал месяц назад. И намерен продолжать

«Генеративный ИИ не знает о физике, не знает о геометрии, и он делает всякое безумное дерьмо» Оказывается, что ИИ можно распознать по неправильно cгенерированной перспективе. В жизни у всех линий, теней и отражений есть одна точка схода. Это базовая база в школах рисования, самая основа физики изображения. Но у ИИ не получается сгенерировать перспективу правильно. Поэтому на ИИ-картинках точек схода становится много. Все три картинки в посте — это ИИ, который не смог. Я перепроверил на своих генерациях, и это действительно так. ИИ стабильно делает кучу точек схода. Хани Фарид, эксперт по цифровой криминалистике и распознаванию фейков, чей цитатой я начал пост, считает, что ИИ-компаниям не выгодно тратить огромные ресурсы на то, чтобы это исправлять, т.к. обычному зрителю правильность перспективы не важна. Ну, чтож — проверим в ближайшие пару лет, а пока знаем, как отличать даже мега фотореалистичные генерации. Подробнее в журнале Science

Сняли очень классный проект, обязательно о нем расскажу подробно. Там много интересного, но нужно чуть-чуть подождать (сколько — показываю на фото) Примерно пару месяцев 🤾‍♂️

Проявила пленку, а там почти backstage со вчерашней смены😍 Кааак же было кайфово, всегда бы так работать: - Команда топчик - Клиент выбрал самые афигенные образы - Смена закончилась на 50 минут раньше - Норма обнимашек была соблюдена - Актеры котики Ставлю этой смене 10/10😂 Не устану повторять как сильно я люблю свою работу❤️

Вот это я понимаю «Воруй как художник»! Это вам не просто кадр из чужой рекламы повторить. Дэвид Линч и его отсылки на картины Фрэнсиса Бэкона

А теперь я хочу помечтать 😎 С текущим уровнем генеративного видео, уже возможно взять и собрать весь твой сценарий в готовое видео от начала и до конца. Возможности, препродакшена невероятно расширяются. Ты можешь быстро потестить все решения, от костюмов до кастинга и раскадровки. Представьте, что у вас есть нейроверсия вашего будущего фильма, проверенная зрителем, вы понимаете, в какие моменты зал смеётся, когда держится в напряжении и т.д. Т.е. буквально у вас не будет этой обычного в кино процесса, когда часть снятого не входит в фильм. Вы уже проверили и понимаете, что надо снять. В утопичном прекрасном мире кинопроизводства будущего, нейрофильм — это то, что станет нормой в крупном студийном кино. Я выше писал про прешут, так вот — нейрофильм может заменить прешут и помочь увидеть фильм, не потратив кучу денег (потому что он объективно дешевле прешута). И более того, не просто увидеть, а решить, какой из десятков фильмов стоит запускать в производство, на основе фокус-групп, которым показывают эти нейрофильмы. Это, как пилот сериала. В мире, где кинопроизводство с каждым годом становится всё дороже, возможность проверить потенциал проекта до его съёмки — это возможность, которая дорогого стоит. Но это реализуемо только в таких продакшенах, где так же, как и в Pixar, понимают важность истории и необходимость её проверки и кристаллизации. Что думаете?

«Прыгуны» и подход Pixar [6/6] А ещё пример из другой области, но тоже про уникальную организацию процессов. В один момент, команда поняла, что природа получается слишком реалистичной и шумной визуально, в ней очень много мелких структур, глаз не понимает куда смотреть и персонажи теряются. И они захотели сделать её менее реалистичной, более красивой и поэтичной. Для этого они просто взяли и остановили весь рабочий процесс на три недели! Вместо того, чтобы продолжать работу по мультфильму они занялись тем, чтобы переизобрести метод реализации всего окружения. Три недели остановки всей работы, чтобы найти красивое решение! Вы можете себе такое представить? У любого российского продюсера начался нервный тик на этих строках. А Pixar просто взяли, остановились и, чёрт возьми, пошли подумать и поискать. Придумали, кстати, интересное решение рендерить не фотореалистичные листья, а что-то вроде красивых мазков кисти вместо каждого листа. При этом подбирать их на основе того, как бы выглядели реальные листья в реальном освещении. Т.е. построить реалистичную сцену, а потом интерпретировать её в импрессионистском ключе.

«Прыгуны» и подход Pixar [5/6] Специально перевел для вас пример одной из так называемых гэг-сессий — первой стадии работы, из которой рождался мультфильм. Это часть процесса, когда сценарная комната, состоящая из раскадровщиков, рисует и придумывает сцены или отдельные гэги. На видео они как раз презентуют внутренней команде одну из новых сцен. И оценивают работает ли она в самом первом приближении. Это, конечно, реконструкция метода для журналистов, но процесс видно очень наглядно. Этой сцены, кстати, тоже нет в фильме.

«Прыгуны» и подход Pixar [4/6] Ещё микро-пример без сполейров В маленькой сцене на видео им было важно избежать ощущения того, что героине больно, когда медведь берёт её в пасть. Оказалось, что это решается достаточно просто. Нужно убрать звук сжимающихся челюстей и дать комичные трубы. Это небольшая мелочь, но она показывает насколько вообще создатели заморачивались и насколько тотален их подход с проверкой фильма. А теперь спойлер про другую сцену Очень долго искали как сделать сцену срывания лица с роботизированной версии мэра Джерри. В первых версиях дети пугались, а не смеялись. Потом что он дико орал от боли, когда лишался лица и это выглядело очень жутко. В итоге, там тоже убрали звук крика и дали ему болтать в процессе так, что он как будто не замечает срывания маски. И сцена стала работать на семейную аудиторию

«Прыгуны» и подход Pixar [3/6] Одной из основных проблем фильма с самого начала, было то, что зритель не готов сопереживать главной героине только потому что она эко-активистка. Наоборот, её боевой и дикий настрой очень долго сбивал зрителей, и она была героем, к которому зритель не подключается. В один момент монтажёр предложил использовать выброшенный флешбек и начать с него фильм. Это был рассказ о том, как бабушка в детстве учит нашу героиню слышать и любить природу. И вот этот блок помог построить нужный эмоциональный мостик к героине. В общем, пока авторы не убили бабушку не появился целый блок сцен из детства героини, делающий её более человечной, зритель не мог себя с ней идентифицировать. А когда нам объяснили откуда идёт её любовь к природе, это всё поставило на свои места. Вот что про это говорит монтажёр:

Не стоит быть тем, кто «убивает атмосферу» (vibe-killer), говоря: «Не думаю, что это сработает. Нам не стоит этого делать!» Лучше сказать: «Я не знаю. Давайте попробуем! Давайте посмотрим, что получится!» Даже если умом вы думаете, что это не сработает. Я обнаружил, что часто ошибаюсь. Вы должны послушать фильм. Фильм рассказывает вам, каким он хочет быть.

Вот именно в том, чтобы послушать фильм и дать ему самому проявиться и есть метод и чудо Pixar.

«Прыгуны» и подход Pixar [2/6] Собрал ещё несколько примеров, того, как постепенно улучшается визуал и насколько подробные у Pixar сториборды. Это не привычный нам в рекламе аниматик, тут всё супер-подробно. И с такой «уродливой версией фильма» можно действительно многое понять и оценить, как работает. А лучший пример посмотрите по ссылке — это вырезанная сцена, которая не вошла в финальный мультфильм. Вот именно такие сборки и смотрит команда на самых первых этапах работы.

«Прыгуны» и подход Pixar [1/6] Особенность Pixar в том, что их работа над фильмом — это постоянные улучшения сторителла. Их подход в том, чтобы постоянно проверять историю на прочность и выкристаллизовывать фильм, внося изменения вплоть до релиза, улучшая и улучшая. Их сценарий очень рано перестаёт быть текстовым документом, а становится «уродливой версией фильма». Т.е. фильмом от начала и до конца, но пока без анимации, а только из раскадровок и чернового звука. И для этой «уродливой версии» сразу же устраиваются внутренние показы ключевым режиссёрам студии. Их фидбек — это не похвала и не решение проблем фильма. Нет! Это длинный список того, что не работает и не получилось. Они жёстко критикуют и подсвечивают все проблемы. Отправляя режиссёра искать решения самостоятельно. Постепенно, пока раскадровка проходит процесс черновой графики и обретает финальную форму, этот круг зрителей расширяется всё сильнее. И каждый показ, фильм исправляется и снова измеряются все реакции. Когда мультфильм приближается финальному виду, начинаются официальные скриннинг-тесты с реальными зрителями. Это именно проверки аудиторией на реакции: смешно или нет, где теряется внимание, не слишком ли страшно и т.д. А в дополнение к этому каждый день они собираются командой и смотрят все обновления анимации за вчера. И внутри тоже обсуждают и корректируют. Более того, режиссёр «Прыгунов» раньше работал художником-раскадровщиком, поэтому его процесс — это что-то на подобие сценарной комнаты, где все не останавливаясь рисуют, и каждая идея проверяется через раскадровки. В ходе всех этих показов и обсуждений фильм переделывается десятки раз, пока не кристаллизуется идеальная версия, и фильм не начнёт работать на все сто процентов. У «Прыгунов» этот процесс занял шесть лет. Именно поэтому каждый фильм Pixar — это отличный учебник режиссуры. Тут нет ни одной случайной склейки или случайного кадра. Все не просто на своих местах, эти места прошли проверку десятки раз. А «Прыгуны» — мультфильм нетипичный для Pixar, я бы сказал, что открывающий новую главу в истории студии. Это мультфильм, который заигрывает с хоррором, но не пугает детей, а наоборот обыгрывает хоррор-клише в комедийном ключе. Мультфильм, в котором сценарий несколько раз переворачивается так, как ты этого не ждёшь. В общем, всем рекомендую.

Как поменялся топ-250 великих фильмов за 12 лет Пользователь Reddit сравнил, как изменился топ-250 фильмов Letterboxd с 2013 по 2025. Это киноманский сайт, где любители кино отмечают свои просмотры и ставят фильмам оценки (в отличие от КП и imdb тут публика более искушённая). Так что результаты — это тренды в киносмотрении, в основном, англоязычной аудитории. — Великий советский фильм «Летят журавли» (1967) с 2013-го года поднялся на +198 пунктов и в 2025 был на 31 месте (вместо 229). — Трёхчасовой японский фильм «Удел человеческий 3» (1961) теперь на втором месте (вместо 250). Абсолютный рекордсмен с +248 пунктов. — Французская андерграундная пацанская «Ненависть» (1995) +160 пунктов и теперь уверенное 19 место вместо 179. — «Криминальное чтиво» (1994) показало самое большое падение величия, спустившись с 5-го на 229 место, −224 пункта. — Культовая трансцендентальная «2001: Космическая одиссея» (1968) упала с 18-го на 214, −196 пунктов. — «Бойцовский клуб» (1999) спустился с 38 на 195, −157 пунктов. — «Вечное сияние чистого разума» (2004) −144 и теперь на 241 вместо 97-го. Никогда бы не подумал, что есть миллениальский список великих фильмов, а есть зуммерский. И что вообще тренды в киносмотрении и тренды на киноклассику так меняются. А за «Летят журавли» и «Иди и смотри», которые теперь на 3-ем месте вместо 41 даже почувствовал гордость. Если хотите сами потыкать, то список 2013 и список 2025.

«Прыгуны» (2026) vs «Птицы» (1963) А почему никто не пишет о великолепной отсылке к Хичкоку в свежем Пиксаровском мультфильме?

Процесс [итоги] — реклама Дикси х «Брат» Цель этой большой серии постов была сделать выводы о том, насколько нейронки могут влиять на продакшн. Ниже целый список преимуществ, которых оказалось неожиданно много, со ссылками на посты, где про каждое пишу чуть более подробно. Главный вывод такой, что нейроматик — это шикарный инструмент визуализации, который даёт возможность максимально наглядно увидеть результат до съёмок и синхронизироваться с клиентом буквально в каждой детали, а на съёмках кайфовать и улучшать то, что согласовано. Очень много решений у нас родилось как раз благодаря тому, что мы согласовали ролик и голова работала в режиме улучшений, а не борьбы и продажи своих идей клиенту. Нейрогенерации нагляднее, чем раскадровка или эскизы показывают клиенту финальный ролик [1] и [2]. Нейронки могут советовать и генерировать неожиданные идеи, о которых ты бы никогда не подумал [3]. И даже где-то они могут перетянуть одеяло в плане креатива [4]. По итогу генераций можно понять, чего не хватает, а что работает неправильно и все поменять [5]. Можно увидеть, как в выбранной локации сработает освещение, сет-дизайн и герои [6]. А ещё нейроматик — это способ утвердить ритм ролика и увидеть насколько много продукта, людей, переходов в кадре [7]. В общем, у меня точно теперь зависимость, потому что это реально упрощает работу на площадке и улучшает результат. Но усложняет работу на подготовке А чему я научился и что важно знать при работе с проектором я написал тут. Да, это тоже выводы с этого же проекта.

Процесс [7/7] — реклама Дикси х «Брат» Последнее, что хочется рассказать про нейронки, прежде, чем подводить итоги. На видео выше две версии нейроматика: первая и последняя. В первую очередь в глаза бросаются изменения сцен, о которых я написал выше. Но тут есть ещё одно менее очевидное преимущество. Нейроматик помогает оценить ритм сцен и каждого кадра, убедиться, что зритель отлично считывает и понимает историю. Это точно незаменимый инструмент для начинающих режиссёров, которые ещё не умеют точно считать хронометраж кадров в голове. Теперь не нужно, как учили классики «монтировать в голове или на бумаге», можно нормально взять и смонтировать в монтажной программе. Также это отличный способ доказать клиенту, что короткие кадры хорошо ложатся в монтаж и всё считывается. Кто сталкивался, тот поймёт насколько это часто клиентское опасение, когда они видят, что кадр длится секунду или меньше. И, наконец, отличный способ выйти на диалог о ритме с клиентом до съёмки. Понять, где стоит удлинять какие-то кадры или сцены, где нужно дольше показать продукт или где наоборот можно меньше его показывать и т.д. У нас, например, удлинилась проходка парня среди колонн.