𝐑𝐮𝐬𝐬𝐤𝐢𝐲 𝐀𝐯𝐚𝐧𝐠𝐚𝐫𝐝

АКАНИС – Академия Аналитического Искусства – это товарищество художников-контравангардистов, в чьих работах оригинально и полноценно реализуются принципы космизма и нового концептуализма. Его особенность состоит в том, что ориентирован он не на проблемы художественного языка, а на художественное осмысление самых основ бытия. Возникнув в 1982 году в Калуге, АКАНИС была возглавлена Петром Петровичем Козьминым, её основателем и нашим земляком. Пётр Петрович родился в Спас-Деменске в 1924 году. После фронта, обучения и работы в разных городах СССР художник вернулся в Калужскую область. Здесь он активно занимался художественным ремеслом и организовывал выставки контравангарда, например, «Индустрия – искусство», «Космос», где Пётр Петрович к тому же являлся и участником. Художник создавал новые жанры, новые техники и технологии. Он стал изобретателем собственной живописи, в чем-то сходной как со старинной иконописью, так и с классическим авангардом. В 1990-е годы П.П. Козьмин увлекся созданием гласограмм или «гласов» - так он называл живописные миниатюры на стекле, составляющие суть придуманного им направления. Пётр Петрович Козьмин умер в своей калужской мастерской 10 июля 1998 года. Основатель АКАНИСа оставил ярчайший след в художественном пространстве, а его произведения находятся не только в государственных музеях, но и в частных российских и зарубежных коллекциях Западной Европы, США, Японии. Автор материала: Дарья Волкова #Калуга_вЛицах На втором фото: «Автопортрет» 1989 г. На третьем: «Синий натюрморт» 1993 г.

​​Читаю сейчас Кэнко-хоси «Записки от скуки.» Глаза зацепились за название, а руки своевольно взяли книгу. «Записки от скуки» — один из самых известных памятников средневековой японской литературы середины XIV в. Книга написана в жанре эссе, содержит новеллы, рассуждения и рассказы об обычаях старой Японии. Сделаю небольшую ремарку про моё отношение к японской литературе: будучи ребёнком шести лет, я ходила на подготовку к школе: училась писать, считать и расстраиваться из-за кривой цифры «5». Разумеется, была и литература, где нужно было учить стихи. Для подготовки к одному из уроков на выбор были даны несколько тем стихотворений, одной из которых была весна. Моя кормилица (мама) решила, что мне необходимо выучить Басе, но в итоге свой выбор она остановила на ещё каком-то представителе жанра хайку, имя которого утеряно в моей памяти. Итог был таков: пока все дети читали про подснежники и солнышко, Варя, немного нараспев, скорее всего так оно и было, рекламировала стих японского поэта про цаплю. Если быть честной, то мне оно очень понравилось, обязательно в ближайшее время займусь поисками «Цапли». Больше отношений с японской литературой я не имела, поэтому была искренне рада, открыв эту очаровательную книгу. Мудрости и мысли, записанные автором, как-то убаюкивают твоё тревожное сознание, в чём-то даже смешат. Книга читается легко и непринуждённо.

Как Дюрер в 1498 году спродюсировал свой арт-проект, став супер-звездой (лайфхаки по-прежнему рабочие) В 1498 году, за два года до конца столетия и ожидавшегося к нему конца света, Альбрехт Дюрер выпустил в свет 15 листов серии «Апокалипсис». Сюита была задумана и осуществлена как книжное издание: на оборотной стороне гравюр был отпечатан текст Откровения Иоанна Богослова. Рассчитывая охватить как можно большую аудиторию, художник предпринял два издания - на немецком и латыни. Дюрер выпустил «Апокалипсис» на собственные средства, приняв на себя все финансовые риски. В колофоне немецкой версии он называет себя художником и печатником: это первый пример издания, полностью осуществленного мастером. Создавая очень большие для того времени ксилографии, художник драматизирует сцены, делая зрителя участником происходящего и максимально приближая изображение к переднему плану: всадники Апокалипсиса проносятся в непосредственной близости от нас, ангелы-мстители грозят задеть мечом, а верхний конец копья архангела Михаила не помещается в пространстве листа. Цикл Дюрера имел ошеломительный успех и стал грандиозным прорывом для молодого автора, его влияние распространилось далеко за пределы Германии. 📸 с выставки Альбрехт Дюрер. Гений Северного Возрождения из собрания Государственного Эрмитажа в Эрмитаж-Екатеринбург. Хорошая выставка, рекомендую.

Делюсь краткими впечатлениями о выставке Владимира Марина «Окрашено» в ProArt’s: Мне искренне понравились работы художника, хотя, если честно, думала, что волшебная краска ПФ-15 не произведет на меня впечатления, но оказалось все наоборот. Работы нужно видеть в живую, фото не передаёт эмоциональную окраску. Сходите, посмотрите и поймите Вся экспозиция мне напомнила просмотр семейного альбома. Люди-тени, но воспоминания рассеивают туман тоски и грусти. Решила написать первые впечатления, чуть позже расскажу и про чудесную, ранее указанную, краску ПФ-15, и про самого художника.

Ричард Дибенкорн - американский художник абстракционист, представитель второго поколения абстрактного экспрессионизма. «Писать с натуры, фигуративно, «то, что мы видим» - совсем не легко. Например, человеческая фигура оказывает на картину в процессе ее создания постоянное, хотя и трудно определимое влияние. Изобраемые формы наделены психологическим содержанием. Это содержание может обогатить работу, но может и мешать, вызывать нежелательные реминисценции…». Ричард Дибенкорн вырос в Сан-Франциско. Участвовал во Второй мировой войне, служил во флоте. В 1946 году возвращается в Сан-Франциско, учится там в Калифорнийской школе изящных искусств, и с 1947 года начинает в этой школе собственную преподавательскую деятельность. В этот период творчество Р.Дибенкорна показывает значительное влияние на него работ Клиффорда Стилла и Марка Ротко, в конце 40-х годов XX века также преподававших в Калифорнийской школе...

Жоан Миро — каталонский (испанский) художник, скульптор и график. Направление его творчества — абстрактное искусство. Миро также близок к сюрреализму, работы художника похожи на бессвязные детские рисунки и содержат фигуры, отдалённо похожие на реальные предметы. «Все, что я рисую, я видел в полях или на морском берегу» «Для меня объект есть нечто живое, эта сигарета или этот коробок спичек содержат секретную жизнь, куда как более интенсивную, чем у некоторых людей». «После наскальной живописи ничего великого в живописи создано не было» «Я стараюсь применять цвета как слова, формирующие стихи, как ноты, формирующие музыку». «Работы должны быть задуманы с огнем души, но исполнены с клиническим хладнокровием». «Карнавал Арлекина» Художественной галерее Олбрайт-Нокс в Буффало, Нью-Йорк «Ферма» 1921-1922, холст, масло 123,8х141,3, Национальная галерея искусства.

​​Восхождение Гильберта и Джорджа К вершинам мировой славы относится к концу шестидесятых годов, ко времени, когда, казалось бы, было поздно поражать искушенных галеристов, уже сделавших свои основные ставки, пресытившуюся публику чем-то абсолютно непохожим на ранее виденное на выставке и в художественных салонах. И все же вопреки всему они довольно быстро достигли успеха и получили широкую известность, начав с «перформансов» - искусства игры, действия, что само по себе не являлось открытием, поскольку этому предшествовали «хеппенинги», в которых сам автор выступал в качестве главного, живого объекта искусства. Но для Гильберта и Джорджа художник и художественное произведение были не просто неотделимы друг от друга, а стали одним и тем же, другими словами, создатель являлся главным и единственным продуктом собственного творчества. Естественно, философская концепция этих мастеров значительно глубже и сложнее, чем сделанный пересказ. Главное, что при соприкосновении с их творчеством, чутком сопереживании содержания работ, отмеченных ясностью изобразительных форм, выражающих конкретные понятия, возникает чувство внутренней свободы от диктата ханжества, банальных представлений о нравственных, духовных ценностях жизни. Но видимая простота создаваемых ими образов таит в себе бесконечное множество вариаций ассоциативной интерпретации смысловых значений. Произведения мастеров обращены к разуму и опыту людей, принадлежащих к различным социальным группам, находящихся в разных условиях, отличающихся друг от друга уровнем интеллектуального развития и образования.

Леонид Пастернак, оставшийся в тени всемирно известного сына Борис Пастернак писал об отце: "Папа!... Удивленье перед совершенством его мастерства и дара, перед легкостью, с которой он работал (шутя и играючи, как Моцарт) перед многочисленностью и значительностью сделанного им, — удивленье тем более живое и горячее, что сравнения по всем эти пунктам посрамляют и унижают меня. Я писал ему, что не надо обижаться, что гигантские его заслуги не оценены и в сотой доле, между тем как мне приходится сгорать от стыда, когда так чудовищно раздувают и переоценивают мою роль… " Семейные портреты и зарисовки были излюбленной темой Леонида Пастернака. Они передавали атмосферу тепла и уюта, царящую в семье, еще и прекрасно продавались.

Казимир Малевич — известный всему миру художник-авангардист, теоретик искусства, философ, дизайнер. Он творил в противоречивое время, и само его творчество было таким же — парадоксальным, неоднозначным и бросающим вызов всему, что было до него.

Евгений Ревяков родился в 1935 году в Смоленске. Закончил историко-филологический факультет Смоленского педагогического института и Московский полиграфический институт. Работает в книжной графике, живописи. Евгений Ревяков — участник выставок в России и за рубежом. Член Московского Союза художников. Произведения Е. П. Ревякова хранятся в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее. "Темы моих работ приходят из детства. То ли реального, то ли придуманного. Оно волнует и печалит меня. В то же время я понимаю: живопись самоценна, а сюжет - лишь повод для нее. И кто знает, что из чего родится" «Голубой автобус» 50×50, бумага, грунт, акрил, 1997г. «Голубые домики» 50×50, бумага, грунт, акрил, 2008г. «Осенний мотив» 80×100, холст, темпера, 1999г. «Натюрморт с корабликами» 70×80, холст, акрил, 2001г.