Фотографический Dead

Всё же я надеюсь, любопытство взяло верх и вы сами нашли этот проект и его автора. Но если нет, то вот вам ссылка. Если вы до сих пор не знакомы с Еленой Аносовой, то самое время познакомиться. "В художественной практике Елена Аносова работает с визуальной социологией, соединяя документальные, концептуальные и инсталляционные практики, комбинируя разные медиумы: фотографию, скульптуру, видео, графику, работу с архивными изображениями и издание книг. Интересы художницы сфокусированы на теме границ (личных, социальных, геополитических и др.), трудном наследии, природе взаимоотношений и тихих последствиях в контексте изолированных сообществ." (взято с сайта Елены) https://anosova.com/lockerroom

Итак, о фотографии. Мы видим девушку в пространстве общественной раздевалки. Мы не видим ее лица и эмоций поэтому язык тела выступает как-бы основным коммуникатором со зрителем. Тело не в позе и не в культе, оно в повседневности. Комбинация наготы и закрытости (поза, волосы) создаёт внутренний конфликт: желание укрыться. Такой подход «разоружает» зрителя, снимая с тела ореол гламура и стыда. Татуировки как элементы телесной истории и самоопределения. Повседневная одежда не похожа на униформу, но это остается вопросом, поскольку мы не знаем что в шкафчиках. Зритель здесь скорее наблюдатель, поскольку контакт с героем через взгляд исключен. Мы видим противопоставление геометричной организации пространства и уязвимого переходного состояния тела. Свет падает диагоналями создавая драму. Я предполагаю, что вся история скорее всего о теле и обществе. В следующем посте узнаем о замыслах автора. Оставайтесь, участвуйте. Давайте идти к искусству вместе.

О смыслах. Мы часто слышим фразу - искусство транслирует смыслы. Но что это значит? В чем смысл этого смысла? Давайте разбираться. Первое - смысл это не только конкретное значение, это открытая интерпретация. И она чаще всего множественная, оттого и смыслы. Если до сих пор не стало понятно, то попробуем так: искусство не просто выражает или изображает, оно порождает слои значений. Эти слои могут быть: - конкретными (политическое послание, мораль, метафора), - эмоциональными (чувство тревоги, нежности, уязвимости), - философскими (вопрос о свободе, времени, смерти), - эстетическими (ощущение красоты, ритма, баланса). Структурные составляющие смысла Знак/образ — материальная форма (например, картина, фотография). Контекст — где и как это появляется (музей, Instagram, улица). Интенция автора — что он/она хотел(а) вложить. Интерпретация зрителя — что зритель считывает, возможно иначе, чем автор задумал. Философские подходы - Семиотика (Пирс, Барт): смысл возникает как результат взаимодействия знака и интерпретанта. - Герменевтика (Гадамер, Рикёр): смысл — это результат истолкования и всегда контекстуален. - Арт-философия (Данто): смысл — это то, что отделяет произведение искусства от просто вещи, даже если они физически идентичны Например: на картинке изображен: мост, что это значит? Переход, время, индустриализация и т.д. А теперь попробуйте в комментариях осмыслить данное изображение, наделить его смыслами с минимумом контекста. А в следующем посте я покажу всю серию и дам контекст автора. (Просьба тех, кто знает не рассказывать) Итак предлагаю ответить на главные вопросы: - Что и кто на изображении? - Что всё это может значить?

О смыслах. Мы часто слышим фразу - искусство транслирует смыслы. Но что это значит? В чем смысл этого смысла? Давайте разбираться. Первое - смысл это не только конкретное значение, это открытая интерпретация. И она чаще всего множественная, оттого и смыслы. Если до сих пор не стало понятно, то попробуем так: искусство не просто выражает или изображает, оно пораждает слои значений. Эти слои могут быть: - конкретными (политическое послание, мораль, метафора), - эмоциональными (чувство тревоги, нежности, уязвимости), - философскими (вопрос о свободе, времени, смерти), - эстетическими (ощущение красоты, ритма, баланса). Структурные составляющие смысла Знак/образ — материальная форма (например, картина, фотография). Контекст — где и как это появляется (музей, Instagram, улица). Интенция автора — что он/она хотел(а) вложить. Интерпретация зрителя — что зритель считывает, возможно иначе, чем автор задумал. Философские подходы - Семиотика (Пирс, Барт): смысл возникает как результат взаимодействия знака и интерпретанта. - Герменевтика (Гадамер, Рикёр): смысл — это результат истолкования и всегда контекстуален. - Арт-философия (Данто): смысл — это то, что отделяет произведение искусства от просто вещи, даже если они физически идентичны Например: на картинке изображен: мост, что это значит? Переход, время, индустриализация и т.д. А теперь попробуйте в комментариях осмыслить данное изображение, наделить его смыслами с минимумом контекста. А в следующем посте я покажу всю серию и дам контекст автора. (Просьба тех, кто знает не рассказывать) Итак предлагаю ответить на главные вопросы: - Что и кто на изображении? - Что всё это может значить?

О смыслах. Мы часто слышим фразу - искусство транслирует смыслы. Но что это значит? В чем смысл этого смысла? Давайте разбираться. Первое - смысл это не только значение, это открытая интерпретация. И она чаще всего множественная, оттого и смыслы. Если до сих пор не стало понятно, то попробуем так:

Осенняя готика и котики из Пушкина. Сегодня без слов. Как прошли ваши выходные? П.С. Сколько котиков на фотографии?)

📸 Lucas Foglia — Human Nature Проект, который пытается поймать тонкую границу между человеком и природой — там, где мы вроде бы наблюдатели, но на самом деле часть одной системы. Фоглия ездит по фермам, городам, заповедникам и лабораториям, где люди измеряют, как природа влияет на мозг. На его снимках нет романтики дикости, скорее — ощущение того, что дикая природа и человек теперь спаяны одной инфраструктурой. Мне кажется, в этом проекте есть что-то от попытки вернуть себе способность чувствовать связь с внешним миром — не как «вдохновение», а как факт существования. Какое высказывание вам вам ближе, человек это: - гармоничный поворот эволюции - тупиковая случайная ошибка 🌿 lucasfoglia.com/human-nature

Очевидное невероятное. Возможно я сейчас какую-то глупую вещь напишу, но тем не менее мне хочется поразмышлять и зафиксировать кое какие выводы.Возможно они будут полезны начинающим художникам. Так вот. Если мы исторически окунемся в реку времени и посмотрим на путь фотографии длинной в ~185 лет, то обнаружим, что большую часть она была связана с аналоговыми процессами. Примерно до 90-х прошлого века, пока не появилась цифровая фотография. Следующий этап, и мы тому свидетели это алгоритмический/нейросетевой сдвиг. Итого получается: ~ 150 лет - аналоговая ~ 30 лет - цифровая ~ 5 лет - алгоритмическая. И здесь мне хотелось бы поговорить скорее не об исторических этапах, а скорее о разных формах, используемых художниками. То есть, когда сегодня художник обращается к той или иной технологии фотографии, он использует форму (аналоговую, цифровую, алгоритмическую). И здесь, на этапе выбора формы и встает вопрос: если я выбираю ту или иную технологию, думаю ли я о том, как это влияет на будущее высказывание? Или я просто привык и мне нравится в той форме, которую я собираюсь использовать? То есть на данный момент "технология" может и, возможно, должна использоваться как часть концепции, идеи для усиления высказывания. Для аналогии приходит в голову мысль о фотокниге или книге художника, где мы подбираем форму, порядок, текстуру и цвет бумаги и так далее для того, чтобы целостно упаковать свою идею. Не исключено, что в проекте можно использовать разные виды "технологии". Это поможет обогатить идею, добавить новые временные или смысловые слои. Такие мысли на сегодня, что скажете? Изображения: Анастасия Тайлакова - старая цифровая камера Виталий Северов - плёнка Дмитрий Печурин - современная цифровая камера Федор Максимишин - нейрогенерация Денис Шулепов - стилл записи с VHS

Концептуализация через оппозиции «Художник больше не утверждает мир — он ставит его под вопрос.» Не так давно куратор практики показал мне инструмент, который, как оказалось, — одна из базовых вещей для всех, кто работает в поле современного искусства. Это метод концептуализации через оппозиции. Суть проста, но мощна: 1️⃣ Тезис — утверждение, «норма» или культурная установка. 2️⃣ Антитезис — её опровержение, искажение или отрицание. 3️⃣ Синтез — в искусстве часто не достигается, оставаясь как поле напряжения. 📷 Пример: Тезис: Фотография фиксирует реальность. Антитезис: Фотография конструирует реальность. Синтез: Фотография становится критическим языком, показывающим границы видимого. Любое явление или форма уже содержат собственное противоречие. Если поставить эти полюса рядом — между ними рождается смысл, который невозможно выразить иначе. Почему это важно: • Это структура мысли, не требующая сюжета. • Она помогает избежать банального «за» или «против». • Через противоречие рождается многослойность — смысл начинает вибрировать, как свет между зеркалами. • Противоречие — то, что заставляет зрителя остановиться и думать. Классическое искусство стремилось к целостности. Современное — к разрыву, несовпадению, сомнению. Именно в этом — сила антитезы. ⸻ 💡 Попробуйте: выберите одну установку своей практики и поставьте ей антипод. Посмотрите, что откроется между ними.

THOUSAND YARD STARE. Пишу по горячим следам. Вчера посетил выставку Олега Савунова с указанным названием. Сразу оговорюсь, что всё сказанное здесь является моим личным мнением. Естественно я предлагаю вам ознакомиться с кураторским текстом который есть на двух фотографиях. Дальше интерпретирую свой опыт. После того как я ознакомился с текстом я подумал об относительности измерений человеческого опыта, и о том запутанном времени в котором мы живем сегодня. Есть точка откуда мы смотрим на мир и наш контекст и бэкграунд. Поэтому я подхожу к первым работам висящим вместе и начинаю погружаться в изображения, пытаясь сопоставить свой опыт проживания с предъявленными автором изображениями. Те кто бывал на заброшенных, разрушенных или превращенных в мемориалы фортах Кронштадта или Владивостока меня поймут. Здесь меня скорее уносит в воспоминания о путешествии по Приморью Дальнего Востока, возвышенности над морем, бесконечный горизонт и ветер. Именно возвышенность передает нам чувство возвышенного романтического (простите за тавтологию) взгляда индивида в бесконечный простор бытия. Далее на более крупных планах автор нам как бы дает детали, которые на первый взгляд могли бы нам что-то разъяснить, но происходит наоборот. Такие элементы есть в любых руинах. Но я не успокаиваюсь, начинаю рассматривать самую большую по площади фотографию и нахожу там занятную деталь, которая раскрывает нам всю интригу места. Но я верю в то, что это не случайно, по крайней мере этого принципа я придерживаюсь сам: всё что есть в произведении оставлено автором - оставлено там намеренно. Здесь возникает новый слой произведения, новая параллель, которая интерпретируется зрителем относительно его опыта. Следуя дальше мы видим детали пейзажа и руин, дороги днём и ночью. Возникают животные, как полноправные обитатели покинутых мест. Есть ещё одновременно странный и смешной отчего жутковатый портрет лошади в маске, который говорит нам больше о прошлом людей, нежели о настоящем всех остальных присутствующих зверей. В итоге, складывается ощущение исчезающих следов человеческой деятельности, где руины превращаются в пейзаж. Это кстати подчеркивает и архитектура выставки выполненная из профилей и отрезов гипрока. Но зацепленный в начале нюанс не дает возможности в полной мере отстраниться и погрузиться в созерцание возвышенного. Возможно здесь и возникает эффект «THOUSAND YARD STARE» - происходит погружение не в детали ландшафта, а в размышления и в текущий контекст. Читателю же я предлагаю самому, разгадать таинственный контекст. Подсказка спрятана в изображениях приложенных к посту. Пара слов о самих изображениях, точнее об их исполнении. Автор в частном разговоре сказал, что он не придавал принципиального значения выбору техники и снимал доступными из возможных способов. Отчего есть снимки и аналоговые и цифровые. Если бы этого разговора не было я бы подумал, что такое мерцание (а оно заметно) тоже задумка автора. Но позволю здесь вставить свое мнение, я бы выбрал цифру как взгляд из современности, ее звенящую и гиперреалистичную детализацию и резкость, которая травмирует взгляд словно нож. И отдельный респект автору за то, что самостоятельно изготовил рамы для оформления работ, вышло очень здорово. П. С. Спасибо Стасу за компанию.

Откуда берутся идеи? В продолжении предыдущего поста про наброски. Когда-то давно я не мог выдавить из себя практически ничего. Я думал: о боже какой-же ты тупой Вася. И был прав в том, что тогда мой мозг еще не был заострён, под производство идей и концепций(об этом в другой раз). Теперь же я не знаю куда деваться от этих идей. Всё дело в том, что любая идея требует доработки, идея это лишь крючок, на который ты ловишь рыбу. И вот чтобы эту большую рыбу достать приходится прикладывать усилия. И часто бывает так, что покрутив несколько дней в голове идею она вдруг высыхает словно червяк и кажется незначительной и глупой. Тогда он отправляется в банку, ждать своего часа. Какое-то время назад я таскал камеру с собой в лес на прогулки и был убежден, что мне нужно снимать разного рода гибнущие деревья. Я наснимал их кучу но пока они так и лежат кучей. Возможно это что-то про травму или какие-то личные переживания, которые я в тот момент не мог вербализовать да и до сих пор не могу. Но пока что я не понял. Хотя потенциал вернуться к этим деревьям уже накапливается, как и куча других идей. Возможно я не до конца понял, как работать с этим потоком, в котором столько рыбы. Но ведь искусство это и есть поток и я сам в нём как рыба. Эх жизни бы хватило на их реализацию. Скоро я расскажу вам про тезис-антитезис. Оставайтесь. Зовите сюда друзей.

Наброски (не название). Моя давно длящаяся практика съемки в локации недалеко от дома. Практически с самого переезда я фиксирую жизнь возле воды Финского залива на берегу Васильевского острова. Здесь сфокусированная подборка досуга разных людей в разные годы. Люди хотят видеть воду, хотят ее ощущать. Они ходят загорать, созерцать и дышать, вкушать шашлыки в компании друзей. Бесконечный горизонт дает успокоение. На этих фотографиях, внимательный зритель может заметить как меняются детали на задних планах. Масштабный намыв и стройка переиначивают ландшафт и люди постоянно адаптируются к изменениям.

Это было еще до того, как я задумался стать художником в фотографии) Специально для съемки заказал девчонкам гетры под форму. Сразу не подписал релизы и пришлось потом одной маме долго объяснять, что для публикаций нужно письменное разрешение.

https://aspace.assembly.ru/выставка-олега-савунова-thousand-yard-stare Идти или не идти?

Был весной в галерее Джессика на выставке Гронского а вам не показал. Вот каюсь. Особенно залип на видео с лыжником. Не хочется ничего писать просто поделиться.

⬆️На первый взгляд, эту работу вполне можно принять за Чёрный квадрат Малевича, однако постепенно из темноты начинают проступать очертания лба и скул. Саймон почти не использовала экспозицию, передав образ Билла Гейтса как тёмный зашифрованный символ, нечто не более значимое, чем голограмма. Сопутствующий текст причисляет Гейтса к основателю «Корбис», компании, управляющей доступом к одному из крупнейших исторических фотоархивов. «Стертый» профиль владельца компании и фотоархив — две стороны одной медали. В 1995 году компания «Корбис» (частная компания Билла Гейтса) приобрела Архив Беттмана, в котором хранятся фотоснимки, незаконно вывезенные из нацистской Германии Отто Беттманом в 1935 году. В момент приобретения коллекция насчитывала около 17 миллионов фотографий и включает некоторые знаменитейшие фотографии истории, например, фото Неизвестного бунтаря на площади Тяньаньмэнь, фото взрыва на «Гинденбурге», фото Альберта Эйнштейна с высунутым языком, Американской высадки подкрепления на пляже Омаха-Бич, ядерного гриба над Нагасаки и марширующего Адольфа Гитлера в Мюнхене. В 2002 году Гейтс перенёс архив на склад Iron Mountain, расположенный на глубине 70 м под землёй, в 60 км от Питсбурга. На этом складе разложение снимков происходит медленнее, а также обеспечивается защита в случае стихийных бедствий. Однако это делает доступным для историков и исследователей лишь небольшое число оцифрованных снимков. По состоянию на февраль 2013 года доступно лишь 25% архива. Из книги "Современная фотография в деталях" Я пытался уточнить о состоянии архива на сегодняшний день, но в сети об этом тоже ничего не нашлось. И портрета Гейтса на сайте Саймон я не нашел)

Черный квадрат I. Билл Гейтс. Автор: Тарин Саймон, 2008. Это довольно странно, но эту фотографию в сети я не нашёл. Но тем интереснее. Здесь для вас переснял ее из книги "Современная фотография в деталях" Американский фотограф Тарин Саймон (1975-) прославилась своими тщательно проанализированными, крупномасштабными концептуальными проектами и инсталляциями, бросающими вызов документальному жанру. Особую известность ей принесла серия работ Американский указатель спрятанных и неизвестных (2007), на которых изображены неизвестные места, от завода по переработке ядерных отходов до коллекции произведений искусства ЦРУ. Серию Черный Квадрат называли современной данью Казимиру Малевичу с его легендарной одноимённой супрематистской композицией (1915). Однако такое определение не совсем правильно. Малевич рассматривал свою работу как способ "освободить искусство от мёртвого груза реальности"," для супрематиста визуальные явления объективности... не имеют смысла". Саймон же, напротив своеобразным способом вливает новый смысл в абстракцию и по-новому истолковывает работу супрематиста.Она изображает позабытое, незаметное и неувиденное, превращая "жест неприятия" Малевича в символ памяти.

Подумываю над сменой названия канала, расскажите что вообще думаете об этом?) Фото из последней вылазки на намывные территории.